BENDITOS FILMES

OSCAR 2012 : AS INDICAÇÕES

2012-01-24T07:10:00.001-08:00

As indicações ao Oscar foram divulgadas esta manhã. Entre mortos e feridos, a Academia comprovou que detesta a animação "Rio", mas adora tanto a nossa música que lembrou da canção dos nossos Sérgio Mendes e Carlinhos Brown. Reabilitou filmes que estavam perdendo força como "A Arvóre da Vida" de Terence Malick e apostou as fichas no inédito "Extremely Loud and Incredibly Close". Prestigou com duas indicações o soberbo filme iraniano "A Separação", comprovando que não dá a mínima para a atual conjuntura política. Esnobou Leonardo Di Caprio e o seu belo registro de J. Edgar Hoover. Substituiu a excelente Tilda Swinton pela novata Rooney Mara e foi coenrente no quesito atriz coadjuvante incluindo a hilária Melissa McCarthy. No fim das contas a briga ficará polarizada entre "O Artista" e "Os Descendentes", com "Hugo" correndo por fora. Vamos a lista:

PICTURE

THE ARTIST
THE DESCENDANTS
EXTREMELY LOUD AND INCREDIBLY CLOSE
THE HELP
HUGO
MIDNIGHT IN PARIS
MONEYBALL
THE TREE OF LIFE
WAR HORSE

ACTRESS

CLOSE
DAVIS
MARA
STREEP
WILLIAM

ACTOR

BICHIR
CLOONEY
DUJARDIN
OLDMAN
PITT

SUPP ACTRESS

BEJO
CHASTAIN
MCCARTHY
MCTEER
SPENCER

SUPP ACTOR

BRANAGH
HILL
NOLTE
PLUMMER
VON SYDOW

DIRECTOR

HAZANAVICIUS
PAYNE
SCORSESE
ALLEN
MALICK

ORIGINAL SCREENPLAY

ARTIST
BRIDESMAIDS
MARGIN CALL
MIDNIGHT IN PARIS
A SEPARATION

ADAPTED SCREENPLAY

DESCENDANTS
HUGO
IDES
MONEYBALL
TINKER

ANIMATED FILM

A CAT IN PARIS
CHICO AND RITA
KUNG FU PANDA
PUSS IN BOOTS
RANGO

COSTUME DESIGN

ANONYMOUS
THE ARTIST
HUGO
JANE EYRE
W.E.

CINEMATOGRAPHY

THE ARTIST
THE GIRL WITH THE DRAGON TATTOO
HUGO
THE TREE OF LIFE
WAR HORSE

EDITING

THE ARTIST
THE DESCENDANTS
THE GIRL WITH THE DRAGON TATTOO
HUGO
MONEYBALL

FOREIGN LANGUAGE FILM

BELGIUM "BULLHEAD"
CANADA "MONSIEUR LAZHAR"
ISRAEL "FOOTNOTE"
IRAN "A SEPARATION"
POLAND "IN DARKNESS"

MAKEUP

ALBERT NOBBS
HARRY POTTER AND THE DEATHLY HALLOWS PART 2
THE IRON LADY

A FESTA DO GLOBO DE OURO 2012

2012-01-22T07:51:00.000-08:00

A festa do globo de Ouro 2012 foi marcada pela descontração, característica habitual desta premiação mantida pela Associação de Críticos Estrangeiros de Los Angeles. Além de premiar os melhores do cinema, eles também destacam os melhores da TV. Projetada como um grande jantar, com direito a bebida, a festa não tem números musicais e nem tecnologia de ponta, resultando ágil e muito mais divertida do que o tradicional Oscar. A premiação também se destaca das demais pelas decisões polêmicas dos diretores do evento. Esta ano, tiveram a coragem de colocar o comediante Ricky Gervais como mestre-de-cerimônias pela segunda vez consecutiva, ignorando a saraivada de críticas recebidas pela cerimônia do ano anterior, onde o comediante falou mal até de quem estava na platéia e soltou farpas pesadas contra o establishment hollywoodiano. Mesmo assim, o Tio Sam foi benevolente e deu uma nova chance ao britânico de boca suja.

Infelizmente, as críticas devem ter surtido algum efeito pois o comediante estava menos ácido e totalmente engessado. Tirando o costume irritante de entrar no palco agarrado a um copo de cerveja, a piadinha mais grosseira foi quando ele citou Mel Gibson e disse que nenhum outro homem havia visto o Beaver de Jodie Foster (título do filme dirigido pela estrela que tentou reerguer a carreira do decadente astro). Na verdade, ele fez um trocadilho infame com a palavra, pois beaver (além de significar “esquilo”) também é usado como gíria para designar o orgão sexual feminino e Jodie é sabidamente lésbica.

Os discursos dos laureados deste ano não foram especialmente inspirados, mas merecem destaque o do queridinho da premiação George Clooney - melhor ator dramático pelo filme The Descendents - que agradeceu ao concorrente Michael Fassbender com uma piadinha sobre o avantajado membro do colega que aparece nu e em tórridas cenas eróticas no filme Shame (2011), sobre a crise de um viciado em sexo. Michele Williams - melhor atriz no quesito comédia ou musical por Five Weeks with Marilyn - não citou o saudoso marido Heath Ledge, mas dedicou o prêmio integralmente a filha que teve com o ator. O agradecimento mais original veio do elenco de Modern Family, a melhor série cômica. Enquanto o produtor agradecia a láurea em inglês, a atriz latina (e linda) Sophia Vergara fazia a tradução simultânea do que ele dizia usando um espanhol politicamente incorreto. O timing de comédia foi perfeito.

E, por último , não poderia deixar de lado o astro que roubou a cena. Não, não foi o Brad Pitt se apoiando numa bengala e muito menos a ubíqua Meryl Streep (melhor atriz dramática pelo filme The Iron Lady). Quem chamou todos os holofotes para si foi o cãozinho Uggie que estrela o filme francês O Artista, ao lado de Jean Dujardin (melhor ator de comédia e/ou musical). O astro de quatro patas realizou alguns truques no palco da festa, ofuscando todo o elenco que acabara de subir para receber o prêmio de melhor filme do ano no quesito Comédia e/ou Musical.

Agora é tentar assistir a alguns dos filmes laureados que devem estrear no Brasil nos próximos dias (muitos já foram lançados e outros saíram direto em DVD) e aguardar a mais famosa premiação do ano: o Oscar. As indicações serão anunciadas no dia 24 deste mês e até lá saberemos se os resultados do Globo de Ouro ainda exercem influência na decisão dos acadêmicos. “

SAG AWARDS

2009-12-17T06:31:00.000-08:00

Foi anunciado os indicados ao SAG Awards, prêmio concedido pelo sindicato de atores. É ator votando em ator, portanto o melhor indício no quesito interpretação para o Oscar. Aqui não se vota em melhor filme, mas sim no melhor elenco.

Acho que a lista de atores e atrizes será a mesma do Oscar. O Sag recolocou Jeremy Renner no seu lugar de direito, já que o mesmo foi preterido nos Globos por um surpreendente Tobey Maguire no filme BROTHERS.

O prêmio também consolida a indicação da "Julia Roberts" do momento, a simpática Bullock. Dizem que THE BLIND SIDE é o ERIN BROCOVICH (filme que deu o Oscar a Julia) da atriz. Assisti ao filme há dois dias e o achei irregular, mas Sandra está bem e vive um personagem real - perua americana que adota um adolescente negro, futuro astro da Liga Nacional de Futebol. Apesar de loira e muito maquiada, Bullock está contida e interpreta de forma minimalista. Não é nada extraordinário, mas surpreende para quem está acostumado com as comédias rasteiras e os filmes de ação da estrela. Para corroborar, o filme é um sucesso de bilheteria nos EUA há semanas.

A grande novidade fica no quesito dos coadjuvantes. Diane Kruger entra no páreo por BASTARSOS INGLORIOS, tirando as chances da colega de elenco Melanie Laurent. As chances de Alec Baldwin, elogiadíssimo pela comédia IT'S COMPLICATED, parecem desaparecer a cada nova premiação.

Vamos a lista:

MELHOR ATOR
JEFF BRIDGES / Bad Blake - "CRAZY HEART" (Fox Searchlight Pictures)
GEORGE CLOONEY / Ryan Bingham - "UP IN THE AIR" (Paramount Pictures)
COLIN FIRTH / George Falconer - "A SINGLE MAN" (The Weinstein Company)
MORGAN FREEMAN / Nelson Mandela - "INVICTUS" (Warner Bros. Pictures)
JEREMY RENNER / Staff Sgt. William James - "THE HURT LOCKER" (Summit Entertainment)

MELHOR ATRIZ
SANDRA BULLOCK / Leigh Anne Tuohy - "THE BLIND SIDE" (Warner Bros. Pictures)
HELEN MIRREN / Sofya - "THE LAST STATION" (Sony Pictures Classics)
CAREY MULLIGAN / Jenny - "AN EDUCATION" (Sony Pictures Classics)
GABOUREY SIDIBE / Precious - "PRECIOUS: BASED ON THE NOVEL ‘PUSH' BY SAPPHIRE" (Lionsgate)
MERYL STREEP / Julia Child - "JULIE & JULIA" (Columbia Pictures)

MELHOR ATOR COADJUVANTE
MATT DAMON / Francois Pienaar - "INVICTUS" (Warner Bros. Pictures)
WOODY HARRELSON / Captain Tony Stone - "THE MESSENGER" (Oscilloscope Laboratorie)CHRISTOPHER PLUMMER / Tolstoy - "THE LAST STATION" (Sony Pictures Classics)
STANLEY TUCCI / George Harvey - "THE LOVELY BONES" (Paramount Pictures)
CHRISTOPH WALTZ / Col. Hans Landa - "INGLOURIOUS BASTERDS" (The Weinstein Company/Universal Pictures)

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE
PENÉLOPE CRUZ / Carla - "NINE" (The Weinstein Company)
VERA FARMIGA / Alex Goran - "UP IN THE AIR" (Paramount Pictures)
ANNA KENDRICK / Natalie Keener - "UP IN THE AIR" (Paramount Pictures)
DIANE KRUGER / Bridget Von Hammersmark - "INGLOURIOUS BASTERDS" (The Weinstein Company/Universal Pictures)
MO'NIQUE / Mary - "PRECIOUS: BASED ON THE NOVEL ‘PUSH' BYSAPPHIRE" (Lionsgate)

MELHOR ELENCO
AN EDUCATION (Sony Pictures Classics)
THE HURT LOCKER (Summit Entertainment)
INGLOURIOUS BASTERDS (The Weinstein Company/Universal Pictures)
NINE (The Weinstein Company)
PRECIOUS: BASED ON THE NOVEL "PUSH" BY SAPPHIRE (Lionsgate)

OS INDICADOS AO GLOBO DE OURO: POUCAS SURPRESAS

2009-12-15T07:16:00.000-08:00

Acaba de ser anunciada a lista dos indicados ao Globo de Ouro. Num primeiro momento, nenhuma grande novidade. Mas podemos afirmar que AVATAR, a epópeia em 3D de James Cameron, entra com força na corrida do Oscar corroborado pelas indicações em melhor drama e melhor direção.

Peter Jackson e o seu drama THE LOVELY BONES parece ser carta fora do baralho. Além da fria recepção da crítica nas sessões de imprensa, o filme só garantiu a vaga de coadjuvante para Stanley Tucci.

Surpresa mesmo, foram as esnobadas às elogiadas interpretações de Viggo Mortensen em THE ROAD e, principalmente, Jeremy Renner que já ganhou vários prêmios de respeitadas associações de críticos pelo desempenho em THE HURT LOCKER. Quem abocanhou a vaga dos dois foi o "Homem-Aranha" Tobey Maguire no drama BROTHERS. Maguire sequer aparecia na lista de possibilidades dos mais respeitados críticos norte-americanos.

Para finalizar, a maior atriz americana viva Meryl Streep consegue a façanha de concorrer contra ela mesma na categoria de melhor atriz de comédia pelos filmes IT'S COMPLICATE e JULIA & JULIA. Alguém ainda dúvida que ela é amada pelos americanos?

Vamos a lista com os concorrentes na categoria de filmes (quem tiver interesse na lista dos indicados da tv recomendo o site do IMDB - http://www.imdb.com/):

Melhor Filme - Drama
Avatar
The Hurt Locker (Guerra ao Terror)
Inglourious Basterds (Bastardos Inglórios)
Precious: Based on the Novel Push by Sapphire
Up in the Air (Amor sem Escalas)

Melhor filme – Comédia
The Hangover (Se Beber Não Case)
It’s Complicated
Julie e Julia
Nine
(500) Days of Summer

Melhor ator – Drama
Jeff Bridges – Crazy Heart
George Clooney – Up in the Air (Amor sem Escalas)
Colin Firth – A Single Man
Morgan Freeman – Invictus
Tobey Maguire – Brothers

Melhor atriz – Drama
Emily Blunt – The Young Victoria
Sandra Bullock – The Blind Side
Helen Mirren – The Last Station
Carey Mulligan – An Education
Gabourey ‘Gabby’ Sidibe – Precious: Based on the Novel Push by Sapphire

Melhor ator Musical ou Comédia
Matt Damon – O Desinformante (The Informant!)
Daniel Day-Lewis – Nine
Robert Downey Jr – Sherlock Holmes
Joseph Gordon-Levitt - (500) Days of Summer
Michael Stuhlbarg – A Serious Man

Melhor atriz – Musical ou Comédia
Sandra Bullock – A Proposta ( The Proposal)
Marion Cotillard – Nine
Julia Roberts – Duplicidade (Duplicity)
Meryl Streep – It’s Complicated
Meryl Streep – Julie & Julia

Melhor Ator Coadjuvante
Matt Damon – Invictus
Woody Harrelson – The Messenger
Christopher Plummer – The Last Station
Stanley Tucci – The Lovely Bones
Christoph Waltz - Inglourious Basterds (Bastardos Inglórios)

Melhor Atriz Coadjuvante
Penélope Cruz – Nine
Vera Farmiga – O amor sem Escalas( Up in the Air)
Anna Kendrick - O amor sem Escalas (Up in the Air)
Mo’Nique – Precious: Based on the Novel Push by Sapphire
Julianne Moore – A Single Man

Melhor Diretor
Kathryn Bigelow – Guerra ao Terror (The Hurt Locker)
James Cameron – Avatar
Clint Eastwood – Invictus
Jason Reitman – O Amor Sem Escalas (Up in the Air)
Quentin Tarantino – Inglourious Basterds (Bastardos Inglórios)

Melhor Roteiro
Distrito 9 (District 9) de Neill Blomkamp, Terri Tatchell
Guerra Ao Terror (The Hurt Locker) de Mark Boal
Bastardos Inglórios (Inglourious Basterds) de Quentin Tarantino
It’s Complicated de Nancy Meyers
Amor sem Escalas (Up in the Air) de Jason Reitman e Sheldon Turner

Melhor canção
Crazy Heart – T-Bone Burnett, Ryan Bingham (”The Weary Kind”)
Everybody’s Fine - Paul McCartney (”(I Want To) Come Home”)
Nine – Maury Yeston (”Cinema Italiano”)
Brothers (”Winter”)
Avatar (”I See You”)

Melhor trilha musical
O Desinformante (The Informant!) de Marvin Hamlisch
Up (Altas aventuras) de Michael Giacchino
Where the Wild Things Are (Onde vivem os Monstros) de Carter Burwell, Karen Orzolek
Avatar de James Horner
A Single Man de Abel Korzeniowski

Melhor Animação
Tá Chovendo Hamburger (Cloudy with a Chance of Meatballs)
Coraline
O Fantástico Sr. Fox (Fantastic Mr. Fox)
A Princesa e o Sapo (The Princess and the Frog)
Up (Altas Aventuras)

Melhor Filme Estrangeiro
Abraços Partidos - Los abrazos rotos (Espanha), de Pedro Almodóvar
Das weisse Band – A Fita Branca (Alemanha), de Michael Haneke
La Nana (Chile/México), de Sebastian Silva
Un Prophète (França), de Jacques Audiard
Baarìa (Itália), de Giuseppe Tornatore

"AVATAR" MOSTRA A CARA

2009-12-12T16:11:00.000-08:00

Finalmente o aguardado e “revolucionário” retorno de James Cameron estreou a última quinta-feira numa concorrida premiere pra imprensa e convidados. As primeiras impressões sobre Avatar foram as melhores possíveis e para Ana Maria Bahiana, nossa representante entre os críticos votantes no Globo de Ouro, o filme é imperdível.
Apesar da excessiva metragem de mais de 150 minutos, a história flui de maneira ágil e traz efeitos de tirar o fôlego, ainda mais quando vistos em 3D. O roteiro é simples e traz um mote mais do que atual: depois de devastarem a Terra com sucessivas Guerras e de usarem indevidamente os recursos naturais e climáticos disponíveis, os humanos tentam impor o seu poderio colonizando um novo planeta. O alvo será Pandora, uma terra dominada por exuberante vegetação e habitada por seres azuis e delgados, medindo três metros de altura.
Como a atmosfera do planeta é fatal para os terráqueos, às autoridades recrutam um humano (vivido pelo ator Sam Worthington) e desenvolvem um processo no qual o mesmo adquire a capacidade de habitar o corpo de um dos nativos azuis como se fosse uma espécie de “avatar”. Esse processo só ocorre quando o humano está dormindo (uma referência direta a Matrix, outro longa revolucionário em sua época).
Ao final, tudo se resolverá num eletrizante embate entre humanóides armados de arco e flecha e uma armadura robotizada gerada pela mente humana e por anos de evolução tecnológica. O resultado deste conflito nós, pobres mortais, só veremos na próxima sexta-feira dia 18, data do lançamento mundial. Por enquanto, já podemos antever o forte cheiro de Oscar!
Será que Cameron gritará novamente: I’m King of the World !?

OSCAR PREVIEW 1

2009-12-08T14:16:00.000-08:00

Após a ressaca do feriado de Ações de Graças, o temporada americana de prêmios dedicados à indústria cinematográfica começa para valer, culminando com o mais famoso de todos: o Oscar.
Alguns prêmios menores como o Gothan Awards e o Independent Spirits Awards, voltados para o cinema independente, anunciaram os seus indicados e os votantes do Globo de Ouro – associação composta por cerca de 90 correspondentes estrangeiros sediados em Los Angeles – tiveram tempo de sobra para assistir aos últimos DVD’s promocionais (conhecidos como DVDScreeners) dos filmes candidatáveis e já entregaram os seus votos. A listagem oficial será divulgada no próximo dia 15, duas semanas antes dos membros da Academy Awards receberem as suas cédulas e definirem os seus candidatos preferidos.
Sinal de que este é o auge da ferrenha e agressiva campanha empreendida pelos estúdios para angariar votos e conquistar ao menos uma indicação na disputadíssima festa do Oscar, fato mais do que suficiente para ampliar o alcance de um filme em termos de bilheteria.
Acompanhando a opinião dos críticos mais importantes de Hollywood e a tendência dos prêmios já divulgados, faremos uma prévia das principais categorias. Como é uma lista aberta, ela será passível de alterações até a véspera da lista oficial de indicados que este ano sairá m fevereiro de 2010.

MELHOR FILME
O favorito desde já é Precious e os indícios são fortes. Começou o ano ganhando o Prêmio de Público no prestigiado Festival de Toronto, honraria dada no ano passado a outro filme independente. Estou falando de Quem quer ser um milionário? e o resultado desta história todos nós sabemos – várias indicações e o almejado Oscar de melhor filme do ano. O longa também caiu nas graças da toda poderosa apresentadora Oprah Winfrey, que tem feito campanha aberta pró-Oscar em seus programas. Aliado a tudo isto, Precious arrecadou desde a sua estréia impressionantes US$ 36 milhões (dados acumulados até 04 de dezembro) e já é um dos filmes mais rentáveis de todos os tempos.
No rastro desta unanimidade de crítica e público, temos The Hurt Locker apresentado em 2008 no prestigiado festival de Veneza, mas só lançado no começo deste ano nos Estados Unidos (e já lançado em DVD no Brasil com o título Guerra ao Terror). O filme aborda a Guerra do Iraque e poderá tornar a sua diretora - Kathryn Bigelow - a quarta mulher indicada na categoria de diretor nestes mais de 60 anos de Oscar. Outro título em evidência é Up In The Air dirigido pelo talentoso Jason Reitman (Obrigado por fumar, Juno) e cujo elenco é encabeçado pelo queridinho da academia George Clooney, vivendo um executivo de uma grande empresa encarregado de demitir funcionários em diferentes localidades dos EUA, às voltas com dois novos amores. An Education, produção inglesa dirigida pela dinamarquesa Lone Schering, é outra aposta certeira.
O resto são suposições e conjecturas, pois muitos títulos ainda não estrearam e a recepção de crítica e público poderá definir o futuro destes filmes. Neste páreo estão pesos-pesados como o musical Nine do “Bob Fosse” moderno Rob Marshall, The Lovely Bones a nova incursão dramática do pai do "Senhor dos Anéis" Peter Jackson, Invictus de Clint Eastwood e a maior incógnita de todas - Avatar, o aguardado retorno do recordista de Oscars (por Titanic) James Cameron.

APOSTAS
1 - "PRECIOUS"
2 - "THE HURT LOCKER"
3 - "UP IN THE AIR"
4 - "AN EDUCATION"
5 - "NINE"
6 - "INVICTUS"
7- "INGLOURIOUS BASTERDS"
8- "THE LOVELY BONES"
9 - "UP"
10 -"AVATAR"

POSSIBILIDADES
11 – “SERIOUS MAN"
12 - "BRIGHT STAR"
13 – “500 DAYS OF SUMMER”
14 - "WHERE THE WILD THINGS ARE"
15 - "DISTRICT 9"
16 – “THE LAST STATION”
17 - "STAR TREK"
18– “THE MESSENGER”
19 – “THE ROAD"
20 – “CRAZY HEART”

AZARÕES
21 –“AWAY WE GO"
22 - "BROTHERS"
23 - "THE INFORMANT!"
24 - "IT'S COMPLICATED"
25 - "JULIE & JULIA"
26 - "MOON"

UM OSCAR PARA MICHAEL?

2009-11-06T10:27:00.000-08:00

O burburinho da semana é a possibilidade do documentário “This Is It” receber uma indicação na categoria de melhor filme no Oscar. Diante do excelente resultado obtido nas bilheterias e do consenso crítico em torno das qualidades da produção, a Sony Pictures pretende submetê-lo aos acadêmicos para a disputada categoria principal.
A seu favor, o longa tem o forte apelo popular e o fato de se tratar do único registro dos últimos momentos de um dos maiores fenômenos pop do século XX. Porém, a ausência de uma linha narrativa e a alegação de tratar-se de retalhos do ensaio de um show inacabado são verdades incontestáveis que prejudicam a nomeação da obra.
Mas vale lembrar que em 2010 teremos uma inovação no Oscar que é o número recorde de dez filmes indicados, ampliando a chance de muitas produções, e que a franquia “Michael Jackson” parece mais forte do que nunca mesmo sem a presença física de seu idealizador.

OS MESTRES DE CERIMÔNIA

2009-11-04T16:44:00.000-08:00

Depois de muita especulação, finalmente foi confirmado o nome do apresentador da cerimônia do Oscar. Desde que Hugh Jackman teve uma performance elogiadíssima na festa deste ano e não renovou o contrato, os produtores estavam em polvorosa à procura de um novo nome. Para agradar a gregos e troianos, optaram não só por um mas por dois apresentadores: Steve Martin e Alec Baldwin. Martin já havia desempenhado esta função por três vezes e saiu-se muito bem. Baldwin é a novidade. Traz na bagagem a sólida experiência teatral e o humor ácido revelado na premiada série 30 Rock, pela qual já ganhou vários prêmios Emmy e Globo de Ouro como ator cômico. Superar Jackman será difícil, mas competência é o que não falta a essa improvável dupla.

FOI DADA A LARGADA

2009-11-01T15:10:00.000-08:00

Façam as suas apostas! Estamos há dois meses do fim de ano e as associações de críticos norte-americanos, aliadas aos sindicatos de classes irão nominar os melhores do ano dentre as várias categorias cinematográficas existentes. Tudo servirá de balizamento para a próxima festa do Oscar, que irá divulgar os seus indicados no dia 20 de fevereiro do próximo ano.
O Oscar deste ano traz uma novidade extra: dez filmes serão indicados à categoria principal, ao invés dos tradicionais cinco. Essa abrangência numérica ficou restrita a categoria de melhor filme e é uma espécie de concessão feita aos produtores, já que a premiação funciona como uma poderosa vitrine capaz de triplicar o faturamento de um filme indicado.
Mas vamos deixar de lerô-lerô e iniciar o passatempo predileto de todo cinéfilo nesses meses que antecedem a grande festa: prever os indicados e possíveis vencedores. A seguir uma lista com os filmes que saem na dianteira graças à críticas favoráveis e as apostas dos principais especialistas e veículos de comunicação norte-americanos.
Alguns já estrearam e outros deverão ter a premiere até o dia 31 de dezembro para pleitear uma vaga nas diversas categorias do Oscar.

POLE POSITIONS
“Avatar"

"An Education"

"The Hurt Locker"

"Inglourious Basterds"

"Invictus"

"The Lovely Bones"

"Nine""Precious: Based on the Novel 'Push' by Sapphire"

"The Road"

"A Serious Man"

"Up"

"Up in the Air"

POSSIBILIDADES

"Bright Star"

"Brothers"

"District 9"

"The Hangover"

"It's Complicated"

"Julie & Julia"

"The Last Station"

"A Single Man"

"Star Trek"

“Where The Wild Things Are”

“Away We Go”

“Moon”

“Sherlock Holmes”

“2012”

“The Young Victoria”

NOLLYWOOD

2009-10-22T18:17:00.000-07:00

Inadvertidamente você já deve ter caído na pegadinha predileta de dez entre dez cinéfilos:
- Qual a indústria cinematográfica que mais produz filmes no mundo ?
A resposta vem quase que automaticamente e é sempre mesma:
– Hollywood!
Apesar de ainda deter o melhor resultado em termos financeiros, graças ao consumo interno e a exportação de seus filmes mundo afora, Hollywood há muito tempo ocupa a vice-liderança em termos quantitativos.
A Índia com os seus mais de 1 bilhão de habitantes tem ocupado o topo desse ranking produzindo um média anual de surpreendentes 1.091 títulos contra 485 produzidos m Hollywood. Apesar do portentoso volume, trata-se de uma produção voltada exclusivamente para o mercado interno onde as cores exageradas e as danças são itens obrigatórios, independente do tema do filme; e a troca de carícias, olhares e rápidos beijos são o máximo de ousadia diante do puritanismo e respeito às tradições locais.
A auto-suficiência gerada pelo volumoso público interno cobre os custos e não desperta a necessidade de formação de uma demanda externa. Diante de tanta relevância numérica, a indústria cinematográfica indiana foi apelidada de Bollywood - fusão de Bombaim (antigo nome de Mumbai, cidade onde se concentra esta indústria), e de Hollywood - e as suas peculiaridades têm inspirado obras de relevância internacional como o inglês “Quem quer ser um milionário?”, ganhador do Oscar de melhor filme.
A superioridade numérica da Índia sobre o poderio cinematográfico norte-americano é notória e tem sido difundido pelos quatro cantos nos últimos anos graças ao alcance da internet, mas o que muita gente não sabe é que o mercado emergente do momento vem do pobre continente africano e responde pela marca de mais de 800 produções anuais.
Infelizmente, estes dados não são validados pelos órgãos de pesquisa oficiais pelo simples fato dessas produções serem lançadas em DVDS e comercializadas, em sua maioria, para o uso doméstico. Estamos falando da Nigéria, país de condições econômicas adversas onde a renda per capita da população não ultrapassa os US$ 400 anuais e onde o número máximo de salas de cinema se resumem à cinco, todas localizadas na capital.
O surgimento dos equipamentos de vídeo portáteis e de baixo custo, fizeram com que em menos de 15 anos a produção local saísse do zero para um faturamento anual de US$ 250 milhões. Esse montante pode ser até maior, pois estima-se que mais de 300 diretores estejam em atividade realizando filmes completos em no máximo dez dias a um custo total de US$ 15 mil. Rodados em formato digital, são lançados em vídeo-locadoras para venda e aluguel e já fazem sucesso em outros países africanos graças à temática extremamente regionalista, onde assuntos como AIDS, corrupção, religião e ocultismo são recorrentes.
Talvez o maior empecilho para um alcance mais internacional da vasta produção made in Nollywood seja a sua maior vantagem que é o baixo custo. Só para uma rápida comparação, a atriz Genevieve Nnaji é considerada a “Júlia Roberts” local. Enquanto a Júlia verdadeira recebe a extraordinária quantia de 15 milhões de dólares por filme, Genevieve Nnaji ganha "nódicos" US$ 6.000. Mesmo assim, é considerada a atriz mais bem paga do continente. Pelo menos em termos de beleza, ela não deixa nada a desejar as concorrentes americanas como vemos na foto acima.

OSCAR 2009 - PRIMEIRAS IMPRESSÕES

2009-01-22T13:35:00.000-08:00

Os indicados ao 81ª Oscar foram divulgados hoje pela manhã nas instalações do Teatro Samuel Goldwyn, em Beverly Hills (EUA). Bastou alguns minutos para que o ator Forrest Whitaker – Oscar por O Último Rei da Escócia em 2006 - ao lado de Sid Ganis, presidente da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, revelasse ao mundo os principais indicados ao prêmio mais badalado do cinema. Entre erros e acertos, o conservadorismo da Academia tratou de assassinar o “morcegão” na corrida pela sonhada estatueta dourada e a tradição de prestigiar os filmes dramáticos em detrimento de outros gêneros, como as comédias e os filmes de ação, prevaleceu.
De presença quase certa, corroborada nos últimos meses pelo reconhecimento obtido nas principais associações de classe como o DGA (Directors Guild of America) e o PGA (Producers Guild of America) composto por acadêmicos de respaldo, o tão aclamado filme de Christopher Nolan “The Dark Nigth” foi alijado das principais categorias do Oscar e converteu-se na ausência mais sentida. Felizmente, a interpretação sobrenatural de Heath Ledger foi reconhecida e é, desde já, a maior barbada dentre todas as outras categorias. Caso não vença no próximo dia 22 de fevereiro, será a maior zebra de todos os tempos. De resto, “The Dark Night” conseguiu a expressiva marca de 08 indicações em categorias técnicas, onde é franco favorito.
O vitorioso em número de indicações foi “O Curioso Caso de Benjamin Button” concorrendo em 13 categorias, seguido de perto por “Slumdog Millonaire” com 10. Essa enxurada de láureas para a fábula confeccionada pelo esteta Fincher já era esperada, assim como a lembrança de Brad Pitt como ator. Aliás, o casal mais querido de Hollywood será presença certa na festa, já que a Sra. Pitt Angelina Jolie também abocanhou a sua indicação graças ao seu desempenho de mãe atormentada pelo seqüestro do filho no insosso “A Troca”, dirigido por Clint Eastwood. Este sim, outro esquecido, pois era presença certa na lista de muitos experts pelo seu desempenho como ator no ótimo “Grand Torino”.
Fora a decepção causada pelo não reconhecimento do trabalho magistral de Christopher Nolan à frente de “The Dark Night” e a opção pela direção “convencional” de Stephen Daldry por “O Leitor”, os acadêmicos até que se esforçaram para tornar a premiação mais coerente com a realidade do mercado cinematográfico e deram o merecido espaço aos representantes do cinema independente. Assim tivemos a grata surpresa de ver os nomes “alternativos” de Richard Jenkins (“O Visitante”) e Melissa Leo (“Rio Congelado”) entre as cinco melhores interpretações do ano, cada um na sua respectiva categoria. O filme de Melissa, dirigido pela estreante Courtney Hunt, também foi lembrado na categoria de Roteiro Original, batendo favoritos como o veterano Woody Allen e o seu superestimado “Vicky Cristina Barcelona”.
Apesar de Kate Winslet ter sido indicada como melhor atriz, a sua nomeação ocorreu pelo filme errado. Tudo começou com uma briga interna protagonizada pelo chefe de estúdio Harvey Weinstein e o co-produtor Scott Rudin. Weinstein forçou o lançamento de “O Leitor” para 2008 sob os protestos de Rudin, que queria lançá-lo em 2009 e, com isso, beneficiar “Foi Apenas Um Sonho” na corrida pró-Oscar. Afinal, tinha em mãos o casal protagonista de Titanic, filme recordista de Oscars ao lado de Bem Hur (11 prêmios!), juntos novamente e sob o comando de Sam Mendes, diretor também premiado por “Beleza Americana” e marido de Winslet. Mas o tiro saiu pela culatra e o segundo filme foi o mais prejudicado, garantindo apenas indicações em categoria menores (ator coadjuvante, direção de arte e figurino). Enquanto que “O Leitor” entra na disputa como a produção mais prestigiada pelos acadêmicos, garantindo vaga nas principais categorias (filme, diretor, atriz, roteiro adaptado).
A mal sucedida campanha de “Foi Apenas um Sonho” também promoveu outra injustiça ao não conseguir a indicação para Leonardo Di Caprio, num dos melhores desempenhos de sua carreira. Outra preterida no quesito interpretação foi a inglesa Sally Hawkins por “Simplesmente Feliz”. Queridinha da crítica, ela foi uma das atrizes mais premiadas do ano: ganhou em Berlin, recebeu o Globo de Ouro de Melhor atriz em comédia e quase 11 (!) prêmios da crítica.
Outras surpresas foram a esnobada dada em Bruce Springsteen, cotado como favorito pela música-tema de “O Lutador” e preterido pelas (ótimas) canções de “Slumdog Millionaire”; o recorde da maravilhosa Meryl Streep, que ao ser indicada por “Dúvida” obteve a sua 15ª nomeação, batendo as marcas de Katherine Hepburn e Jack Nicholson (ambos com 12 nomeações); e a agradável inclusão do roteiro original de “Na Mira Do Chefe”, produção pequena que vem surpreendendo e deu a Colin Ferrell o Globo de Ouro de ator.
Como todos encontrarão a lista completa dos indicados na internet, em jornais e demais publicações do gênero vou inovar e listar as grandes omissões. Ou seja, aqueles que quase chegaram lá, mas perderam nos 45 minutos do segundo tempo. É a prova de que em se tratando de Oscar, o CORINGA “às vezes” dita as regras....

AS MAIORES OMISSÕES

MELHOR FILME

- Batman– O Cavaleiro das Trevas

- Wall-E

- Gran Torino

MELHOR DIRETOR

Christopher Nolan, "The Dark Knight"

MELHOR ATOR

Clint Eastwood ("Gran Torino")

Leonardo DiCaprio ("Foi Apenas Um Sonho")

MELHOR ATRIZ

Sally Hawkins ("Happy-Go-Lucky")

Kristin Scott Thomas ("I've Loved You So Long")

MELHOR ATOR COADJUVANTE

Dev Patel ("Slumdog Millionaire")

Eddie Marsan ("Happy-Go-Lucky")

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE

Rosemarie DeWitt ("Rachel Getting Married")

Debra Winger ("Rachel Getting Married")

Kathy Bates ("Revolutionary Road")

MARILYN E O "BOQUETE" MILIONÁRIO

2008-04-14T14:20:00.000-07:00

Agora não tem jeito. Toda vez que alguém for presenteado com um sexo oral, o popular "boquete", de primeira já tem um apelido a altura para o ato: Marilyn! Não está entendo? Então, leia a notícia abaixo:

"da Folha Online

Para quem acha que os vídeos com cenas de sexo de famosos é algo típico da atualidade, um filme com imagens de Marilyn Monroe (1926-1962) em cenas quentes feito nos anos 50 comprova que esta cultura existe há tempos.

Bert Stern/Efe
Vídeo de Marilyn Monroe (foto) fazendo sexo oral foi vendido por R$ 2,6 milhões nos EUA
Segundo o jornal norte-americano "The New York Post", a cópia de um vídeo da célebre atriz loira fazendo sexo oral em um homem não-identificado foi vendido para um empresário nova-iorquino pela quantia de US$ 1,5 milhão (cerca de R$ 2,6 milhões).
O vídeo, com cerca de 15 minutos e filmado em câmera de 16mm, foi descoberto pelo colecionador Keya Morgan, diretor do longa-metragem "Marilyn Monroe: Murder on Fifth Helena Drive", programado para chegar aos cinemas em 2009.
O jornal informa que a filmagem, feita em meados dos anos 50, apareceu na década de 60, após a morte da atriz, durante as investigações policiais que buscavam comprovar que o ex-presidente John F. Kennedy ou seu irmão Robert eram amantes de Monroe.
Nas imagens silenciosas, a atriz aparece de joelhos em frente a um homem cujo rosto nunca aparece na filmagem. Monroe, por sua vez, não olha para a câmera em nenhum momento.
Morgan disse ao "The New York Post" que descobriu o vídeo enquanto fazia pesquisa para seu documentário sobre a atriz ao conversar com um ex-membro do FBI, que lhe contou sobre uma cópia que foi feita do vídeo, antes de ser confiscado pelo governo norte-americano nos anos 60.
Sobre a hipótese do vídeo ser estrelado por outra pessoa e não a atriz, Morgan é enfático na resposta negativa.
"Você consegue ver instantaneamente que é Marilyn Monroe --ela tinha aquela famosa pinta ao lado da boca", disse o colecionador.

VIDA LONGA A LOIRA FATAL!

2008-03-10T17:45:00.000-07:00

Ela reeditou, nos anos noventa, a figura das loiras gélidas e fatais tão comuns aos filmes hollywoodianos dos anos cinquenta. A cena do interrogatório entrou para a história da sétima arte e Sharon Stone virou sinônimo de sensualidade. Nunca uma cruzada de pernas foi tão selvagem...
Hoje, a musa completa 50 anos de vida e os seus súditos batem continência para a rainha das loiras modernas!

A FANTÁSTICA MULTIPLICAÇÃO DE BOB DYLAN

2008-02-12T10:20:00.000-08:00

I’M NOT THERE
Idem. EUA,2007. De: Todd Haynes. Com: Christian Bale, Cate Blanchett, Marcus Carl Franklin, Richard Gere, Heath Ledger, Ben Whishaw, Charlotte Gainsboug, Bruce Greenwood, David Cross, Juliana Moore, Michelle Williams.
Um dos melhores filmes de 2007 e talvez a melhor cine-biografia de uma artista pop já realizada para o cinema. Fugindo dos convencionalismos inerentes ao gênero e tão fartamente demonstrados em obras recentes como “Ray” (2004) e “Dreamgirls”(2006) - onde a narrativa burocrática, pontuada por flashbacks e passagens históricas, e os números musicais milimetricamente coreografados cheiravam a perfumaria barata - o filho do “cinema independente” americano Todd Haynes subverte a ordem cinematográfica vigente e concebe a história do papa do folk Bob Dylan pelo prisma da fantasia e do anti-convencionalismo. Nada mais óbvio para um cineasta que já estreou em 87 com outra cinebiografia polêmica: o média-metragem “Superstar”, onde a vida da cantora Karen Carpenter, vitimada pela anorexia, era personificada por uma boneca Barbie(!). Por não ter autorização da família e muito menos o direito de uso das músicas, a obra nunca foi exibida comercialmente e tornou-se objeto de culto em festivais alternativos e sessões undergrounds.
Neste “I´M Not There”, o que vemos na tela não é Dylan, mas sim as várias faces do artista personificadas por um séquito de atores de idades e sexos distintos. Sem seguir ordem cronológica, o roteiro é concebido como um mosaico de vários episódios que procuram registrar uma década (metade dos anos 60 até início dos 70) da carreira do artista, desde a sua consagração no cenário musical como cantor folk de protesto até a sua conversão ao cristianismo. A narrativa complexa também abre espaço para passagens ficcionais da vida de outros artistas que foram as grandes influências de Dylan. Assim sendo, acompanhamos lampejos da infância do trovador Woody Guthrie (composição espontânea do talentoso ator-mirim Marcus Carl Franklin), primeira referência musical de Dylan, no momento em que ele foge do interior sulista em busca da fama como clandestino num trem de carga; presenciamos um Billy The Kid (Richard Gere), envelhecido e aposentado da vida de crimes, em busca de redenção numa cidadezinha do velho Oeste; e, por fim, o poeta Arthur Rimbaud expondo comentários e frases sardônicas numa espécie de interrogatório improvisado onde a câmera só capta o rosto do ator inglês Bem Winshaw (revelado no filme “Perfume”) diante de um júri subjetivo.
A figura do próprio Dylan aparece na tela através de três alteregos: Jack Rollins, um astro folk no auge da carreira, mas cheio de dúvidas existenciais que culminam com o abandono de tudo em nome da fé ( personagem coroado com uma composição primorosa de Christian Bale, o melhor do elenco e o que mais se aproxima da persona peculiar de Dylan); O ator Robbie Clark (Heath Ledger) que entra em crise com a mulher francesa (Charlotte Gainsbourg) à mesma época em que interpreta o astro Jack Rollins no cinema; e o astro pop Jude Quinn (Blanchett de peruca, mais parecida com a nossa cantora Simone, do que com Dylan) que enfrenta rejeição por parte do público e da crítica ao tentar mudar os rumos musicais de sua carreira, abandonando o folk e mergulhando de cabeça no efervescente rock´n roll.
Entremeando a ação e contracenando com esses seis personagens, o complexo roteiro apresenta passagens reais da vida de Dylan (o lendário acidente de motocicleta;a hilária cena onde ele ensina os quatro Beatles a fumar maconha), momentos romanceadas e relata encontros do cantor com outros ícones do século XX (Os já citados Beates, Allen Ginsberg e outros). Tudo mesclado com canções consagradas de Dylan usadas em sequências inteiras e especialmente regravadas, para o filme, por artistas contemporâneos.
O título, estranho a princípio, resume bem o espírito anárquico do filme. Dylan “não está lá” fisicamente, mas a sua essência faz-se presente em cada fotograma. Os aficcionados pelo astro irão identificar, de imediato, cada referência, assim como os personagens reais soltos no roteiro. Outros irão estranhar tantas histórias contadas de forma desordenadas e sem um núcleo comum, mas ninguém ficará indiferente ao poder visual deste vídeo clipe lisérgico de mais de duas horas de duração sobre um dos ícones incontestáveis do Século XX.

E DOS PIORES, NIGUÉM FALA?

2008-01-31T12:05:00.000-08:00

Numa época pré-carnavalesca onde todos os cinéfilos se deliciam com a lista do Oscar e dão os seus palpites, vou nadar contra a corrente e homenagear o que de pior o cinema do tio Sam produziu ano passado. Com vocês a lista dos nominados ao mais temido prêmio do ano : o Framboesa de Ouro. É verdade que existem algumas injustiças, mas o objetivo final é mesmo tirar sarro com a idústria do entretenimento e jamais ser fidedigna. Afinal, eles se limitam a listar os filmes norte-americanos, imaginem quando descobrirem as produções da Globo Filmes?

Aqui estão os filmes com o maior número de indicações:

I KNOW WHO KILLED ME = 9 Nominations
Worst Screen Couple, Horror Movie, Screenplay, Director, Remake/Rip-Off, Supporting Actress, Actress (2x), Picture

I NOW PRONOUNCE YOU CHUCK & LARRY = 8 Nominations
Worst Screen Couple, Screenplay, Director, Supporting Actor (2x) Supporting Actress, Actor, Picture

NORBIT = 8 Nominations
Worst Screen Couple, Screenplay, Director, Supporting Actor, Supporting Actress, Actor (2x) Picture

BRATZ = 5 Nominations
Worst Screen Couple, Remake/Rip-Off, Supporting Actor, Actress, Picture

DADDY DAY CAMP = 5 Nominations
Worst Screenplay, Director, Prequel/Sequel, Actor, Picture

CAPTIVITY = 3 Nominations
Worst Excuse for a Horror Movie, Director, Actress

Uma péssima sorte a todos!

HEATH LEDGER, 1979-2008

2008-01-26T17:46:00.000-08:00

SANGUE SIM, SEXO NÃO

2007-08-25T13:19:00.000-07:00

O novo filme de Ang Lee recebeu a censura máxima do MPAA (Motion Picture Association of America), excluíndo a classificação X destinada aos filmes pornôs. Foi classificada com um famigerado NC-17, que proíbe a presença de menores de dezessete nas salas de cinema, a não ser que devidamente acompanhados de pais ou responsáveis. Como nenhum adolescente se submete a um mico desses e considerando que a população americana é puritana até a medula, o resultado é um fracasso de público se considerarmos as altas expectativas de bilhetertias dos grandes estúdios. Graças a Deus o longa é produzido pela independente Focus Features que não manifestou o menor interesse de violar a integridade artítstica da obra efetuando possíveis cortes em prol do faturamento. Segundo fontes informais, o motivo de tanta celeuma é o de sempre: sexo. Ou seja, os americanos continuam os mesmos, assexuados e promovendo guerras mundo afora!

COMIDA E ESPERMA

2007-08-21T19:18:00.000-07:00

FEED
Idem. Austrália, 2005. De: Brett Lenard. Com: Alex O’Loughlin, Patrick Thompson, Gabby Millgate, Jack Thompson, Rose Ashton. A/P. Comentário:
Thriller australiano sobre psicopata que seduz mulheres obesas para alimentá-las até a morte, filmando-as diariamente e colocando as cenas num site da internet. Identificado por um policial especializado em casos grotescos e também atormentado por traumas do passado (flagrou a mãe adúltera), o bandido foge e dá início a uma perseguição de gato e rato onde o computador passa a ser a principal ferramenta de investigação.
Baseado em fatos contemporâneos e cada vez mais corriqueiros, nos quais a Internet tem sido usada inadvertidamente para exorcizar todos os tipos de taras e fetiches de pessoas desequilibradas, protegidas pelo anonimato garantido pela tela fria do computador, “Feed” mergulha o espectador num mosaico de imagens mórbidas e fortes que podem chocar os mais sensíveis. Quando o filme tem início a vítima da vez é Deidre, que comemora a marca recorde de mais de 600 libras de peso prostrada na cama de onde não consegue mais sair, tendo como companhia o amante psicopata que gasta o tempo filmando a degradação física da mulher e promovendo orgias dignas do clássico setentista “A Comilança” do italiano Marco Ferreri, regadas a comida e esperma.
A idéia original é da dupla de atores centrais, ambos egressos da tv australiana. Alex O’Loughlin faz sem exageros o complexo psicopata atormentado pelas visões da mãe obesa e chegou a ser cotado para o papel de James Bond, perdendo a vaga para o britânico Daniel Craig. Patrick Thompson também está muito bem como o policial depressivo às voltas com a amante ninfomaníaca. Ele é filho do veterano ator Jack Thompson, presente no longa como o chefe de polícia. O filme perde um pouco o ritmo da metade para o final, mas recupera-se com uma conclusão recheado de sarcasmo. Foi realizado em vídeo de alta definição e merece ser descoberto. Inédito no Brasil.

UMA BELEZA EFÊMERA

2007-08-07T11:13:00.000-07:00

VIRGINIA
Idem. EUA, 1983. De: John Seeman. Com: Shauna Grant, Paul Thomas, Janey Robbins, Peter Bent, Jamie Gillis, Lili Marlene, Hershel Savage. A/DR. 85 min
Comentário: Filme da época de ouro da indústria pornô norte-americana, onde as obras eram rodadas em película e existia uma preocupação clara por histórias enxutas (com começo, meio e fim bem definidos) e originais, que servissem não só de suporte às cenas eróticas, mas também funcionassem como um atrativo a mais dentro do conjunto oferecido. Neste “Virginia” temos um bom exemplo do requinte atingido pelas produções do período e de como um produto subjugado por boa parte da crítica e do público conseguiu se aproximar em termos de conteúdo a muitos filmes ditos “sérios” e classificados como sendo de “arte”.
O tema tratado aqui é o incesto e o diretor carrega nas tintas dramáticas para contar a história da jovem Vírginia que sente um forte desejo não declarado pelo pai, fotógrafo bem sucedido e cheio de amantes. Logo na primeira cena, vemos a garota espiando por uma porta entreaberta o pai transando com a namorada. Durante todo o longa ela tem visões eróticas com o genitor e ao final descobre que ele também tem um fetiche obscuro: fotografar casais desconhecidos em pleno ato sexual. Pai e filha expõem as suas fraquezas e consomem o seu desejo carnal numa cena de sexo lindamente concebida, com direito a travellings de câmera caprichados e enquadramentos elegantes. Aliás, elegância é o que não falta aqui graças ao belo elenco, a competente parte técnica e a boa música incidental. Apesar do tema espinhoso, é uma fita recomendada para as mulheres devido ao bom gosto geral.
No papel do pai temos o veterano Paul Thomas, que nasceu no berço de uma família de industriais e enveredou desde muito jovem pelo mundo das artes cênicas, tendo trabalhado na Broadway em musicais de sucesso como "Jesus Cristo Superstar", do qual também participou da versão cinematográfica dirigida por Norman Jewison em 73. A sua estréia no cinema pornô ocorreu em 1975 e perdura até hoje, consolidando nos anos 90 uma bem sucedida carreira como diretor de filmes hardcore. Pelo filme “Virginia” ganhou o seu único prêmio como ator no Adult Film Association of America, espécie de Oscar do cinema pornô.

O papel título é feito pela linda Shauna Grant, loira da época pré-silicone onde a beleza era um pressuposto genético. Típica garota americana, ela teve dificuldades para se firmar no meio devido ao seu vício em cocaína e a sua falta de entusiasmo durante as cenas de sexo. Em 1983, com menos de um ano de carreira e a marca de 30 filmes no currículo, deixou a indústria de filmes pornô. Mesmo loge do universo erótico, seu vício teve um efeito devastador em sua vida. Seu namorado, um traficante de cocaína chamado Jake Erlich, deu-lhe um trabalho em uma loja de materiais em couro que possuía. Quando foi preso com cargas de drogas, Shauna retornou aos filmes adultos. Em março de 1984, aos 20 anos, Shauna cometeu suicídioo com um rifle calibre 22. Sua morte deixou a indústria em choque. Muitos que a conheciam, incluindo seus pais, insistiram que ela foi assassinada. Alguns, entretanto, afirmaram que ela já havia tentando suicídio antes mesmo de deixar Farmington, com o intuíto de afirmar que ela já era uma garota com problemas. A carreira e morte de Shauna foram adaptados para um filme feito para a TV, chamado Shattered Innocence, um filme que lembra pouco o que realmente aconteceu.

MORRE O ESTETA DA PSIQUE HUMANA

2007-07-30T05:43:00.000-07:00

O cinema perdeu hoje um de seus grandes mestres. Acordamos mais tristes nesta manhã do dia 30 de julho, com a notícia da morte do sueco Ingmar Bergman, aos 89 anos de idade. Especialista em dissecar a alma humana em obras herméticas e permeadas de uma beleza singular que descrevia a psique humana sem filtros de retoque, Bergman teve uma carreira extensa composta de inúmeros filmes e peças teatrais e uma vida tumultuada, onde sobraram amantes e esposas (foram cinco casamentos!).
Dentre as cenas memóraveis que concebeu, fica na memória o jogo de xadrez com a morte da obra-prima "O Sétimo Selo". Durante mais de oitenta anos Bergman conseguiu ganhar a partida, mas foi derrotado neste último domingo. Provou que era persistente e deixou como legado uma obra de rara beleza. Vida eterna ao mestre da melancolia!

TALENTO NU

2007-07-24T12:38:00.000-07:00

RAW TALENT
Idem. EUA,1984. De: Larry Revene. Com: Jerry Butler, Lisa De Leeuw, Cassandra Leigh, Joey Silvera, Rhonda Jô Petty, Taija Rae, Ron Jeremy. A/C. 82 min.
Comentário:
Sem dúvida, é um dos melhores pornôs produzidos em película pela indústria americana antes da invasão do vídeo, que tomou conta e empobreceu criativamente o cinema hardcore a partir dos anos 90. Aqui ainda podemos contar com um elenco que sabe atuar e com um diretor que, além das tradicionais cenas eróticas, sabe priorizar o boa trama. E olha que ele conseguiu antecipar em quase dez anos uma história que seria melhor explorada e desenvolvida pelo esteta Paul Thomas Anderson, na obra-prima Boogie Nights (1997). O fio condutor é o mesmo: a ascensão e decadência de um astro pornô.
Aqui acompanhamos as tentativas frustradas do ator amador Eddie Czeropski para conseguir um papel no teatro, enquanto tenta sobreviver fazendo bicos em subempregos, dos quais eventualmente é demitido. Incentivado por um amigo garçom, ele vai assistir a filmagem de um filme pornô e termina substituindo o ator principal que não consegue deixar o membro ereto. Em pouco tempo, Eddie vira sensação no meio e passa a ser assediado por diretores e produtores inescrupulosos. A decadência é inevitável e, após uma desilusão amorosa, ele tenta redirecionar a sua carreira como ator de Soap Operas televisivas, deixando para trás a carreira de mero brinquedo sexual.
O filme é uma crítica direta ao próprio sistema que o produziu, pois retrata a indústria pornô como um meio infestado de pessoas mal intencionadas e produtores desumanos, que visam o lucro a todo custo e tratam os atores com desdém. A obra ficou famosa não pelos seus méritos criativos ou pelas sequências eróticas, mas sim por intercalar várias mensagens subliminares durante a projeção. São pequenos inserts de 1 a 2 frames por segundo com frases como SEX, KILL, EAT e LAUGH, imperceptíveis ao olhar humano, mas capazes de influenciar o subconsciente de quem assiste. Até hoje não se tem notícia de espectadores que saíram transando loucamente e/ou matando por aí após ver a fita, mas esse instrumento duvidoso já foi realmente usado por muitas outras produções como importante ferramenta de marketing. Portanto, não estranhe se depois de assistir a um inocente desenho da Disney, você sentir um desejo incontrolável de adquirir os bonecos dos personagens ou visitar a Disneylândia.
Vale destacar os ótimos desempenhos de Jerry Butler como Eddie Czeropski e de Lissa De Leeuw como a diretora sacana e inescrupulosa. Jerry é loiro, de estatura mediana e pouco dotado para o pornô, mas convencia pelo talento e vitalidade nas cenas eróticas (em alguns momentos lembra muito Robert Downey Jr.). De Leeuw era uma ruiva gordinha e detentora de enormes seios. Infelizmente, ela foi uma das primeiras atrizes pornôs a falecer em decorrência da AIDS.

O OLHO QUE TUDO VÊ

2007-07-13T12:43:00.000-07:00

COMING APART
Idem. EUA, 1969. De: Milton Moses Ginsberg. Com: Rip Torn, Sally Kirkland, Viveca Lindfords. A/DR. Comentário:
Fita de vanguarda com estrutura experimental bastante original. Psiquiatra nova-iorquino oculta uma câmera super 8 na sala de seu apartamento. A câmera é estrategicamente colocada defronte a um sofá, adornado por um grande espelho capaz de refletir todo o ambiente ao redor. O objetivo inicial é filmar as suas consultas diárias, mas ele toma gosto pela nova brincadeira e passa a registrar fatos banais do seu cotidiano como as constantes brigas com a ex-esposa, a relação conturbada com a amante maníaco-depressiva e uma orgia em companhia de amigos.
Assim como voyeurs de primeira viagem, assistimos a todo o filme pelas lentes imóveis da câmera do psiquiatra num exercíco curioso de metalinguagem. Vemos o mesmo que ele vê, como cúmplices impassíveis de seres humanos frágeis que desnudam as suas angústias diante de nossos olhos. Apesar da imobilidade proprocionada pelo plano fixo, os personagens comandam a ação e movimentam-se sem saber que são registrados. Só ficamos angustiados quando eles somem do foco e temos que adivinnhar o decorrer da ação (caso da seqüência final, onde um tiro é dado e ficamos sem saber se alguém foi atingido), num exercício de imaginação só proporcionado pela literatura.
Filme de estréia de Ginsberg, que depois faria mais um único longa-metragem (o terror B “O Lobisomem de Washington” de 1973) e ganharia prestígio como editor de filmes de terceiros. Por conter algumas ousadias como a nudez frontal de um travesti, “Coming Apart” quase não foi visto em sua estréia já que recebeu a temida classificação X do MPPA (órgão responsável pela censura nos EUA), destinada aos filmes pornográficos e ficou poucos dias em cartaz. Descoberto pelos franceses, foi relançado em 2004 pela Gémini Films e virou cult. Mais do que merecido.
Além da competência interpretativa habitual de Rip Torn como o psiquiatra, quem rouba o filme é uma jovem (e constantemente nua) Sally Kirkland, excelente no difícil papel da amante tresloucada e bipolar, que vai da alegria contagiante até a mais profunda depressão em questão de segundos. Um desempenho magistral que foi obscurecido pela péssima distribuição do filme, fazendo com que a carreira de Kirkland desvalace para pequenas pontas durante todos os anos setenta, só sendo reerguida em 87 com o filme “Anna” que lhe proporcionou o Globo de Ouro de melhor atriz dramática e uma indicação ao Oscar. Coisas do cinema.........

O PEQUENO CÉU

2007-07-01T13:46:00.000-07:00

O PEQUENO CÉU
El Cielito. Argentina, 2004. De: Maria Victoria Menis. Com: Leonardo Ramirez, Mônica Lairana, Dario Levy, Rodrigo Silva. L/DR. 93 min. Comentário:
Que filme, que filme! Daquelas obras que assitimos ao acaso, sem referências ou expectativa alguma e que nos arrebata de maneira irreversível. Mais uma prova cabal do grau de excelência dos novos realizadores argentinos. Com um estilo minimalista, de pouquíssimos diálogos e muita sensibilidade, a diretora compensa habilmente os parcos recursos que tem com o ótimo elenco e as belas paisagens naturais. Ela narra a singela história de Félix, jovem andarilho de vinte e poucos anos, de quem não sabemos o passado e cujo futuro é incerto. Ao pular de um trem em movimento, onde viajava clandestino, vai parar numa estação perdida no interior da Argentina. Sem dinheiro e rumo incerto, o rapaz puxa conversa com Roberto, homem marcado pelo tempo e vestido de maneira desleixada, com o objetivo claro de comer os restos de comida deixados pelo homem sobre o balcão do bar.
No segundo encontro dos dois, Roberto convida o andarilho para laborar em sua pequena propriedade rural, ajudando na colheita de frutas silvestres, plantadas e comercializadas de forma improvisada em bancas de madeira colocadas estrategicamente à beira da estrada. Félix prontamente aceita a oferta e vai viver com o agricultor e sua pequena família, formada pela sofrida e submissa esposa Mercedes e o gracioso Chango, filho do casal de poucos meses de vida. A empatia entre Félix e o bebê é instantânea e o rapaz de olhos tristes passa a ter os dias preenchidos pelo sorriso doce e farto daquele pequeno ser. Mas nem tudo são flores, e o ambiente de paz começa a ficar tenso com a forma violenta e gratuita com que Roberto trata a mulher, imprimindo um rol quase que diário de tapas, chutes e palavras de baixo calão, potencializadas pelo vício alcoólico do homem.
Certo dia, Mercedes some. Suicídio ou fuga? O roteiro não explicita, mas deixa pistas sobre o destino da mulher ao mostrar as suas vestes desarrumadas no guarda-roupa, assim como a mala intacta sob a cama. Apreensivo sobre o futuro de Chango e certo que Mercedes não irá mais voltar, Félix rouba algum dinheiro e parte com o menino para Buenos Aires, deixando para trás Roberto incosciente e totalmente consumido pelo vício da bebida. No trem, Félix observa as imagens do povo pobre e sofrido que vive no interior e que guarda muitas semelhanças com a nossa brava gente brasileira. Nesse momento, ele recorda da sua infância feliz ao lado de uma mulher idosa, que poderia ser sua mãe e/ou avó (isso nunca fica claro). Ao fundo, pontuando esse momento de pura emoção, ouvimos a bela música “El Jangadeiro” na voz da cantora Liliana Herrera, uma espécie de Elis Regina local.
Ao chegar a capital, Félix prontamente se hospeda num hotel barato e vive dias de intensa harmonia ao lado de Chango. Mas o dinheiro acaba e os dois são despejados. Sem perspectivas, vão parar na rua como indigentes, sobrevivendo de esmolas e dormindo ao léu, esquivando-se das rondas policiais e dos olhares gananciosos dos marginais de plantão. Desesperado, Félix é cooptado por um deliqüente de rua que vive de pequenos golpes e aceita participar de um roubo, em troca de guarita e comida. Pela primeira vez em dias, ele deixa Chango sob os cuidados de outra pessoa, a irmã do deliqüente, e despede-se do menino prometendo voltar. Mas a sua promessa não se concretiza e o rapaz termina prostrado ao chão, abatido por uma bala. Ao olhar para o céu, percebe-se no canto da sua boca o esboço de um pequeno sorriso, pois em meio as estrelas ele consegue ver refletido o rosto da mulher que o criou e a figura terna do pequeno Chango. Tocante.
A trajetória pontuada pela angústia e repressão social enfrentada pelo personagem Félix na segunda metade do filme, nos remete muito a via crucis inexorável do pai deseperado no clássico do neorrealismo italiano “Ladrões de Bicicleta”. A própria “naturalidade” do elenco amador e das locações fazem de “Pequeno Céu” um exemplar moderno do cinema italiano realizado no pós-guerra, com pouco dinheiro e forte apelo crítico-social. Sinal inequívoco de que beber na fonte do passado não gera somente obras anacrônicas, mas sim fitas realistas, que driblam a falta de recursos com criatividade e, sobretudo, sensibilidade. O filme recebeu vários prêmios no Festival de San Sebástian e no Festival de Havana. Trata-se do terceiro longa-metragem da diretora Maria Victoria Menis, que estreou em 89 e divide o seu tempo também escrevendo e dirigindo para a TV.

PURPURINA PURA....

2007-06-20T14:03:00.000-07:00

20 CENTÍMETROS
20 Centimetri. Esp., 2005. De: Ramón Salazar. Com: Mônica Cervera, Pablo Puyol, Miguel O´Dogherty, Concha Galán, Lola Dueñas, Juan Sanz, Najwa Ninri, Rossy De Palma, Pilar Bardem. A/M.112 min. Comentário:
Só mesmo um conterrâneo de Pedro Almodóvar para conceber este delírio musical homo-erótico, impregnado de luzes, cores, muito humor e uma pitada de drama. Em seu segundo longa, o jovem Ramon Salazar demonstra fôlego de veterano ao narrar com extrema competência técnica e apurado estilo visual a história cheia de sonhos e desilusões de Marieta, jovem travesti madrilenho que deseja acabar de uma vez por todas com a incômoda herança familiar: um membro fálico de 20 centímetros! O que seria motivo de orgulho para muitos homens e objeto de disputa entre as mulheres, transforma-se num pesadelo diário para um homem com alma feminina, que sobrevive vendendo o próprio corpo nas ruas de Madri e sofre com as crises constantes de narcolepsia, distúrbio que lhe promove o sono profundo e o deixa dormindo nas horas mais inusitadas. Invariavelmente, Marieta é encontrada desfalecida e abandonada nas sarjetas, com as roupas rasgadas e sem saber muito bem o que aconteceu. Só lhe cabe recolher o pouco de dignidade que ainda resta e voltar para o pequeno apartamento de subúrbio que compartilha com Tomás, anão e melhor amigo que vive envolvido em pequenos golpes e que sonha torna-se músico. Ao redor dos dois, uma fauna urbana repleta de tipos esquisitos, onde se destacam a vizinha gorda e mãe de um garoto mulato, e o másculo repositor de verduras da feira livre que passa a freqüentar os sonhos eróticos do travesti, mas logo o decepciona ao demonstra ser passivo durante o sexo.
O ponto alto do longa, são os caprichados números musicais encenados durante os surtos inesperados de sono da protagonista, onde a fantasia corre solta e ela vê-se como uma glamurosa estrela hollywoodiana em meio a cenários inusitados e coloridos, onde amigos e clientes viram personagens da ação, dançando e cantando como profissionais. Fazendo uso do mesmo recurso consagrado pelo australiano Bazz Luhman no genial “Moulin Rouge”, o diretor usa e abusa de canções pops consagradas nas vozes de Madonna, Freddie Mercury e outros para emoldurar as coreografias, gerando empatia imediata e transformando-as em números dignos da Broadway .Outro grande achado é a interpretação agridoce da notável Mônica Cervera, estrela dos primeiros trabalhos do diretor (o curta “Hongos” e o longa “Piedras”). Detentora de uma figura esguia e estranha que lembra muito a musa almodovariana Rossy De Palma, homenageada aqui numa pequena ponta como uma colega de rua de Marieta. Também merece destaque a corajosa composição do galã Pablo Puyol, como o amante passivo de Marieta, viciado em sexo anal. Uma fita despojada, colorida e extremamente bem conduzida. Infelizmente, os mais puritanos ficarão chocados com algumas liberdades e ousadias, mas são detalhes necessários ao tema e só tornam o resultado final mais divertido e saboroso

TAXIDERMIA

2007-06-16T13:43:00.000-07:00

Três histórias, três épocas e três gerações. Avó, pai e filho tendo como cenário a ascensão e queda do comunismo na Hungria. O primeiro trabalha como capataz na fazenda de um militar em pleno inverno e tenta sublimar os seus desejos carnais, mergulhando num mundo de fantasias, onde a realidade funde-se com a ilusão e o resultado é imprevisível. O segundo é fruto do adultério da mulher do patrão com o capataz e desde bebê chama a atenção por ter nascido com uma deformidade genética que provocou uma protuberância ao final da coluna, que faz lembrar um rabo suíno. Comilão desde criança, torna-se campeão num esporte mórbido onde os competidores (todos obesos) comem até vomitar (!). O terceiro é taxidermista e tenta dividir-se entre o trabalho extenuante que consiste em preservar as características físicas de animais mortos através de metódos científicos e os cuidados com o pai, que ficou imóvel e grotesco devido ao excesso de peso.
Através dos três personagens, acompanhamos flashes da história da própria Hungria, já que o longa começa na Primeira Guerra Mundial, adentra os anos de chumbo do regime comunista e chega aos dias atuais sem fazer concessões de nenhuma ordem. Caprichando na estética visual e no realismo gráfico de algumas cenas, capazes de revirar o estômago e colocar para correr os espectadores mais sensíveis, o diretor Pálfi propõe um jogo fascinante que coloca em cena temas complexos e vitais aos seres humanos como o sexo, a comida e a morte. Por estar dividido estruturalmente entre esses três ciclos, “Taxidermia” foi comparado por alguns críticos ao filme “Saló” do mestre Píer Paolo Pasolini. Comparação essa totalmente inócua, já que o segundo é uma das mais duras e cruéis críticas ao nazismo já feitas e considerado o filme mais transgressor de todos os tempos, tendo sido banido em vários países à época de seu lançamento.
O roteiro, escrito pelo próprio diretor em parceria com a esposa Ruttkay, é baseado nos trabalhos do escritor húngaro Parti Nagy Lajos e impregnado de uma fina ironia, presente até nos momento mais mórbidos e olha que não são poucos. Durante toda a trama somos desafiados por cenas desconcertantes e ao mesmo tempo necessárias ao contexto tratado. Logo de início, um pênis ereto e flamejante serve de metáfora ao desejo reprimido; em seguida, o vômito constante dos personagens indicam que os excessos (independente do que sejam) nunca trazem felicidade e causam dependência; e, por último, o volume de sangue e vísceras revelam a fragilidade humana diante da morte.
Um belo e forte tratado em celulóide sobre a vida e a morte, que só peca pela falta de consistência do roteiro ao tentar ligar as três histórias, já que a primeira fica destoante se comparada as outras duas, que apresentam uma seqüência lógica ao manter a figura do pai obeso como ponte narrativa, enquanto que os personagens do primeiro segmento somem totalmente na trama seguinte. Mas o resultado final é realmente instigante e inovador. Uma curiosidade: a trilha sonora é assinada por Amon Tobin, que nasceu no Rio de Janeiro e pratica o trip-hop.
Taxidermia - Der Ausstopfer. Hung./Áustria/França, 2006. De: György Pálfi. Com: Csaba Czene, Gergely Trócsányi, Marc Bischoff, Adél Stanczel, Piroska Molnár. 91 min.

TAKE OFF

2007-06-13T15:13:00.000-07:00

Antes de tudo, quero ressaltar que o objetivo deste blog é falar sobre cinema, independente do gênero, país de origem e duração. Portanto, as obras pornôs de qualidade que incrementaram os sonhos molhados de muita gente (principalmente nos áureos anos 70) também serão bem-vindas. É o caso de TAKE OFF (EUA, 1978), uma feliz adaptação da obra clássica “O Retrato de Dorian Grey” de Oscar Wilde, produzida na época de ouro do pornô americano. Contando com o inteligente roteiro de Daria Price e a competente direção de Armand Weston (que dirigiu apenas oito filmes e é responsável pelo clássico do gênero “A Defiance of God” de 1975), acompanhamos dos anos 30 até o final dos anos 70, as várias aventuras sexuais do playboy Darrin Blue, que misteriosamente permanece jovem, enquanto a sua imagem num antigo filme de 8mm sofre o desgaste do tempo. O seu destino começa a mudar quando um casal descobre o antigo filme e a mulher começa a desconfiar que homem belo e sedutor que conheceu a beira da piscina é mesmo homem do filme.
Eficente reconstituição de época, elenco repleto de beldades que vão desde a veterana Georgina Spelvin (a inesquecível Miss Jones) até a linda Annette Haven, com direito a luxuosa ponta do travesti Holly Woodlawn (estrela do filme TRASH e amiga pessoal de Andy Warhol) como uma cantora de cabaret no segmento relativo aos anos 40. Enfim, um filme pornô de muita classe.
O papel principal é vivido pelo ator Wade Nichols, um caso a parte dentro da indústria pornô. Considerado um dos mais belos atores do gênero, Nichols tinha penetrantes olhos azuis e um típo físico próprio dos nos setenta, com direito a peito cabeludo e um indefectível bigode. Ele começou a carreira no início dos anos setenta em fitas gays e logo passou ao cinema “straight”, ou seja, filmes heterossexuais onde transava com mulheres. Rapidamente alcançou o estrelado no meio e teve o seu grande momento com “Take Off”. Paralelo a carreira cinematografica, ele gravou um LP com o nome de Dennis Parker e estourou nas pistas de dança no final dos nos 70, com hits como “Like an eagle” e “I´m A Dancer”. Esta segunda música fez parte da trilha sonora da novela Marrom Glacê e o ator esteve no Brasil para promovê-la em 1979. Neste mesmo ano, a sua carreira deu uma guinada de 180 graus e ele conseguiu um papel fixo na telessérie de sucesso “The Edge of Night” da poderosa Rede ABC, onde viveu o Chefe de Polícia Derek Mallory de 79 até 84. Infelizmente, o ator morreu no dia 28 de janeiro de 1985. Em algumas publicações, a causa mortis alegada é que uma séria de complicações decorrentes da AIDS ocasionou o óbito, em outras fontes a informação é que o astro teria cometido suicídio ao tomar conhecimento que era portador do vírus. Polêmicas a parte, Wade Nichols permanece imortal nos filmes e nas alegres canções que marcaram a era disco.

UM CINEMA SEM CONCESSÕES

2007-06-13T14:31:00.000-07:00

O cinema de Fernado Arrabal não é para ser compreendido, mas sim apreciado. Dramaturgo, amante das artes e discípulo de Salvador Dali, ele consegue transpor para a tela do cinema argumentos absurdos e cenas desconcertantes que prendem a atenção desde o primeiro frame e fazem juz as pinturas consagradas pelo mestre do surrealismo. É arte pura em película.
No seu segundo longa-metragem como diretor J´IRAI COMME UM CHEVAL FOU(1973), ele conseguiu a proeza de ser censurado na liberal França e ter causado polêmica e mal-estar nos poucos países onde foi exibido. A obra acompanha a desconcertante via-crucis vivida do playboy Aden Rey (vivido pelo norte americano George Shannon), que inicia a trama peregrinando sem rumo pelo deserto, como se fugisse de algo. Na verdade, ele matou a própria mãe (afrancesa EmannelleRiva, estrela do clássico Hiroshima Mon Amour), com quem mantinha uma forte relação edipiana. Desamparado e perdido na aridez de uma paisagem morta, ele encontra na solitária figura do pigmeu Marvel, o amor e a afeição da mãe morta, iniciando uma estranha relação homo-erótica, mais insinuada do que explicitada. Totalmente dependendente do pequeno homem, Aden o leva para a cidade grande, onde a pureza do selvagem é engolida pela crueldade das pessoas e pela frieza da metrópole. Perdido, Marvel foge para o seu habitat natural, tendo Aden em seu encalço. O reecontro do dois é inevitável e traz consequências trágicas pois resulta na morte do playboy a pauladas, executada pelo pigmeu que em seguida come a carne do rapaz, numa forte sequência que funciona como metáfora da união eterna daqueles dois seres tão diferentes e ao mesmo tempo tão dependentes, unidos para sempre numa simbiose perfeita de corpo e mente.
Os mais sensíveis ficarão chocados com as imagens fortes jogadas na tela sem concessão alguma. São vísceras expostas, membros eretos, pessoas urinando e defecando, um travesti desnudo com a genitália a mostra e várias outras leviandades, mescladas com cenas impregnadas de beleza e plasticidade cênica. A trama não é contada de forma linear, mas o objetivo é esse mesmo: confundir mais do que explicar e soltar pistas durante toda a projeção sobre acontecimentos passados e futuros, apoiados em metáforas poderosas. Instigante, ousado, obsceno, violento, enfim um coquetel de emoções díspares de difícil, porém saborosa ingestão.

A JUSTIÇA TARDA, MAS NÃO FALHA

2007-02-26T14:15:00.000-08:00

Surpresas? Algumas, mas nada de extraordinário. A cerimônia de número 79 do prêmio mais cobiçado do planeta foi marcada pelo esmero técnico, o humor refinado e um forte apelo pelo politicamente correto. O Oscar é um jogo de cartas marcadas, onde os premiados já são antecipadamente estabelecidos pelos prêmios dos sindicatos de classe e pelo forte lobby dos estúdios, além da incômoda imparcialidade de parte da crítica especializada que não faz cerimônia alguma ao alardear os seus favoritos e menosprezar os demais concorrentes.
A maioria dos sindicatos é composta por votantes da Academia e comumente os resultados coincidem, principalmente em quesitos técnicos como direção de arte, fotografia, som e montagem. Basta uma consulta rápida a esses resultados horas antes do evento para fazer bonito nos inúmeros bolões que proliferam por aí, facilitados pela agilidade da internet. Como toda regra tem a sua exceção, este ano tivemos duas discrepâncias gritantes: no quesito fotografia o ganhador do sindicato e franco favorito era Emmanuel Lubezki por “Filhos da Esperança”, mas quem ganhou foi Guillermo Navarro por “O Labirinto do Fauno”; enquanto que o riquíssimo figurino do filme chinês “Curse of the Golden Flower “, perdeu para o de “Maria Antonieta” (a incursão malfadada de Sophia Coppola pela vida da nobre francesa), até então ignorado pelo sindicato.
No tópico interpretação, quase não houve surpresas com a rainha de Helen Mirren consolidando a barbada do ano, Forest Whitaker confirmando o favoritismo e Jennifer Hudson (melhor coadjuvante) provando ser a melhor coisa de “Dreamgirls”, que surgiu como filme do ano e foi perdendo espaço desde o dia das indicações, quando ficou fora das categorias de Filme e Direção. Quanto a Eddie Murphy, a sua derrota para o veterano Alan Arkin (“Pequena Miss Sunshine”), não foi surpresa para quem esteve em Los Angeles nos últimos dias. Apesar de fortalecido pelas vitórias no Globo de Ouro e no SAG Awards, o astro teve a sua campanha prejudicada pelo lançamento de seu último filme, a comédia “Norbit” onde Eddie interpreta uma mulher gorda e asquerosa. A mega exposição do ator travestido em imensos outdoors pegou mal junto aos conservadores membros da Academia, formada em sua maioria por senhores e senhoras de idade avançada que não admitem certas ousadias.
Por falar em ousadias, esses mesmos membros que esnobaram no ano passado os cowboys gays de “O Segredo De Brokeback Montain” e deram o prêmio de melhor filme a “Crash”, tiveram que engolir a seco o primeiro beijo lésbico da cerimônia. A cantora Mellissa Etheridge, assumidamente lésbica, ao receber o prêmio de melhor canção pelo documentário “Uma Verdade Inconveniente”, beijou na boca a companheira e, para não deixar dúvida alguma, usou o microfone para agradecer a “mulher” pelo apoio dado e pelos quatro filhos maravilhosos (!). Tal atitude só corroborou a aura liberal da noite, comandada pela comediante (e também lésbica) Ellen De Generis que, de forma discreta e sarcástica, soltou inúmeras piadas de dupla sentido e contou com a presença da namorada , a linda atriz Portia De Rossi, na platéia.
No geral, foi uma festa divertida, onde os melhores momentos ficaram a cargo de um coral que representou os ruídos e sons necessários a confecção de um longa-metragem, e as pequenas e geniais inserções de um ballet performático, que usando a sombra dos bailarinos concebeu cenas de alguns dos filmes indicados.
A mais do que merecida homenagem a Ennio Morricone foi outro momento mágico e mostrou ao mundo um pouco do talento absurdo deste compositor italiano, responsável pela trilha sonora de mais de 500 filmes (!). E olha que ele está firme e forte aos 79 anos de idade.
Por fim, a premiação terminou com a esperada correção de uma das maiores injustiças de sua história. Quando o trio formado por George Lucas, Francis Ford Coppola e Steven Spilberg adentrou o palco do luxuoso Kodak Theather com o envelope que revelaria ao mundo o melhor diretor do ano, já se previa o nome a ser anunciado. Dito e Feito. Sorridente e com o humor que lhe é peculiar, Martin Scorsese vibrou como um iniciante e até pediu aos amigos que confirmassem se era mesmo o seu nome estampado naquele papel. De quebra, ainda viu o seu filme ser eleito o melhor do ano, botando na oficina a kombi velha de “Pequena Miss Sunshine” e na geladeira o caldeirão multi cultural proposto por “Babel”. Aliás, este último talvez tenha sido o maior derrotado da noite, ganhando apenas o Oscar de melhor trilha-sonora.
A seguir, a lista completa dos premiados:

Melhor filme: "Os Infiltrados"Melhor diretor: Martin Scorsese ("Os Infiltrados")Melhor ator: Forest Whitaker ("O Último Rei da Escócia")Melhor atriz: Helen Mirren ("A Rainha")Melhor ator coadjuvante: Alan Arkin ("Pequena Miss Sunshine")Melhor atriz coadjuvante: Jennifer Hudson ("Dreamgirls - Em Busca de um Sonho")Melhor filme estrangeiro: "A Vida dos Outros" (Alemanha)Melhor filme de animação: "Happy Feet: o Pingüim"Roteiro adaptado: "Os Infiltrados" (William Monahan)Roteiro original: "Pequena Miss Sunshine"Direção de Arte: "O Labirinto do Fauno"Fotografia: "O Labirinto do Fauno" (Guillermo Navarro)Figurino: "Maria Antonieta"Melhor documentário: "Uma Verdade Inconveniente"Melhor documentário de curta-metragem: "The Blood of Yingzhou District"Montagem: "Os Infiltrados"Maquiagem: "O Labirinto do Fauno"Trilha Sonora Original: "Babel" (Gustavo Santaolalla)Canção original: "I Need to Wake up" ("Uma verdade inconveniente")Melhor curta-metragem de animação: "The Danish Poet"Melhor curta-metragem: "West Bank Story"Edição de som: "Cartas de Iwo Jima"Som: "Dreamgirls - Em Busca de um Sonho"Efeitos Visuais: "Piratas do Caribe: O Baú da Morte"

A NOIVA DE LÁZARO

2006-12-02T11:10:00.000-08:00

Com poucos recursos, câmera na mão e tendo como força motriz a estupenda atuação de Cláudia Rojas, o diretor Fernando Merinero desenvolveu uma pequena obra-prima impregnada de realismo e sensibilidade. Rodado na ruas de Madri, tendo os transeuntes como figurantes e cenários reais como locação, o filme aborda os percalços vividos pelos imigrantes cubanos em países cosmopolitas e de mesma língua como a Espanha. No caso específico da trama, somos inseridos de imediato no dia-a-dia de incertezas e pequenos golpes do cubano Lázaro, homem simples e cheio de sonhos que gasta o pouco do que tem com drogas para aplacar a dura realidade e a falta de perspectivas na qual está inserido. Num ímpeto de loucura e desespero, ele ataca uma rica espanhola em busca de sexo e dinheiro e é preso em flagrante. Condenado, vai para a cadeia no mesmo dia em que Dolores, a sua noiva, chega a Madri. Perdida, indefesa e sem recursos, a jovem cubana é acolhida por uma desconhecida e inicia uma busca desesperada para obter pistas sobre o paradeiro do amado. Ao localizá-lo, fica chocada com o motivo da prisão, mas é capaz de sublimar a dor e levar cocaína na vagina para alimentar o vício do rapaz. Durante uma visita íntima, Dolores é violentada física e psicologicamente pelo namorado e desiste do intuito de recuperá-lo, iniciando uma solitária e difícil luta pela sobrevivência na selva de concreto espanhola. Depois de pequenos bicos, um romance fortuito com outra mulher e um rosário extenso composto de prostituição, drogas e humilhações, a jovem finalmente encontra a redenção nos braços de Paco, artesão de poucas palavras, com quem vai viver e trabalhar. Mas a vida não é um mar de rosas, e Lázaro sai da prisão com a meta de reencontrar a noiva. Casualmente, os dois se deparam em plena rua madrilenha, enfeitada com luzes e coress devido a uma festa religiosa, e o furor sexual é instantâneo, descambando para uma transa explícita em meio ao breu de uma praça abandonada. Apesar da tentação, Dolores agora é uma mulher vivida e resiste aos apelos eróticos do antigo noivo. Sem maiores dúvidas ou questionamentos, ela retorna para a visa segura ao lado de Paco e reescreve o seu inevitável destino de imigrante ilegal, terminando o filme rodeada pelo amor do marido e de uma filha, fruto dessa relação. Quanto a Lázaro, ele retorna às ruas e a sua rotina de homem largado, solitário e drogado que sobrevive graças a caridade de quem lhe detesta. Ousado, visceral e perturbador, “A Noiva de Lázaro” permanece na memória e deixa marcas indeléveis em que se atreve a assisti-lo.

VER PARA CRER

2006-09-12T09:32:00.000-07:00

Se A DAMA NA ÁGUA de M Night Shyamalan é ou não é um grande filme ainda não sei, pois não assisti. Mas desde já podemos considerá-lo a maior polêmica cinematográfica dos últimos anos, haja vista a quantidade de opiniões e críticas divergentes sobre a obra. Alguns a consideram uma obra-prima moderna, onde a fantasia se sobrepõe a realidade de forma magistral numa espécie de contos de fadas dark. Outros já são mais radicais e acham que essa nova incursão de Shyamalan no mundo da ficção resultou num filme mal feito, mal concebido e arrogante, como o próprio diretor que reservou para si mesmo o papel de um escritor que no desenrolar da trama transforma-se numa espécie de novo messias(!).
Será que essa birra da crítica especializada é uma revolta velada contra o personagem do crítico de cinema antipático e pretensioso da trama, que termina sendo o único personagem devorado por um monstro? Ou será que Shyamalan realmente exagerou na dose e afundou na própria pretensão? Essa resposta só teremos vendo a obra, pois as críticas que tem surgido aos borbotões tanto na Internet quanto nas revistas especializadas não servem como baliza, já que vão da paixão escancarada e incondicional à obra até o ódio mortal contra Shyamalan e sua trupe. Nestes momentos, vale lembrar que A VILA na época de seu lançamento foi altamente questionado e hoje faz parte da lista de grandes filmes de muitos críticos de renome por aí. É ver para crer se estamos diante de uma bomba ou de um clássico.

MAMÃE " BARRA-PESADA"

2006-07-27T07:44:00.000-07:00

MINHA MÃE
Ma Mère. Fran./Port./Aust./Esp., 2004. De: Christophe Honoré. Com; Isabelle Huppert, Louis Garrel, Emma De Caunes, Joana Preiss, Jean-Baptiste Montagut, Dominique Reymond, Olivier Raboudin, Philippe Duclos. A/DR. 110 min.
Sinopse:
Baseado no romance póstumo e controverso de Georges Bataille, o filme tem como protagonista o jovem Pierre, um adolescente de 17 anos, que após a morte do pai é introduzido a um mundo hedonista e repleto de depravações pelas mãos de sua atraente mãe.
Comentário:
Trata-se de uma variação moderna e obscena sobre o complexo de Édipo, com a bela e impassível Huppert fazendo às vezes de uma Jocasta ninfomaníaca, alcoólatra e bissexual. Ela interpreta Claire, uma mulher promíscua e casada com um homem mais velho que incentiva as suas aventuras sexuais com outras pessoas. Quando o marido morre num misterioso e nunca explicado acidente, Claire passa a conviver mais intensamente com o filho Pierre, um adolescente cheio de dúvidas e curiosidades sexuais.
A estranha e dúbia relação entre mãe e filho passa a ser o cerne da trama e é desenvolvido de forma confusa, tendo o paradisíaco balneário das Ilhas Canárias como cenário. A principio os dois trocam farpas e aos poucos vão ficando mais íntimos, ao ponto da mãe introduzir o próprio filho nos seus escapistas jogos eróticos. Na verdade, Claire expõe a sua face mais obscena na tentativa de afastar e obter a rejeição do garoto, pois ela sente que Pierre está cada vez mais carente e apaixonado pela sua sensual figura materna. Infelizmente os meios pouco ortodoxos que ela utiliza não funcionam e a narrativa caminha para um sórdido desfecho.
O roteiro é confuso em muitos aspectos e coloca em cena personagens que surgem do nada e ganham uma surpreendente importância, caso da personagem Hansi (vivida pela atriz Ema de Caunes) que entra em cena depois de quase 50 minutos de duração e passa a ser o principal interesse amoroso do jovem Pierre. O personagem de Huppert sai de cena e retorna para um dos finais mais desconcertantes que já assisti: o corpo sem vida de Claire é observado por um atônito Pierre, que começa a se masturbar em pleno necrotério (!). Hard, muito hard, pena que o filme resulte lento e sem sentido em vários momentos.
É o segundo longa de Honoré, mais conhecido como roteirista. Apesar da competente Huppert, com a sua introspecção e os seus expressivos e tristes olhos, o filme é dominado pelo jovem Garrel (filho do diretor Phillipe Garrel) no papel do complexo Pierre, um ator que detém poucos, mas eficientes, recursos dramáticos e que possui uma beleza exótica, explorada na íntegra durante toda a narrativa. Inédito no Brasil.

OS URSOS TAMBÉM AMAM

2006-07-27T07:34:00.000-07:00

CACHORRO
Idem. Esp., 2004. De: Miguel Albaladejo. Com: José Luiz Garcia Perez, Dvid Castillo, Empar Ferrer, Elvira Lindo. A/DR . Comentário:
Alberto é um homem acima do peso, na faixa dos trinta e poucos anos, dentista de profissão e homossexual assumido. Devido aos seus atributos físicos, ele participa de um restrito grupo constituído por homens gordos, barbudos e peludos carinhosamente apelidados, no meio gay, de ursos (bear nos EUA e cachorro na Espanha, daí o título original). A sua tranqüila e pacata vida de solteiro, agitada esporadicamente pelos amigos e os amantes de ocasião, é posta a prova quando a única irmã, uma hippie tresloucada, resolve viajar a Índia com o amante e deixa o seu filho sob os cuidados do irmão. Tio e sobrinho tornam-se cúmplices, com o primeiro sempre preservando o segundo de sua vida atípica. Por obra do destino, a mãe é presa por porte de drogas e o dentista terá que lutar pela guarda do garoto com a avó paterna, inimiga declarada da nora.
Usando humor e uma delicadeza ímpar, o diretor desenvolve de forma satisfatória um tema espinhoso e poucas vezes abordado no cinema: a guarda de crianças por homossexuais. Para quebrar o gelo da audiência mais puritana, o filme já mostra ao que veio logo na seqüência de abertura com dois homens gordos transando graficamente. O que vem a seguir é um drama humano e contemporâneo sobre a nova conjuntura social, onde os homossexuais passaram a ser uma parcela economicamente significava da população mundial, com direitos igualitários e os mesmos desejos e anseios de um cidadão comum, apto a constituir uma família. Tratando do tema da paternidade sem levantar bandeira, já que o protagonista não procura ser pai, ele é simplesmente jogado naquela situação por circunstâncias adversas, o diretor evidencia que amor e respeito são sentimentos universais e independem de raça, credo e sexo. No final das contas, o garotinho que parecia ser o personagem mais frágil da trama, demonstra ser uma fortaleza numa cena crucial do longa. Em suma, trata-se de um belo registro de nossa época.

DIFÍCIL RECOMEÇO

2006-07-20T09:21:00.000-07:00

TURBILHÃO
Cavalcade. França, 2005. De: Steve Suissa. Com: Titoff, Berenice Bejo, Laurent Bateau, Axelle Laffont, Marion Cottilard, Ricahard Bohringer, Estelle Lafebure, Vincent Martinez, Buno Todechini, Maria Jurado. L. OP/R. 90 min. Comentário:
Baseado numa história real, o filme do diretor francês Suissa é extremamente bem intencionado ao tentar retratar a tragédia que se abateu sobre a vida do músico Bruno De Stabenhath, mas peca pela direção convencional e pelo roteiro desprovido de um maior aprofundamento. Músico por profissão, playboy por vocação, Bruno sofreu um violento acidente automobilístico e perdeu os movimentos do corpo. Devido a altura da lesão, ficou tetraplégico e iniciou uma batalha inglória para adquirir uma nova vida, com o mínimo de qualidade. Endividado pelos excessos cometidos em noites mal dormidas, farras intermináveis e transas passageiras, ele contará com a solidariedade dos amigos e familiares para recomeçar.
O filme já tem início com Bruno sendo internado e lembrando, em flashbacks, dos dias anteriores ao acidente. Acompanhamos as suas apresentações como DJ, os ensaios e as discussões com os membros de sua banda de rock, somos cúmplices de suas traições, do dia em que foi abandonado pela namorada e do último encontro com a família numa casa a beira amar.
Na segunda metade do longa, acompanhamos o tortuoso tratamento de reabilitação, o convívio com os outros pacientes e uma frustrada tentativa de suicídio. Por fim, ele retorna ao lar e inicia um romance com uma bela jovem chamada Manon, que lhe dá esperanças para recomeçar. Tudo assim. Bem segmentado e burocrático, sem maiores ousadias e nenhuma empatia. A mensagem final de que o amor tudo salva, soa piegas e personagens importantes como os pais de Bruno simplesmente somem da trama, ou fazem uma mera figuração, caso do homem contratado para cuidar do rapaz e que mal aparece.
Em suma, um tema instigante desenvolvido de forma frouxa e superficial. Melhor seria se o diretor centralizasse a trama no período vivido pelo protagonista dentro do Hospital, rodeado por profissionais dedicados e pacientes desequilibrados. Infelizmente, ele opta por desenvolver várias subtramas que nunca chegam ao fim, atrapalhando o cerne da questão que é a reabilitação física e psicológica de um ser humano. No resultado final, salvam-se a boa composição do ator Titoff como Bruno, ele veio da comédia e está perfeito no uso do corpo e nos trejeitos inerentes a um paciente tetraplégico; e a trilha sonora do veterano Michel Legrand, misturando com maestria sintetizadores e instrumentos clássicos. Para finalizar, gostaria de destacar um furo absurdo do roteiro, somente identificável por pessoas do meio médico ou portadores de lesão medular: passados dois meses do acidente, o protagonista se surpreende com um procedimento vital a todo tetraplégico que é o cateterismo vesical. Como o indivíduo perde a sensibilidade do pescoço para baixo e não consegue urinar normalmente, faz-se necessário a introdução periódica de uma sonda no canal peniano para esvaziar a bexiga. Ou seja, desde o primeiro dia de internação o cateterismo é utilizado, tornando-se fundamental à boa recuperação do paciente.
OBS.: A foto acima é do verdadeiro Bruno De Stabenhat

É PROIBIDO PROIBIR

2006-07-17T15:13:00.000-07:00

Foi com muita satisfação que recebi a notícia sobre a reformulação do anacrônico, esdrúxulo e restritivo sistema de classificação etária usada nos cinemas brasileiros, graças a uma liminar do Ministério da Justiça. A partir de amanhã (terça, 18/07), saI o famigerado "Proibido para menores de...” e entra em cena “Recomendado para maiores de...”, bem mais ameno e condizente com os novos tempos.
O que muda efetivamente é que os pais irão determinar o que os seus filhos podem ou não ver nos cinemas, assim como já o fazem no dia a dia em relação a outros assuntos. Assim, um filme recomendado para maiores de 16 anos poderá ser assistido por um jovem de 13 anos, desde que acompanhado pelos pais ou um maior responsável. A classificação anterior só continuará a vigorar para os filmes com cenas fortes de drogas, violência e sexo explícito, que continuarão proibidos para maiores de 18 anos. Ou seja, uma liberdade vigiada, mas muito bem-vinda.
Um sopro de civilidade num país marcado pela desordem civil, moral e ética, onde as crianças menores, devidamente orientadas pelos pais, poderão contar com o abrigo seguro e ilusório dos cinemas. Momentos de fantasia no meio de uma realidade cruel.

QUANDO O AMOR SUPLANTA O SEXO

2006-07-08T10:00:00.000-07:00

LIE WITH ME

Idem. Canadá, 2005. De: Clement Virgo. Com: Lauren Lee Smith, Eric Balfour, Kate Lynch, Polly Shannon, Don Francks, Michael Facciolo. A/DR. 92 min.
Jovem liberada sexualmente, entra em conflito ao se apaixonar por um rapaz já comprometido com outra, que cuida do pai doente nas horas vagas e que deseja iniciar um relacionamento baseado em algo mais do que apenas sexo. Esta produção canadense, por vezes, lembra os filmes do italiano Tinto Brass, repleto de heroínas corpulentas insatisfeitas e ninfomaníacas, mas tem seu o charme próprio. O diretor tenta ilustrar, com as ousadas ações da sua protagonista, a nova postura sexual das mulheres modernas, com práticas que até então eram comuns aos homens, mas reprováveis para a ala feminina, e homens cada vez mais subjugados e confusos com a nova liberalidade feminina. Isso fica evidente nas cenas em que a jovem masturba-se solitariamente diante de um vídeo pornô ou nos seus pensamentos expressos pela voz em off da atriz, que invariavelmente versam sobre a próxima transa e o próximo pau a ser chupado (não se assustem, a linguagem é chula assim mesmo durante toda a trama).
A atriz principal é linda e corajosa, pois participa de cenas explícitas, porém discretas, de sexo oral. O ator Eric Balfour, detentor de uma beleza exótica, foi revelado na série “A Sete Palmos” e é considerado um dos galãs da nova geração de atores americanos. Aqui ele mostra bem mais que o belo rosto.
Apesar de insipiente em alguns momentos, a obra resulta satisfatória e deve muito a sensualidade e empatia do casal central, que conquista o espectador de imediato. Bem mais interessante que muitas produções eróticas ralas e descerebradas que são distribuídas por aí. Filme inédito no Brasil.

O MEDO DEVORA A ALMA

2006-07-06T07:59:00.000-07:00

O MEDO DEVORA A ALMA
Angst essen Seele auf. Alem., 1974. De: Rainer Werner Fassbinder. Com: Brigitte Mira, El Hedi bem Salem, Bárbara Valentin, Irm Herrman, Anita Bucher, Pater Gauhe. OP-14/DR. 93 min.
Para uma parcela significativa da crítica especializada, O Medo Devora a Alma é uma das obras primas do controverso diretor alemão Rainer Werner Fassbinder. Concebido durante o intervalo de duas grandes produções (Martha e Effi Breast), o filme foi realizado com poucos recursos e escrito com a intenção clara de tocar na ferida do racismo velado que permeava a sociedade alemã do pós-guerra, ainda marcada pela sombra do nazismo e submersa na divisão ideológica personificada pelo Muro de Berlim.
A trama tem início quando a viúva Emmi Kurowski, uma mulher velha e combalida como a própria Alemanha, para proteger-se da chuva, procura abrigo num bar freqüentado por imigrantes. Sorrateiramente, pede um refrigerante e passa a observar os clientes do lugar até ser surpreendida por um homem alto, forte e de feições rudes que a convida para dançar, incentivado pela voluptuosa dona do bar, que o desafiou a tomar tal atitude. Ele tem origem marroquina e chama-se El Hedi bem Salem (o mesmo nome do ator), mas é conhecido como Ali, um nome genérico usado para identificar os imigrantes de nome extenso e de difícil pronúncia, divide um apartamento com mais cinco amigos e trabalha numa pequena oficina. Encanta-se com a velha e solitária senhora, de quem se aproximou movido pelo acaso e resolve, por educação, acompanha-la até em casa.
Emmi mora sozinha num pequeno apartamento e devido a forte chuva que insiste em não parar de cair, convida Ali para subir e tomar um café. Ciente da grande distância que o homem terá que percorrer para voltar ao bar e da falta de conforto das suas atuais instalações, resolve convidá-lo a passar a noite, proposta que é prontamente aceita pelo marroquino. Arranja-lhe o pijama do falecido marido e acomoda-o no quarto de hóspedes. Ali não consegue dormir e procura abrigo nos braços de Emmi, como se fosse um garoto assustado em busca do colo materno que há muito foi perdido pelo transcorrer da vida. Os dois passam a noite juntos para surpresa da própria Emmi, que acorda atônita e ao mesmo tempo feliz com as emoções vividas. Tomam café juntos e despendem-se sem firmar compromissos ou estabelecer um novo encontro.
A velha viúva retorna as atividades cotidianas e cumpre o turno diário como faxineira, trabalho que a mesma sempre omite em virtude do preconceito acerca da atividade, considerada um subemprego. Ao final do dia, retorna ao bar na esperança de rever Ali, mas não o encontra. Desolada, retorna para casa e é surpreendida pela figura peculiar do imigrante, que a espera em silêncio, na porta do edifício. Novamente ficam juntos e no dia seguinte Emmi é abordada pelo filho do síndico que, tirando conclusões equivocadas quanto a presença de Ali, a informa que ela não pode sublocar o apartamento ao imigrante. De súbito, ela informa que irá casar-se com o rapaz para evitar maiores problemas. A idéia nascida da impulsividade, deixa o rapaz feliz e incentiva Emmi a transformar o improvável em realidade.
Os dois casam-se sem fazer alarde e iniciam um relacionamento repleto de bons momentos, mas incessantemente atacado pelos olhares de reprovação da sociedade e das pessoas que os cercam. Primeiro são os três filhos de Emmi, que não convivem com mãe há muito tempo e condenam a união; depois as vizinhas fofoqueiras e maledicentes; as colegas de trabalho que passam a desprezá-la e até o dono da mercearia do bairro, que se recusa a vender mercadorias a um estrangeiro de pele escura. Angustiada, Emmi decide viajar com Ali, para acalmar os ânimos de seus opositores e evitar maiores conflitos.
Ao retornar, o casal encontra várias mudanças e esta outra faceta do preconceito racial é habilmente abordada pelo roteiro. Da mesma forma que, logo de início, foram capazes de oprimir e repelir o casal, os detratores de outrora colocam a máscara da dissimulação e empurram para debaixo do tapete todo e qualquer resquício de intolerância quando o os seus interesses pessoais estão em jogo. Assim, um dos filhos volta a falar com a mãe pela simples necessidade de precisar desta para cuidar de seu filho, enquanto viaja a trabalho; as vizinhas passam a necessitar da força de Ali para realizar mudanças e pequenos reparos domésticos; e o dono da mercearia, fecha os olhos para as diferenças e tenta agradar a antiga freguesa para não ter prejuízo na sua receita mensal. A própria Emmi passa a interagir e a corroborar com esta sociedade de faz de conta, movida pelas aparências, onde os interesses individuais são mais importantes que os direitos coletivos. Isto fica bastante claro na cena em que ela deixa que as amigas de trabalho toquem os músculos de Ali, como se este fosse uma atração de circo, um ser “inferior” subjugado e colocado à disposição de pessoas supostamente “superiores”.
As novas imposições sociais deterioram o relacionamento do casal, e Ali vai buscar consolo no corpo farto da dona do bar, uma loira corpulenta e impassível que já havia sido amante do imigrante. Acuado e carente, ele desiste de voltar para casa, deixando a esposa sem notícias do seu paradeiro. Esta, por sua vez, entra em desespero com a ausência do marido e vai buscá-lo no único lugar onde ele poderia ter ido afogar as mágoas: o bar onde os dois se conheceram. De forma simbólica, Emmi adentra o local e, como se fosse a primeira vez, pede para tocar a música que os dois haviam dançado. Ao escutá-la, Ali, quase que mecanicamente, levanta-se e convida a velha senhora para dançar. É o recomeço de um romance interracial destruído pelas mazelas e interferências sociais . Mas nada será como antes, e desta vez o forte Ali caí, contorcendo-se de dor, vencido pelo estresse de um mundo opressora, movido por convenções ortodoxas, sentimentos postiços e pessoas duvidosos. De forma melancólica, o filme termina com o casal dentro de um hospital, com Emmi fazendo juras de amor eterno ao combalido Ali, vitimado por uma úlcera e deitado, inconsciente, numa cama como se fosse um sobrevivente de guerra. Não uma guerra real, mas um conflito invisível, nascido no berço da própria sociedade e tendo como combustível a intolerância e o ódio racial.
Simples e objetivo, muitos dizem que a história é baseada no romance real vivido pelo próprio Fassbinder com o ator El Hedi, um imigrante do sul da África que nunca se adaptou ao tratamento dado aos imigrantes dentro da Alemanha. Ele viveu com o diretor durante os anos setenta e participou de seus filmes como assistente ou atuando em pequenos papéis. A sua própria vida daria um filme e terminou de forma trágica. Desequilibrado e entregue ao alcoolismo, ele surtou numa farra noturna e apunhalou três pessoas. Condenado, enforcou-se na prisão no ano de 1982 . Desta vez, a vida foi mais cruel que a ficção.
O filme ganhou dois prêmios no Festival e Cannes e a atriz veterana Brigitte Mira, vinda de papéis coadjuvantes inexpressivos, foi eleita a melhor atriz alemã do ano de 74 pelo German Film Awards. A obra foi escrita, produzida e musicada pelo próprio Fassbinder, que também atua no pequeno papel de cunhado da velha senhora Emmi.

MOSTRA DE FILMES IRANIANOS

2006-07-01T07:27:00.000-07:00

Entre os dias 4 e 8 de julho (terça a sábado), São Paulo poderá conferir a produção da nova geração de cineastas iranianos promovida pela Galeria Olido. A mostra "Entre sonho e realidade - o novo cinema iraniano", que reúne 13 filmes inéditos no Brasil, entre curtas e longas-metragens, revela um cinema criado no tênue limite entre documentário e ficção, fortemente marcado pela aproximação com a realidade. A mostra é uma co-realização do DEFC - Documentary and Experimental Film Center (Irã) e tem curadoria do cineasta iraniano Massoud Bakhshi.Desde o fim da década de 80, o cinema iraniano vem conquistando espaço nas salas de cinema do país e tornou-se, ao longo deste tempo, razoavelmente conhecido pelo público brasileiro, com sua cinematografia que consegue extrair grandes filmes de argumentos quase sempre bastante simples. Foi a partir dos anos 60, que o documentário e o curta-metragem se consolidaram como gêneros no Irã. Uma nova geração de cineastas independentes como Manuchehr Tayyab , Ali Hatami, Mohammadreza Aslani ,Sohrab Shahid Sales , Amir Nader e Abbas Kiarostami começavam a fazer um "cinema diferente", inspirado essencialmente pela realidade da sociedade iraniana.Após a Revolução Islâmica em 1979, o cinema independente, incluindo também os curtas-metragens e documentários, passa a ser financiado pelo novo governo. O principal motivo do forte incentivo ao cinema nacional é a política oficial de combate ao lançamento de filmes hollywoodianos no país. Neste contexto, a Iranian Young Cinema Society (IYCS, estabelecida em 1983) e o Documentary and Experimental Film Center (DEFC, estabelecido em 1986) recebem a incumbência de descobrir e formar os jovens cineastas.Sustentado pelo Ministério da Cultura e das Artes, com 50 filiais em diferentes cidades do Irã, o IYCS centrou sua atividade na formação de jovens cineastas e na produção de seus filmes de curta-metragem, ao passo que o DEFC produzia, distribuía e promovia documentários e filmes experimentais destes mesmos cineastas, quando atingiam um nível mais profissional.De 1997, a safra de curtas-metragens de ficção e documentários, filmes de animação e experimentais não pára de crescer: são mais de 1000 produções durante este período. Esta situação também produziu cerca de 50.000 formandos em cinema no Irã, que vem obtendo grande sucesso em festivais internacionais de cinema e prêmios para filmes iranianos.

FILMES DA MOSTRA:
"O Outro Lado da Trincheira"(Sangar-e-Roberoo, 2004, 14min)Direção: Bayram FazliDurante a Guerra, numa trincheira, mulher procura seu irmão soldado que desapareceu.

"Linha Desocupada"(Khate Azad, 2005, 14min)Direção: Naghi NematiDois soldados conectam um aparelho telefônico a um poste para conversar com duas mulheres.

"Imam Internet"(Emamzadeh Internet, 2004, 30min)direção: Reza HaeryUm internet café no Sul de Teerã é o ponto de partida para este documentário sobre o uso da tecnologia na sociedade iraniana. Aspirantes a mulás estão conectados à internet e os demais usuários utilizam a rede para os mais diversos propósitos: chats, conversas sobre sexo, aconselhamento espiritual online. Intelectuais e membros do parlamento religioso também dão seus pontos de vista sobre o assunto.

"O Buraco"(Hofre, 2005, 6min)Direção: Vahid NasirianAo caminhar pelo deserto, um homem vê mãos que saem de dentro da areia oferecendo-lhe estranhas criaturas.

"Flores de Pedra"(Shekofehaye Sangi, 2005, 80min)direção: Azizollah HamidnezhadNuma pequena cidade fronteiriça, professor descobre que um de seus alunos trabalha a contragosto numa avícola, para completar a renda familiar. Ele, então, vende seus quadros na intenção de solucionar os problemas financeiros do aluno.

"Lendo a Sorte"(Fal-e-Ghahveh, 2005, 4min)direção: Sarah SaeidanDuas mulheres lêem a sorte na borra do chá enquanto o filho de uma delas imagina figuras assustadoras.

"As Borboletas Estão Logo Atrás"(Parvaneha Badraghe Mikonand, 2004, 80min)direção: Mohammad Ebrahim MoaieryNeda é uma menina que vive na parte Norte do Irã. Depois da morte de sua mãe, seu pai a leva para viver com sua nova mulher e filhos. Ao vê-la deprimida, seu irmão dedica-se a fazê-la feliz.

"Ele"(Ou, 2004, 91min)direção: Rahbar GhanbariUm clérigo que vive perto das montanhas Sabalan, no Nordeste do Irã, divide seu tempo entre os problemas familiares e as demandas dos habitantes de sua cidade, até que é convidado a tornar-se líder de uma mesquita.

"Círculo"(Dayereh, 1999, 14min)direção: Mohammad ShirvaniAno a ano a vida tediosa de um velho solitário passa.

"Milkan"(documentário, 2004, 30min)direção: Mino KianiNa primavera, as tribos de Gooran, Gholkhani e Banzardeh permanecem em Dalahou, no lado Norte das montanhas zagros. O filme retrata aspectos da vida tribal nessa estação, quando as mulheres são responsáveis por obter lenha e água, preparar comida e construir abrigos. Em Dalahou, mulher significa vida.

"Aan"(2005, 15min)direção: Poopak MozafariO encarregado de cuidar de uma estação de trem abandonada no deserto pinta seus pensamentos e desejos. Numa noite, chega um passageiro.

"Fair Play"(Sokoute Toulani, 1999, 30min)direção: Ebrahim AsgharzadehOs jogos da Copa do Mundo na França fazem com que Babak perceba suas raízes, após muitos anos vivendo no exterior.

"Identificação de uma Mulher"(Shenasaei-Ye-Yek Zan, documentário, 1999, 20min)direção: Massoud BakhshiUma mulher aposentada, que trabalhava em uma fábrica de lâmpadas, fala sobre sua vida, seu casamento e seu filho que vive nos Estados Unidos.

(EXTRAÍDO DA PROGRAMAÇÃO DA MOSTRA)

O VÔO DA MORTE

2006-06-25T08:49:00.000-07:00

UNITED 93
Idem. EUA/Ingl./Fran., 2006. De: Paul Greengrass. Com: Christian Clemenson, Trish Gates, Polly Adams, Cheyenne Jackson, Opal Alladin, Gary Comok. OP/DR. 91 min.
Primeiro filme comercial a tratar da tragédia que acometeu os Estados Unidos no dia 11 de setembro de 2002 (o segundo está sendo finalizado por Oliver Stone e deverá estrear ainda este ano nos EUA). De forma inteligente, o diretor Greengrass centralizou a história no vôo da aeronave United 93, o único dos quatro aviões seqüestrados que não atingiu o seu objetivo final e caiu num campo do interior da Pensilvânia. Enquanto os dois primeiros chocaram-se contra as torres gêmeas do World Trade Center e o terceiro contra o Pentágono, o vôo em questão estaria a caminho de Washington, tendo como alvo o Capitólio.
Mesclando de forma hábil o suspense gerado pelo clima claustrofóbico do interior da aeronave, com a ação e o empenho das cenas passadas nas torres de controle aéreo, onde militares e civis assistem absortos a destruição de monumentos e a queda “simbólica” do império americano, o filme prende a atenção desde o início, onde acompanhamos os preparativos e a concentração silenciosa daqueles quatro homens prestes a cometer um ato extremo em nome da fé e de ideais questionáveis.
Baseado no relato dos passageiros, que conseguiram entrar em contato com as famílias antes da queda do avião usando os celulares, em dados coletados nos relatórios da comissão de investigação e nas informações da caixa preta do avião, o roteiro é hábil ao gerar expectativas sobre uma história da qual já sabemos o final e ao registrar o suposto empenho de alguns passageiros que tomaram as rédeas da situação e tentaram enfrentar os seus algozes. O filme deixa evidente o nervosismo e o despreparo dos terroristas, e a demora por parte das autoridades norte americanas em tomar uma atitude mais rápida contra o perigo iminente.
United 93 é uma crônica eficaz sobre uma tragédia anunciada, constituída por uma ágil montagem, um elenco desconhecido e competente (escolha acertada do diretor, pois a história por si só já é forte o suficiente e a presença de um astro desviaria a atenção) e a dose exata de drama e suspense. Ponto para o diretor, que iria dirigir o terceiro filme da série dos X-Men, e acertadamente optou por este projeto. A sua câmera nervosa está presente e o timing para a ação continua intacto. Preparem-se, pois o filme é um jogo de nervos a flor da pele.

O JAPÃO POP

2006-06-24T09:56:00.000-07:00

É tão raro a comercialização de filmes nipônicos por estas praias, que o registro deste evento torna-se imprescindível: "Entre os dias 28 de junho a 16 de julho o Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB), em São Paulo, receberá a mostra "JAPÃO POP-O NOVO CINEMA JAPONÊS". O evento apresenta um panorama inédito no Brasil da cultura jovem do Japão atual, a partir do olhar de alguns de seus mais importantes e originais cineastas contemporâneos. Foram escolhidos filmes que "refletem e revelam tanto nos aspectos da produção quanto na temática, o que de mais novo está ocorrendo na arte no Japão deste início de milênio", diz Marcos Mantoan, gestor do CCBB. Além da apresentação dos filmes, serão realizadas palestras (sempre aos sábados), que abordarão o surgimento deste cinema e a visão de seus autores.

FILMES
Blue Spring (foto acima) (Aoi Haru)2000, 35 mm, 14 anosDir. Toshiaki ToyodaSufocados e entediados pela vida de estudante, Kujo e seu amigo de infância Aoki acabam de entrar, juntos com outros colegas, no colegial. Em um perigoso jogo onde eles saltam e batem palmas até se segurarem de volta no parapeito da cobertura do edifício da escola, é decidido quem vai comandar o grupo, e a escola. Kujo alcança um novo recorde de oito palmas. Mas para ele, vencer o jogo e comandar a escola parecem não importar nem um pouco. Incomodado com essa atitude de Kujo, Aoki repentinamente muda de visual e comportamento, entrando em rivalidade com seu antigo amigo.Primeira adaptação para cinema de um livro do popular artista de "mangas" Matsumoto Taiyo, Blue Spring é uma reflexão sobre os problemas e ansiedades de um grupo de estudantes do ensino secundário. Com sua história totalmente centrada na vida dentro do ambiente escolar, que é tratado quase como um universo à parte, o filme mostra a difícil busca da individualidade dentro das relações de poder e de necessidade de auto-afirmação dos jovens estudantes.

Electric Dragon 80.000 V (Electric Dragon 80.000 V)2000, 55 min, Vídeo, 12 anos.Dir. Sogo IshiiQuando criança, ao subir em uma torre de alta tensão, "Dragon eye" Morrison sofreu uma descarga elétrica que o carregou com a força de 80.000 Volts. Agora ele divide seu tempo entre explosões de violência, tocar sua guitarra e procurar lagartos perdidos. Thunderbolt Budd, um perito em eletricidade com o mesmo poder de Morrison, ao descobrir sua existência resolve torná-lo seu rival e atraí-lo para um duelo. Até que os dois finalmente se encontram em uma batalha com a carga de relâmpagos.O filme, além de reassumir uma forma anarco-punk dos anos 80, ressalta o submundo dos becos e telhados de Tókio, em uma linguagem visual que deve muito à arte dos mangás. Com uma trilha sonora punk e barulhenta, seu caráter audacioso é reafirmado pela presença de dois grandes ídolos do cinema japonês (Tadanobu ASANO e Masatoshi NAGASE) nos papéis principais, não escolhidos por acaso, segundo Ishii, que mostra, literalmente, a sua intenção de chocar o público.

Female (Fimeiru) 2005, 118 min, 35 mm, 16 anosDir. Tetsuo Shinohara, Ryuichi Hiroki, Suzuki Matsuo, Miwa Nishikawa, Shinya TsukamotoFEMALE é uma coleção de cinco curtas eróticos, baseados em contos de escritoras de sucesso japonesas e dirigidos por importantes diretores, que revelam a natureza, a força, as fraquezas e os instintos de cinco mulheres de gerações diferentes.

Firefly (Hotaru)2000, 164 min, 35 mm, 16 anosDir. Naomi KawaseAyako é uma dançarina de striptease em depressão após sofrer um aborto e terminar seu relacionamento com um namorado abusivo. Daiji é um solitário artesão que produz cerâmicas para cerimônias religiosas. O encontro dos dois vai levar a um relacionamento no qual ambos tentarão superar os retrocessos de suas existências para entrar em uma nova fase na vida. Em Hotaru, Kawase investiga temas como tradição e memória, tentando aos poucos penetrar no mundo interior de seus personagens.Festivais e prêmios: Melhor Atriz, Festival Internacional de Cinema Independente de Buenos Aires, 2001. Prêmio CICAE, Prémio FIPRESCI, Festival Internacional de Cinema de Locarno, 2000.

Hush! (ídem) 2001, 135min, 35mm, 12 anosDir. Ryosuke HashiguchiNaoya vive uma vida auto-centrada como um homem gay assumido, até que em uma casualidade conhece Katsuhiro e se apaixona. Asako, uma mulher psicologicamente frágil que deseja ter um filho, conhece os dois por acaso em um restaurante e vê, em Katsuhiro, o pai ideal. Ela então propõe que concebam, juntos, uma criança. Naoya opõe-se à idéia, e se irrita com Katsuhiro, que sempre escondeu sua homossexualidade e não consegue se decidir. A já complexa relação entre os três vai ser colocada em xeque com a visita inesperada da família de Katsuhiro.Hashigushi consegue fazer justiça a todas as suas personagens e às muitas linhas narrativas e temas. Vemos os três protagonistas se separarem, antes que suas vidas se cruzem novamente. Naoya trabalha em uma pet shop e freqüenta bares e boates gays, mas tem a sensação de que falta algo em sua vida relaxada e um tanto quanto egoísta. Quando conhece Katsuhiro, ele se apaixona. Katsuhiro esconde sua homossexualidade de sua família e amigos, inclusive de um colega, que está apaixonado por ele. A terceira protagonista é Asako, uma mulher com um histórico de doença mental e desejo por crianças. Quando Katsuhiro a trata de forma paternal em um encontro muito breve em um restaurante, ela decide que ele seria o pai ideal. Seu desejo, é claro, causa problemas no relacionamento entre Naoya e Katsuhiro. O complexo relacionamento triangular atinge um clímax cômico e trágico durante uma visita inesperada da família de Katsuhiro. Ryosuke realizou um melodrama cativante e em muitos momentos cômico sobre relacionamentos (homossexuais), amizade, solidão e família. Uma mulher decide que quer ter um filho com um homem gay. O que o namorado dela vai achar disso? O que é uma família? Como nós reconhecemos uma? São duas das questões colocadas por "Hush!". Em uma sociedade que não encontra mais segurança nas antigas tradições, três pessoas solitárias tentam criar uma definição de família, na qual possam acreditar.

It's Only Talk (Yawarakai Seikatsu)2005, 126 min, 16 anosDir: Ryuichi HirokiYuko, uma mulher solteira e desempregada que passa por um período de depressão, divide seu tempo entre alguns amigos homens, cada um com seu estilo próprio. Para conviver com cada um deles, ela adapta sua própria personalidade, atuando de diferentes formas dependendo de quem está por perto, o que acaba escondendo de todos como ela realmente é.Tendo o vídeo digital com meio para apresentar a personagem Yuko, o filme revela problemas reais e contemporâneos. As emoções da mulher japonesa de trinta e poucos anos, que considera o fato de uma mulher seguir carreira profissional tão apelativo quanto ser uma dona de casa à parte do mundo, fazendo com que ela encare a total falta de alternativas e o medo do relacionamento e da intimidade. Um filme leve sobre uma mulher independente que tem um problema não tão leve assim. Yuko tem quatro amantes.

No One's Ark (Baka no Hakobune)2002, 111min, 35mm, 12 anosDir. Nobuhiro YamashitaO jovem Daisuke e sua namorada, Hisako, deixam Tóquio e vão para a pequena cidade natal de Daisuke, tentar convencer a população local a consumir uma bebida saudável que, por causa de seu horrível sabor, eles não conseguem vender em Tóquio. Mas nem sua própria família e seus colegas de infância se empolgam com a empreitada dos dois. Ambientado no início da década de 90, o filme mostra, com toques de humor, a dificuldade das novas gerações em achar um lugar na economia de seu país."Se Jarmusch reencarnasse como um japonês de vinte-e-poucos anos, ele filmaria No One's Ark", escreveu um crítico. Observações aguçadas e boas piadas mostrando uma crise como pano de fundo.

Otakus in Love (Koi no Mon)2004, 116 min, 35mm, 12 anos Dir. Matsuo SuzukiMon, um pobre artesão que desenha mangás em pedras, ao recolher uma pedra no chão tem sua mão pisada pelo salto do sapato de Koi, uma garota viciada em cosplay e popular criadora de mangas para meninas. Koi, na mesma hora, se sente atraída pelo rapaz, que continua interessado na pedra. Passeando pelo universo extremamente popular do mangá no Japão, o filme narra a relação tortuosa dos dois, onde opostos se atraem, mas também se repelem.Por ser baseado em um "manga" de Hanyunyuu Jun, o filme apresenta uma série de piadas internas dos adeptos leitores de "mangas" populares.

Ping Pong (Ping Pong)2002, 114 min, 35 mm, 12 anosDir. Fumihiro Masuri (Sori)Amigos de longa-data, Peco e Smile chegaram a uma encruzilhada. Smile é o melhor jogador, mas perde constantemente para Peco, devido a um deturpado senso de amizade. Com a possibilidade dos dois se encontrarem na final de uma importante competição, a rígida técnica Obaba pressiona Peco: é hora de impor-se ou desistir. Para Smile, impor-se é duro, para Peco, desistir é quase impossível.

Tokyo Noir (Tokyo Noir)2004, 127 min, 35 mm, 18 anosDir: Masato Ishioka, Naoto KumazawaUma coletânea com três histórias curtas sobre a vida de três mulheres vivendo em Tóquio e suas diferentes atitudes em relação ao sexo. Um filme onde o erotismo é utilizado como uma ferramenta para delinear os traços psicológicos das personagens e contextualizar o momento em que vivem.

Vibrator (Vibrator)2003, 95 min, 35 mm, 16 anosDir: Ryuichi HirokiRei Hayakawa, uma escritora independente, tem o dom de ouvir vozes dentro de sua cabeça. Mas as vozes lhe causam dor: elas a preocupam, dificultam seu sono, a levam a beber e causam desordens alimentares. Uma noite, em uma loja de conveniência, com as vozes mais altas que nunca em sua cabeça, ela conhece um motorista de caminhão. Ela decide embarcar com ele em uma viagem e, enquanto seu corpo se rende às vibrações do caminhão, vai aos poucos se libertando das vozes em sua cabeça.Com este filme, Ryuichi(mesmo diretor de It's Only Talk e co-diretor de Female),explora esta 'geração perdida', tema que abordará também em "It's Only Talk", simbolizada por vidas conturbadas e futuro incerto. Questionado sobre o sucesso do filme em vários festivais internacionais, inclusive por ter sido eleito o melhor filme de 2003 pela crítica, Ryiuchi credita o fato ao filme tratar de questões basicamente femininas e à maneira como elas são descritas, aliado à curiosidade masculina em entender o universo feminino." (extraído da programação oficial do evento)

O OLHO

2006-06-23T07:17:00.000-07:00

Este é um dos mais originais cartazes de todos os tempos. O Festival Internacional de Cine Erótico de Barcelona irá realizar esse ano a sua décima quarta edição, mas ainda não conseguiu superar a criatividade desta peça que conseguiu unir com maestria as idéias de visão cinematográfica e erotismo, que é o tema predominante dos filmes apresentados no evento. Uma idéia explícita, expressa de forma implícita e que não choca nenhuma platéia, pois as crianças enxergarão como um olho, enquanto que os adultos vislumbrarão o real sentido da imagem. Genial!

TRÊS PERSONAGENS EM CONFLITO

2006-06-21T16:58:00.000-07:00

ANTARES.Austria, 2004. De: Götz Spielmann. Com: Petra Morzé, Andréas Patton, Harry Priz, susanne Wuest, Dennis Cubic, Andréas Kiendl, Martina Zinner. A/DR. Visto em 19/06. 105 min
Inédito no Brasil, ANTARES é mais um forte, vigoroso e ousado representante do novo cinema vindo da Áustria. Mostrando invejável domínio de cena, o diretor Spielmann costura habilmente três histórias independentes, cujos personagens somente têm em comum o endereço: residem num amplo e populoso condomínio formado por edifícios e situado no subúrbio. Durante toda a trama eles se esbarram por alguns instantes, interferindo superficialmente ou participando como coadjuvantes dos outros segmentos graças ao bem elaborado roteiro, que relata de forma crua e direta momentos de intenso conflito vivido por três personagens. A primeira é uma enfermeira, casada e mãe de uma adolescente, que entrega-se sem limites aos jogos sexuais propostos por um homem de quem nem sabe o nome. A temperatura sobe e assim como outras produções austríacas recentes (Dog Days e outros), o sexo é praticamente explícito. No segundo segmento, temos uma jovem caixa de supermercado ávida para realizar o sonho de ser mãe e insegura quanto a fidelidade do namorado. O último protagonista é um corretor de imóveis instável e violento que faz de tudo para readquirir o amor da esposa e o respeito do filho pequeno. Apesar de independentes, as histórias complementam-se por expor as reações inusitadas de pessoas comuns diante de situações limites. Contando com um excelente e corajoso elenco, o filme prende a atenção desde o começo e chama a atenção para liberalidade e tolerância do povo austríaco. No primeiro segmento, por exemplo, a filha adolescente da enfermeira é lésbica e o fato é tratado com extrema naturalidade pelos pais, fato raro para os nossos ultrapassados padrões latinos.

OS VIVOS E OS MORTOS

2006-06-17T11:42:00.000-07:00

LAD DE SMA BORN
Idem. Dinamarca, 2004. De: Paprika Steen. Com: Sofie Gråbøl, Mikael Birkkjær, Laura Christensen, Lars Brygmann, Karen-Lise Mynster, Søren Pilmark, Lena Endre. A/DR. 104 min.
Será que os seres humanos são capazes de superar as perdas impostas pela vida? É a pergunta que o filme procura a todo instante responder. Seja através do casal principal, que perde a filha única num trágico atropelamento e não consegue reconstruir a vida; no casal formado por Nisse e Vivi, que ao optar por uma vida sexual mais intensa, deixou o tempo passar e perdeu a chance de ter filhos; na figura da jovem mãe solteira que perdeu a oportunidade de dar um lar digno ao seu bebê e vive sob a tutela da assistência social; e na figura patética e sofrida da corretora de imóveis que separou-se do marido, tornou-se alcoólatra e provocou a morte acidental de uma criança. São perdas e danos irreversíveis que pairam sobre as cabeças de cidadão comuns, perdidos no meio de sentimentos adversos, dúvidas recorrentes e sofrimento intenso.
Essa colcha de retalhos tecida por pequenas e intensas tragédias humanas compõem a poderosa estréia por trás das câmeras da atriz dinamarquesa Paprika Steen, musa do movimento Dogma 95, onde estrelou “Festa de Família” e fez uma pequena participação em “Os Idiotas” de Lars Von Trier. Loira e boa atriz, ela demonstra segurança e competência num filme denso, sem concessões e apoiado por um elenco primoroso. Vale destacar a contida interpretação do ator Mikael Birkkjaer (que havia visto antes no filme Oh Happy Days, no apagado papel de marido da protagonista), que centraliza no olhar marejado toda a dor e a fúria sentidas pela perda da filha única; e a atriz Karen-Lise Mynster, que foi protagonista no filme de estréia de Liv Ullman (Sofie), e aqui rouba a cena como a mulher responsável pelo atropelamento fatal da filha única do casal central (essa cena não é mostrada, pois o filme começa cinco meses após esse incidente), uma alcoólatra inconveniente que vive marcando encontros infrutíferos com estranhos, para aplacar a solidão e manter a sanidade mental. Ela trabalha como corretora de imóveis e todas as manhãs, antes de sair para a labuta diária, ensaia um sorriso mecânico diante do espelho e decora frases de efeito para vestir o personagem da profissional simpática e equilibrada que há muito deixou de ser.
Duas cenas merecem destaque: a bestial vingança perpetrada pelo pai contra a corretora e o belo final onde o casal tenta trocar de carro, por considerá-lo grande demais para apenas duas pessoas, e a esposa chora e fala pela primeira vez sobre a perda da filha, diante de um atônito vendedor de carros. Este, aliás, é responsável pela frase que irá nortear a vida do casal: - Carros grandes são bons para realizar viagens longas. O casal se entreolha, desiste da compra, entra no carro decidido a recomeçar e a câmera os acompanha distanciando-se pelas ruas da cidade. Os letreiros sobem e ao fundo ouvimos a música “Loosing my Religion” (do REM) na voz sensual de Nina Parssons, vocalista da banda nórdica The Cardingans. Belo e tocante.

AME-O OU DEIXE-O

2006-06-15T16:51:00.000-07:00

SALVE-SE QUEM PUDER – A VIDA
Sauve qui peut – La vie. França,1980. De: Jean-Luc Godard. Com: Isabelle Huppert, Jacques Dutronc, Nathalie Baye. A/DR. 87 min.

Não procurem compreender a obra de Jean-Luc Godard, no máximo tentem apreciá-la. Herméticos, inovadores e contestadores são alguns dos adjetivos que acompanham os filmes deste iconoclasta surgido na década de cinqüenta em pleno berço intelectual francês e que, de lá para cá, tem deixado marcas indeléveis na arte cinematográfica. O seu compromisso desde o início foi “desconstruir” a forma tradicional de fazer cinema, desenvolvendo narrativas sem compromisso com a linearidade, repletas de frases desconexas, cenas inusitadas e críticas explícitas a própria arte de filmar.
Após a fase áurea do seu cinema, que compreendeu toda a década de 60, Godard dedicou-se a um período de experimentações audiovisuais nos anos 70, onde desenvolveu projetos inovadores em vídeo, realizados em parceria com Anne-Marie Miéville. Com a chegada dos anos oitenta, o contestador mais uma vez surpreende e retorna ao cinema ficcional com esta obra interessante e que nada deixa a dever aos seus primeiros trabalhos. De cara, concorreu a Palma de Ouro em Cannes e deu a Nathalie Baye o César de melhor atriz coadjuvante.
O filme acompanha três personagens: a mulher urbana (Baye, jovem e carismática) que viaja para o campo para filmar e montar um documentário; o namorado desta (Dutronc, cantor e ator limitado), que entra em crise com a ausência da amada e funciona como uma espécie de alter ego do diretor dentro da trama, usando o nome de Paul Godard e dando aulas sobre cinema; e a jovem prostituta que trabalha na cidade, mas sonha em comprar uma ampla casa no campo. Durante mais de meia hora acompanhamos as idas e vindas do casal principal que, após esse período, literalmente some da trama dando lugar as desventuras profissionais da prostituta interpretada com frieza e distanciamento por Isabelle Huppert. Neste momento o filme cresce e ganha ritmo, transformando o espectador numa espécie de voyeur desavisado, que observa com surpresa as taras e manias da garota e de seus clientes. Por sinal, Huppert protagoniza duas cenas desconcertantes, recheadas do humor sardônico e cruel de Godard: na primeira, ela dá dicas e verifica a experiência da irmã mais nova, que também decide tornar-se prostituta; na segunda, participa de uma orgia patrocinada por um velho homem de negócios, em companhia de mais duas pessoas, na qual é coagida a emitir sons enquanto pratica sexo grupal e passa baton na boca do velho (!). São sequências ridículas e complexas ao mesmo tempo, capazes de desnudar de forma inequívoca as fraquezas da natureza humana.
Ao final, os três personagens se encontram e o destino impõe as suas regras. A conclusão é satisfatória e termina colocando em cena outros personagens que estavam soltos na trama, caso da irmã da prostituta e da filha do personagem masculino principal. Durante a narrativa, saltam aos olhos as tentativas cênicas do diretor para subverter as regras e expor a fragilidade da linguagem cinematográfica, como no momento em que uma figurante dirige-se a câmera e pergunta sobre a música incidental do filme, que ela não deveria escutar; ou quando a câmera persegue, inadvertidamente, um casal qualquer, colocando em segundo plano o casal principal. São momentos sutis que confundem e irritam os espectadores leigos e fascinam os admiradores deste gênio do inconformismo, que desde o início surgiu para confundir, jamais para explicar.

O FUTEBOL E O CINEMA

2006-04-12T07:11:00.000-07:00

Em ano de Copa do Mundo e sendo o Brasil o maior celeiro mundial de craques, essa reportagem do jornalista Lello Lopes sobre o fracasso comercial dos filmes sobre o esporte mais amado do país é de extrema relevância.

07/04/2006 - 08h10
Nem Copa do Mundo faz cinema brasileiro "enxergar" o futebol
Lello Lopes em São Paulo

O futebol enche a telinha da TV, mas a telona do cinema praticamente ignora o esporte. Além dos jogos ao vivo, é impossível hoje passar pelo intervalo sem ver um comercial ou uma promoção relacionada à Copa do Mundo. Já para assistir a um filme sobre futebol, o torcedor precisou de paciência em 2006. Apenas agora, a dois meses para o início da Copa, um filme sobre o esporte vai entrar em cartaz no circuito comercial brasileiro. A estréia de "Boleiros 2 - Vencedores e Vencidos" nesta sexta-feira em São Paulo e no Rio de Janeiro (na semana que vem em Curitiba e Porto Alegre) é apenas um paliativo para um fenômeno que acontece desde o início da cinematografia nacional: a pouca atenção dada ao tema."Existe uma resposta genérica e outra estrutural para isso. A genérica é que nunca houve uma indústria de cinema que merecesse esse nome no Brasil. Se você pensar em Carnaval, vai chegar em três ou quatro bons filmes. Assim, quase todo tema tem tratamento capenga. A resposta estrutural é que é muito difícil capturar a essência do futebol. Você consegue reproduzir melhor uma partida de basquete ou futebol americano. No futebol, fica muito falso", analisa o jornalista Sérgio Rizzo, crítico de cinema da Folha de S.Paulo. "As tentativas todas ficam na superfície. Dá uma sensaçãozinha postiça", completa.Rizzo usa como exemplo "O Casamento de Romeu e Julieta", filme de Bruno Barreto lançado no ano passado. Mesmo utilizando jogadores de verdade na cena em que Corinthians e Palmeiras se enfrentam no estádio do Pacaembu, as jogadas parecem muito coreografadas. "É muito falso", afirma.O filme de Barreto, mesmo diretor de "O Que é Isso, Companheiro?", foi o que teve melhor público entre os longas-metragens brasileiros sobre o futebol lançado depois da chamada "retomada" do cinema nacional, a partir de 1994. Aproximadamente 970 mil pessoas foram ao cinema assistir à história de amor entre um corintiano e uma palmeirense.O público do filme foi 51 vezes maior do que aquele que compareceu ao estádio do Morumbi para ver o polêmico empatepolêmico de 1 a 1 entre Palmeiras e Corinthians há duas semanas, pelo Campeonato Paulista. Já outros filmes da retomada tiveram público bem abaixo do esperado. "Boleiros - Era Uma Vez o Futebol...", de 1998, levou aos cinemas 60 mil pessoas. "Garrincha - Estrela Solitária", de 2003, teve um desempenho ainda mais decepcionante: 7.877 pessoas, público digno de um Madureira x Americano (aliás, os dois times levaram na semana passada ao Maracanã na decisção da Taça Rioa apenas 7.433 torcedores).
Desempenho decepcionante também teve o documentário "Pelé Eterno", de 2004, que conseguiu cerca de 260 mil espectadores, bem abaixo do 1 milhão esperado pelos produtores. Entretanto, o filme é um sucesso de vendas em DVD. Como base de comparação, o filme brasileiro mais visto no ano passado foi "2 Filhos de Francisco", com 5,3 milhões de espectadores. O recorde do país ainda pertence a "Dona Flor e Seus Dois Maridos", também de Bruno Barreto, que em 1976 levou aos cinemas mais de 10 milhões de espectadores.Ugo Giorgetti, diretor dos dois "Boleiros", acredita que existe uma pressão maior ao se fazer um filme de futebol. "Não dá para ignorar o fato de você ter 180 milhões de técnicos. Você precisa ser muito cuidadoso. E filmar cena de jogo é muito complicado, por isso tem pouca cena", explica.O veteraníssimo ator Lima Duarte, que está na única cena de jogo de "Boleiros 2", tem outra explicação para a escassez de filmes sobre o esporte. "Acho que o brasileiro ama tanto o futebol que ele identifica qualquer coisa. Assim, cada um identifica o futebol como quer."Para o historiador Sidney Ferreira Leite, autor do livro "Cinema Brasileiro - Das Origens à Retomada", o fato do cinema atrair pouco o público do futebol é que até hoje os filmes sobre o assunto não conseguiram mexer com o coração do amante do esporte."O público do futebol é diferente do público do cinema. E é difícil conseguir levar público de uma mídia muito popular (o futebol) para o cinema. "2 Filhos de Francisco" conseguiu fazer isso com o público de música sertaneja, mas o futebol ainda não conseguiu. Talvez o Mazzaropi (que realizou "O Corintiano", em 1967) tenha conseguido, mas a faixa de público dele coincidia com a do futebol", explica Leite.O filme de Mazzaropi é até hoje lembrado como um dos melhores sobre o futebol no Brasil. O primeiro sobre o tema é "Campeão de Futebol", dirigido por Genésio Arruda em 1931, que tem no elenco craques da época como Feitiço e Arthur Friendreich. Desde então, a participação de boleiros em filmes sobre o futebol se tornou uma constante, que vão desde Leônidas da Silva em "Alma e Corpo de uma Raça", de 1938, a Sócrates, em "Boleiros - 2".
Sócrates, aliás, brinca com a sua atuação. "Eu não interpreto a mim mesmo. Isso é um factóide. Eu interpreto um ex-jogador. É que fazer um ex-boleiro é pleonástico."O jogador brasileiro que conseguiu maior sucesso no cinema, interpretando a si mesmo ou fazendo um outro papel, é o mesmo que teve o melhor desempenho no campo: Pelé. A primeira participação do Rei no cinema foi em "O Preço da Vitória", de 1959. Em 72, fez Chico Bondade, no filme "A Marcha". Sete anos depois, no papel dele mesmo, atuou no filme "Os Trombadinhas".Outra participação bastante lembrada de Pelé aconteceu em 1986, quando ele foi goleiro em "Os Trapalhões e o Rei do Futebol". Mas o seu filme mais famoso aconteceu mesmo no exterior. Em 1981 ele foi uma das estrelas de "Fuga para a Vitória", dirigido por John Houston, que tinha o brucutu Sylvester Stallone como goleiro, o inglês Michael Caine como técnico e a participação de alguns outros jogadores, como Bobby Moore.

PEQUENA PRODUÇÃO ESTRANGEIRAA pouca atenção do cinema ao futebol não é um fator exclusivo do Brasil. Até hoje, nenhum filme sobre o esporte conseguiu ser um sucesso de crítica e público. A produção mais audaciosa é "Gol!", que conta até com um aval oficial da Fifa. O filme, lançado no ano passado, é o início de uma trilogia que mostra a ascenção de Santiago, norte-americano que deixa um bairro pobre de Los Angeles para tentar a sorte na Inglaterra.Vários jogadores participam do filme, entre eles David Beckham, Raúl, Zidane, Alan Shearer, Gerrard e Kluivert. Entretanto, o ar de superprodução não impediu o filme de ser um fracasso nas bilheterias. De qualquer forma, os outros dois filmes da série estão programados para estrear em 2006 e 2007.Outro filme de futebol lançado no ano passado foi o alemão "O Milagre de Berna", que usa como pano de fundo a vitória da Alemanha sobre a Hungria na decisão da Copa do Mundo de 1954, na Suíça. O filme, entretanto, não ficou muito tempo em cartaz no Brasil. Pior aconteceu com "Hooligans" (foto), que tem no elenco o eterno hobbit Elijah Wood. A história do norte-americano que se muda para a Inglaterra e acaba envolvido com hooligans locais passou longe dos cinemas brasileiros. Apenas cópias em DVD foram disponibilizadas para o país.

OUTROS FILMES SOBRE FUTEBOL
Futebol em Família (1939)O Gol da Vitória (1945)O Homem Que Roubou a Copa do Mundo (1961)Garrincha, Alegria do Povo (1962)Passe Livre (1974)Asa Branca, Um Sonho Brasileiro (1980)Onda Nova (1983)Pra Frente Brasil (1984)Uma Aventura de Zico (1998)A Taça do Mundo é Nossa (2003)

MORRE VILGOT SJÖMAN, DIRETOR DO CONTROVERSO " I AM CURIOUS, YELLOW"

2006-04-11T09:52:00.000-07:00

Copenhague, 10 abr (EFE).
- O escritor e diretor de cinema suecoVilgot Sjoman, discípulo de Ingmar Bergman, morreu aos 81 anos como conseqüência de um derrame cerebral, informou hoje o Comitê Sueco deProfissionais Artísticos e Literários em comunicado.O cineasta, que morreu neste domingo no hospital Sankt Goeran deEstocolmo, trabalhou no começo de carreira como ajudante de Bergman,que disse há anos que tinha ensinado Sjoman a escrever roteiros.Sjoman rodou 15 filmes durante sua carreira, em que combinou ficção e documentário para questionar a sociedade sueca.Após sua estréia com "Aelskarinnan" (A amante sueca, 1962), Sjoman adquiriu fama na Suécia com a adaptação cinematográfica do romance"491" (1964), de Lars Goerling, proibida por suas cenas explícitasde de sexo e violência.O sucesso internacional veio três anos depois com "Jag aernyfiken-gul" (Sou curiosa, amarelo) e sua continuação "Jag aernyfiken-blaa" (Sou curiosa, azul), que chamou a atenção por suas provocadoras cenas de sexo. O cineasta foi processado nos Estados Unidos por causa desse filme, acusado de obscenidade e pornografia.Ganhador do prêmio Ingmar Bergman em 2003, Sjoman lançou sua última obra, "Alfred", sobre o inventor Alfred Nobel, em 1995. Nos últimos anos, Vilgot Sjoman esteve envolvido junto ao diretor Claes Eriksson em um processo contra o canal "TV4" por violar seus direitos autorais ao intercalar anúncios na emissão de seus filmes na televisão. Os diretores ganharam o caso em primeira instância em dezembro de 2004, mas o canal recorreu da sentença à Audiência Nacional, que divulgará na quarta-feira sua decisão judicial.

"CASABLANCA" É ELEITO O FILME COM MELHOR ROTEIRO DE TODOS OS TEMPOS

2006-04-10T05:57:00.000-07:00

da BBC Brasil
O clássico Casablanca foi eleito o filme com o melhor roteiro da história do cinema, em uma votação realizada pelo Writers Guild of America, que reúne roteiristas de Hollywood.Na eleição, os membros da associação escolheram os 101 melhores roteiros de uma lista de mais de 1,4 mil.A produção estrelada por Humphrey Bogart e Ingrid Bergman, de 1942, foi adaptada por Julius e Philip Epstein, além de Howard Koch, da peça Everybody Comes to Rick's, de Murray Burnett e Joan Alison.O Poderoso Chefão, de Mario Puzo e Francis Ford Coppola, ficou em segundo lugar na pesquisa. A seqüência O Poderoso Chefão 2 também está entre os dez mais votados.O terceiro do ranking foi Chinatown, escrito por Robert Towne e dirigido por Roman Polanksi.Outro clássico dos anos 40, Cidadão Kane, de Herman Mankiewicz e Orson Welles, ficou em quarto lugar.A lista dos Top 5 é completada por A Malvada, de Joseph Makiewicz.Os roteiristas com mais roteiros indicados entre os finalistas foram Woody Allen, Francis Ford Copolla e Billy Wilder, com quatro, cada um.Charlie Kaufman, William Goldman e John Huston tiveram três menções cada

O PODER DA GELÉIA

2006-04-06T13:51:00.000-07:00

CONFITUUR
Idem, Bélgica/Suíça, 2004. De: Lieven Debrauwer. Com: Rik Van Uffelen, Marilou Mermans, Chis Lomme, Viviane De Muynck, Ingrid De Vos, Jasperina de Jong.L/DR. Visto 21/03. 84 min.

Comentário:
Confituur (geléia) é uma delicada parábola sobre o desgaste natural das relações humanas diante da inevitável e difícil passagem do tempo. A história é centrada num casal de idosos, prestes a comemorar 50 anos de união, formado pelo mal humorado Tuur, proprietário de uma pequena sapataria, e pela doce Emma, uma dedicada dona de casa. Os dois não dormem mais no mesmo quarto há muito tempo, face os roncos do marido, e quase não dialogam mais, deixando as rédeas da casa e do destino da pequena família nas mãos da temperamental Gerda, irmã de Tuur, que em virtude de uma doença congênita não consegue mais andar e passa os dias sobre uma cama supervisionando as atividades domésticas e interferindo na vida pacata do velho casal.

No dia da festa para comemorar as bodas de ouro, Tuur decide dar um basta na rotina diária e abandona a esposa sem deixar explicação alguma, indo morar com sua outra irmã Josée, defenestrada desde cedo pela família por ter optado viver entre as luzes e o brilho do palco de um cabaret. Desolada de início, mas conformada como de costume, Emma aos poucos vai adquirindo vontade própria e transformando os seus dias. De mulher triste e submissa, torna-se empreendedora e passa a ganhar dinheiro com a venda das geléias que outrora eram feitas para o consumo próprio. Apoiada pela única filha e pela cunhada deficiente, a doce senhora toma para si o controle da própria vida e, pela primeira vez em muitos anos, redescobre a alegria de viver.
No outro extremo, o velho Tuur começa a sentir saudades da vidinha sem graça e novidade que havia deixado para trás e que era a única que conhecia e, no fundo, gostava. Cabisbaixo e calado, aproveita o clima de tristeza causado pelo velório de Gerda, que morreu vítima de uma queda, para ir voltando ao antigo lar. Silenciosamente, recomeça a ajudar Emma nas rotinas domésticas e ao final do dia é recompensado com a imagem do seu velho pijama bem passado e meticulosamente colocado sobre a cama, simbolizando o perdão da esposa. Mas dessa vez algo mudou, os papéis se inverteram e agora é Tuur quem acorda a mulher para trabalhar.
Um belo exemplar do moderno cinema belga, cuja cinematografia nunca foi devidamente prestigiada. O tema da terceira idade é recorrente na filmografia do jovem Lieven Debrauwe, que estreou no longa-metragem com Pauline & Paulette (2002), sobre o tortuoso conflito vivido por três velhas irmãs, que recebeu o prêmio do júri ecumênico em Cannes, e fez uma bela carreira internacional. Confittur é o segundo longa do diretor. Mais consistente e tecnicamente superior ao anterior, tem na força das interpretações de um elenco formado por veteranos, e no uso correto das pausas e dos silêncios prolongados, duas grandes qualidades. Destaque para as mágicas seqüências que ocorrem quando o diretor sincroniza com perfeição as ações dos personagens com a música incidental, criando um inusitado e divertido concerto visual, onde até os gritos e reclamações da velha Gerda transformam-se, aos olhos da câmera, nas orientações de um exaltado maestro. Pura poesia.

A VINGANÇA DA MULHER MAL AMADA

2006-03-24T08:47:00.000-08:00

A VINGANÇA DE ALEXANDRA
Alexandra´s Project. Austrália, 2003. De: Rolf de Heer. Com: Gary Sweet, Helen Buday, Bogdan Koca. A/DR. 103 min
Comentário:
A câmera adentra as ruas de um pacato bairro de classe média australiano. Ao final do percurso, estamos dentro da casa de Alexandra, mais precisamente no quarto desta que, silenciosa, contempla o marido dormindo. Os seus olhos são de tristeza e a sua angústia velada anuncia que algo estranho está prestes a acontecer. De repente, o silêncio é quebrado pelos dois filhos do casal que trazem presentes e enchem de afagos o pai, aniversariante do dia. Steve está casado há mais de dez anos com Alexandra, é um quarentão ainda atlético, que gosta de se exercitar todas as manhãs, e um executivo de sucesso que coleciona promoções. Ao se despedir para cumprir mais um dia de trabalho, ele mal suspeita que quando voltar nada será como antes.
De posse de um roteiro instigante, o diretor Rolf de Heer desenvolveu um filme simples e rápido, quase todo centrado num único cenário, a casa recheada de aparatos de segurança. Contando com a poderosa e corajosa (face o grau de exposição física e psicológica) interpretação da dupla de atores centrais (ambos premiados na Austrália), a trama retrata as conseqüências drásticas de uma relação matrimonial fracassada, onde o ódio de uma mulher mal amada e tratada durante anos como mero objeto sexual pelo macho provedor é capaz de desencadear uma insana represália. O problema é que essa vingança perpetrada pela personagem título é mais reprovável e cruel do que o comportamento chauvinista do marido. Mais dialogo e menos radicalismo funcionariam melhor, mas como está já desperta a discussão e faz pensar. As feministas vão adorar a figura do homem acuado e sem chances de redenção.

SANGUE, MÚSICA (RUIM) E MUITOS ALIENÍGENAS

2006-03-21T13:03:00.000-08:00

ATOMIK CIRCUS – LE RETOUR DE JAMES BATAILLE
Idem. França/Alemanha/Grã Bretanha, 2004. Direção: Didier Poiraud, Thierry Poiraud. Elenco: Vanessa Paradis, Jason Flemyng, Benoît Poelvoorde, Jean-Pierre Marielle. 92 min
Comentário:
Num pequeno povoado francês, fundado pelo visionário Bosco (o veterano Jean-Pierre Marielle) para realizar espetáculos circenses e festivais culturais, o jovem alto e bem nascido (assim apresentado pelo roteiro) James Bataille vai trabalhar como dublê de cenas perigosas e termina se envolvendo com a bela Concia (Vanessa Paradis, responsável pelo “clássico” da música pop Vou de Táxi – arrgh!), cantora e filha do dono do lugar. Quando tenta saltar, sob uma moto, uma fileira de barris com pólvora, cai antes do previsto e destrói quase todo o vilarejo. É detido e condenado a 133 anos de prisão.
Passado algum tempo no cárcere, o rapaz decide fugir no mesmo dia em que vários alienígenas estão atacando a comunidade de sua amada. De prisioneiro ele é alçado a condição de herói de ocasião e enfrenta como pode as deformadas figuras espaciais. Uma, inclusive, se aloja no traseiro de um empresário charlatão que tenta transar com a bela Concia.
Após uma trajetória de quatro curtas, os irmãos Poiraud estréiam no mundo do longa metragem com esse verdadeiro samba-do-crioulo-doido. É uma homenagem explícita ao cinema trash dos anos cinquenta, com muitos monstros mal feitos e sangue espirrando a cada minuto. O cachorrinho mecânico é o exemplo máximo dessa precariedade proposital que permeia todo o filme. Não é uma produção Z, mas sim um filme classe A com acabamento bem tosco. Infelizmente, em algum momento o ritmo cai e o final em aberto não contribui nem um pouco. Mas os diretores demonstram talento e num futuro próximo devem surpreender.

AS CONTRADIÇÕES DA ALMA

2006-03-18T07:06:00.000-08:00

O MUNDO DE LELAND
The United States of Leland. EUA, 2003. De: Matthew Ryan Hoge. Com: Don Cheadla, Ryan Gosling, Jena Malone, Chris Klein, Kevin Sapecey, Lena Olins, Michelle Williams, Martin Donovan, Ann Magnuson, Kerry Washington, Sherilyn Fenn, Matt Malloy, Michael welch. OP/DR. Visto 12/03 (DVD) 108 min
Comentário:
O maior prazer para um cinéfilo é descobrir pequenas obra-primas em celulóide. E o melhor é quando essa descoberta reside em títulos obscuros e desconhecidos. Nunca tive vontade e nem planejei assistir ao filme O Mundo de Leland, tanto que ele me chegou por acaso,através de um irmão. Lançado direto em DVD, ele sequer foi comentado pelas revistas especializadas e sites de renome. Uma falta grave, pois é daquelas obras que grudam feito chiclete e continua viva na memória dias, meses e até anos depois de termos assistido. É cinema que acrescenta e nunca subtrae.
Trata-se de mais um belo exemplar do que vem sendo produzido pelo cinema independente americano. Bancado pelo ator Spacey e dirigido pelo desconhecido Matthew Ryan Hoge (cuja experiênca anterior se resume a uma comédia pouco vista chamada Self Storage, de 1999), O Mundo de Leland é um filme complexo, mas perfeitamente compreensível. Fala das inquietações e dos temores humanos, da falência das famílias modernas e da ausência de perspectivas por parte dos jovens, outrora rebeldes e hoje seres apáticos, sem rumo e conteúdo algum.
O mundo do jovem Leland Fitzgerald, um adolescente de 16 anos, é sombrio, triste e feito de pequenos contentamentos, como namorar a jovem Becky Pollard, uma garota frágil e há muito mergulhada no mundo das drogas. Filho de um escritor renomado, cujo grande talento é proporcional a arrogância, o garoto foi criado pela mãe e não vê o pai desde os seis anos de idade, quando este os abandonou.
Somos apresentados a trama pela narração em off do protagonista, que tece uma série de questionamentos interessantes e dá a entender que fez algo de errado naquele dia, mas não consegue lembrar o quê. Na verdade, Leland cometou um crime e não nega a autoria do mesmo, mas não sabe discorrer sobre as razões que o levaram ao delito. O mais chocante, é que a vítima é o inofensivo irmão caçula de sua namorada, portador de deficiência mental. Após esse inicio forte e cheio de mistério, o diretor vai confeccionando coerente e lentamente a colcha de retalhos formada por Leland e todos os outros personagens que o circundam. É um carrossel de emoções diversas construído de forma hábil, aonde o uso de idas e vindas narrativas é constante, mas jamais confuso ou capaz de desviar o foco da ação.
Preso, o jovem começa a chamar a atenção pela sua inteligência e conformismo e concorda em relatar a sua vida ao professor da unidade corregional, um escritor frustrado que vê na história o tema ideal para um livro de sucesso. É dele,inclusive, uma frase genial:” ...um indivíduo só se torna escritor quando as pessoas lêem a sua obra...... “. A relação do dois é pautada na confiança mútua e é bastante curioso ver a moral e a ética do professor supostamente “íntegro” ser questionada por um “assassino” confesso, quando o primeiro traí a namorada de muitos anos com uma jovem colega de trabalho pelo simples e instintivo prazer sexual.
Não esperem uma solução óbvia demais, pois as razões para o crime estão no interior do jovem Leland, que carrega dentro de si um universo vasto de emoções contraditórias, sentimentos dúbios e dúvidas recorrentes. Quase sempre impassível, sem demonstrar emoções, ele transita entre o bem e o mal e mata o garoto para exorcisar toda a tristeza que envolve o seu ser e salvar de uma vida limitada e infeliz as pessoas que ama. O final é extremamente comovente e evita qualquer julgamento moral, pois o próprio Leland também é uma vítima gerada e criada no seio de uma sociedade destruída pela violência, destituída de valores éticos e submersa na vala comum da hipocrisia.
Destaque para todo o elenco, formado pelos mais talentosos atores do momento. Gosling confirma todas as expectativas e, aos 23 anos, dá veracidade e conteúdo a um personagem difícil, sete anos mais jovem, e que não emite emoção alguma. Don Cheadle compõe um escritor e professor dedicado, totalmente dividido entre a vontade de ajudar e ao mesmo tempo tirar proveito da história em benefício próprio. Neste ponto ele se iguala ao ausente e ambicioso pai de Leland, que colocou a carreira acima de tudo e é personificado, com a competência habitual, por Spacey. Por fim, temos a gracinha da Jena Malone como a namorada drogada e Martin Donovam, uma figura constante nas obras independentes, como o pai do garoto assassinado. A única exceção é o fraco Chris Klein, totalmente inexpressivo num papel chave. Mas não compromete o excelente resultado final.

ESSE OBSCURO OBJETO DE DESEJO

2006-03-14T08:59:00.000-08:00

UM PONT ENTRE DEUX RIVES
Idem, França, 1999. De: Gerard Depardieu e Frédéric Auburtin. Com: Carole Bouquet, Gerard Depardieu, Charles Berling, Stanilas Crevillén, Dominique Reymond, Mélanie Laurent. OP/DR. Visto 12/03 (TV 5) 95 min
Comentário:Lembro de Carole Bouquet na sua estréia diante das câmeras em Esse Obscuro Objeto de Desejo (1977), último filme do mestre Luis Buñuel. Vivendo um papel duplo, também interpretado pela espanhola Agela Molina e fruto da mente surreal de Buñuel, a sua gélida e sensual personagem leva à loucura um homem mais velho (Fernando Rey). E diante da beleza pálida de Bouquet, qualquer loucura é justificada. Depois deste começo, foi bond-girl, participou de muitas fitas obscuras e pouco vistas na década de 80 e encontrou o seu espaço dentro do cinema fracês nos anos 90. Casou com a “máquina de fazer filmes” Gerard Depardieu, e este, em agradecimeto por ela agüentar os seus vários quilos a mais, dirigiu este filme nostálgico e sensível. Aos 42 anos, Carole está luminosa como Mina, uma dona de casa em plena década de 60 que vive com o filho adolescente (o bom Crevilée) e o marido desempregado (Depardieu). Diante da falta de perspectivas, ela aceita trabalhar como cozinheira na mansão da família Daboval e tem como único passatempo as alegres tardes de domingo passadas dentro do cineminha local. O marido encontra uma nova função com mestre de obras na construção de uma ponte, numa cidade próxima, e começa a se ausentar, tempo suficiente para que Mina conheça Matthias, o engenheiro da ponte, e inicie uma nova história de amor, com a relutante cumplicidade do filho. Em determinado momento a verdade vem à tona e como estamos diante de um filme francês, a resolução é bastante civilizada e satisfatória, como deveria ser na vida real, mas não o é. Esta é a segunda experiência de Depardieu como diretor, antes havia feito Tartuffo em 84, e ele demonstra ter aprendido bem o novo ofício. O filme é bem conduzido, corretamente fotografado e apresenta uma convicente recostituição dos anos sessenta (a trilha sonora é uma delícia!), mas o maior destaque é mesmo a beleza madura de Bouquet. Ao contrário de outras atrizes quarentonas, cada vez mais deformadas pelo Botox, ela não esconde a sua maturidade e por isso mesmo imprime jovialidade e carisma a um personagem que também consegue conquistar os espectadores, tornando totalmente verossímil a paixão imediata sentida pelo engenheiro. Tudo bem, é meio estranho ver Carole, com seu ar aristocrático, servindo mesa e cortando cebola, mas se até a patricinha milionária Paris Hilton (argh!) tirou leite de vaca e fez faxina no reality show The Simple Life, o filme está mais do que perdoado.

A PATRICINHA LOIRA GANHOU O OSCAR E O CAWBOY GAY FOI ESNOBADO

2006-03-10T11:41:00.000-08:00

Não poderia deixar de registrar aqui neste democrático blog, uma das melhores observações feitas sobre a noite do Oscar e , mais especificamente, a ganhadora do prêmio de melhor atriz: a eterna "Ilegalmente Loira" Reese Witherspoon. Esta peróla foi criada pelo cineasta e crítico pernambucano, Kleber Mendonça Filho, e corrobora com a mesma sensação que tive ao ver a loirinha agradecendo a láurea alcançada e deixando para trás a caracterização perfeita de Felicity Huffman, como um transexual, no filme Transamerica.
"........o prêmio "Alçapão 2006" foi para Reese Witherspoon e vê-la vestida de sinhá com jeito de guaxinim nos fez entender que seu melhor papel até hoje, como a adolescente ambiciosa de Eleição (1999), talvez não tenha sido, no final das contas, uma atuação. Witherspoon levou Melhor Atriz por Johnny e June, sobre a vida de Johnny Cash, mais um Oscar do "kit padrão" hollywoodiano........."
Antes de finalizar, não posso deixar de falar do maior mico do evento que foi premiar Crash em detrimento do franco favorito, Brokeback Montain. Mais uma prova irrefutável de que os membros da Academia estão cada vez mais velhos e gagás. Conservadorismo e prepotência diante do óbvio, nos dias de hoje, só gera mais intolerância e reforça a doutrina de criaturas deploráveis como o Sr. George W. Bush. Atual Imperador do Planeta Terra, ele já deixou de cuidar do bem estar do povo americano há muito tempo (os sobreviventes de New Orleans que o digam), papou o Iraque e está, discretamente, direcionando o seu arsenal bélico para o Irã. Até lá, eu espero que não lembre da nossa Floresta Amazônica para compor a sua coleção de conquistas. À ele, o Oscar mais justo de todos, o de Idiota do Ano.

PETER PAN E A SOMBRA DO TERRORISMO

2006-03-08T07:32:00.000-08:00

MUNICH
Idem. EUA,2005. De: Steven Spilberg. Com: Eric Bana, Daniel Craig, Ciarán Hinds, Mathieu Kassovitz, Hans Zischler, Mathieu Almaric, Ayelet Zorer, Michael Lonsdale, Geoffrey Rush, Marie-Josée Croze, Gila Almagor, Moritz Bleibtreu, Valerie Bruni Tedeschi, Lynn Cohen, Yvan Attal, Robert John Burke, Yahuda Levi. A/DR. Visto 03/03 . 164 min
Comentário:
Spilberg é Spilberg e ninguém pode lhe tirar o mérito de ser um dos mais influentes diretores das últimas décadas. Subverteu o gênero do suspense, tornando carros e animais marinhos aterrorizantes (Encurralado e Tubarão); deu um nono e poderoso impulso aos filmes de aventura (Indiana Jones); ensinou que os extraterrestres também podem ser camaradas (E.T. e Contatos Imediatos do Terceiro Grau); e mostrou sem retoques os horrores vividos pelo seu povo durante a segunda guerra (A Lista de Schindler). Taxado de eterna criança e Peter Pan da indústria cinematográfica, face aos recorrentes temas infantis e a constante mania de instituir em suas obras improváveis finais felizes, num mundo onde a falta de caráter e o ódio racial imperam. Seus personagens sempre têm um surto de bom mocismo e eventualmente atingem a redenção. Exemplo crasso é o personagem Arthur Schindler, que tem um deslavado surto emocional na última cena do filme que deu o Oscar ao diretor e comprovou que ele também poderia desenvolver temáticas adultas, apesar da derrapada final com o objetivo de verter lágrimas nas platéias mundiais e glorificar um personagem que, apesar do apoio aos judeus, era antes de tudo um comerciante e não a “mamãe Dolores” apregoada pelo diretor. Mas críticas a parte, após sucessivas derrapadas (O Terminal, Guerra dos Mundos), ele retorna ao mundo dos adultos e aborda o espinhoso conflito entre árabes e judeus. Adaptando o romance Vengeance: The True Story of an Israeli Counter-Terrorist Team, de George Jonas, ele retrata com virtuosismo técnico e violência explícita o sangrento seqüestro perpetrado por terroristas do grupo Setembro Negro contra atletas israelenses, durante as Olimpíadas de Munich em 1972, e as suas inevitáveis conseqüências políticas. Acuada por não ter negociado com os terroristas, a Primeira Ministra de Israel, Golda Meir, deixa a diplomacia de lado e vê como única alternativa pagar na mesma moeda a chacina que eliminou nove atletas e manchou de sangue a bandeira de Israel. Para cumprir a tarefa, convoca a temida Mossad, polícia secreta israelense, para planejar e executar o plano de vingança. O jovem Avner, ex-guarda-costas da Ministra, é designado como líder da equipe formada por mais quatro membros, todos com passado desconhecido e unidos em torno de um único objetivo: localizar e matar, um a um, os 11 terroristas árabes envolvidos no atentado de Munich. Vivendo como clandestinos e contando com as informações do francês Louis, uma fonte duvidosa, que na verdade trabalha para os dois lados e coloca em risco a vida dos agentes. Trabalhando com um elenco internacional, predominantemente formado por australianos e ingleses e sem nenhum americano (fato raro na obra de Spilberg), o diretor traça passo a passo o planejamento e a execução dos assassinatos, intercalando cenas do seqüestro em Munich e destacando o crescente conflito ético vivido pelo personagem de Avner. Ao mesmo tempo em que executa friamente os seus alvos humanos, acompanha o nascimento da filha e é privado do convívio familiar. Aos poucos , ele vai perdendo a sua identidade e o foca da missão, virando um mero e frio assassino sem pátria e objetivos de vida. Sem tomar partido, a mensagem de Spilberg é clara: um conflito que de início tinha como foco a disputa territorial, transformou-se num banho de sangue desmedido, onde a vida humana perdeu o seu valor e o ódio racial tomou o espaço ocupado pela ideologia política e o amor pátrio. Desde já, um dos melhores filmes do diretor, com fotografia de Janusz Kamisnski, roteiro de Tony Kuschner e Eric Roth e música de John Williams que pontua com maestria os momentos de tensão. Foi indicado para cinco Oscars e não ganhou nenhum.

UMA PAUSA PARA O OSCAR

2006-03-03T07:29:00.000-08:00

Faltam dois dias para o tapete vermelho ser estendido e receber diretores, produtores, estrelinhas de ocasião, astros em ascensão e muito glamour. Neste momento a Internet está infestada por pseudos-críticos e alguns bogueiros metidos a besta dando palpites infundados a cada minuto. Diante de tanto amadorismo, nada melhor para o momento do que reproduzir uma matéria séria e bastante informativa de Arthur Spiegelman, jornalista da respeita Agência Reuters de Notícas. Ele está em Los Angeles e vivencia todo o clima pré-cerimônia, ao contrário dos palpiteiros locais.

Por Arthur Spiegelman

LOS ANGELES (Reuters) - O Oscar deste ano será gay ou violento? O que parecia uma corrida fácil para uma dupla de cowboys homossexuais pode se transformar numa disputa acirrada. O favorito "O Segredo de Brokeback Mountain" parece estar enfrentando uma ameaça de última hora com o drama racial "Crash -- No Limite" na luta pelo prêmio de melhor filme, sugerem entrevistas com membros da Academia e especialistas em Oscar.
A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Hollywood mantém o resultado da votação em segredo completo até o momento da verdade: a cerimônia deste domingo, que será vista por centenas de milhares de pessoas em todo o mundo e apresentada pela primeira vez pelo comediante de língua afiada Jon Stewart.
Todo o segredo não evitou especulações sobre uma virada depois de meses de previsões de que o prêmio mais importante da indústria cinematográfica iria, pela primeira vez, para uma história de amor gay, "O Segredo de Brokeback Mountain". O filme recebeu oito indicações, mais do que qualquer outro este ano, e tornou-se um fenômeno social como objeto de discussão, piadas e paródias.
A revista People publicou um encarte especial sobre o Oscar esta semana, no qual a manchete, em cor-de-rosa choque, declarava: "Oscar: Sim, sou Gay". O título estava sobreposto a uma fotografia da estatueta de ouro e a pôsteres de "Brokeback" e de dois outros filmes, "Capote" e "Transamerica".
"Oito indicações para o filme cowboy gay, duas para a fita transexual, cinco para a história de Truman Capote. À primeira vista, a lição da premiação da Academia este ano é simples. O atalho para a glória do Oscar é uma palavra com três letras: g-a-y", explicava a People.
"Ouvi mais pessoas falando em votar em 'Crash' do que em 'Brokeback', mas lembro quando todos os membros da Academia com quem havia conversado em 2002 disseram que tinham votado em 'Moulin Rouge -- Amor em Vermelho', e o favorito daquele ano, "Uma Mente Brilhante", ganhou. É muito difícil desbancar um favorito", afirmou o especialista em Oscar Tom O'Neil.
O dramaturgo e ativista pelos direitos dos gays Tony Kushner, autor de "Anjos na América", que concorre a um Oscar como co-roteirista de "Munique", diz que algumas pessoas estão "assustadas com 'Brokeback' porque se trata de um filme gay".
FILME AUDACIOSO
Mas ele acrescentou: "Às vezes você faz algo corajoso e destemido e assume o risco. Toda Hollywood está se sentindo assim com relação a 'Brokeback'. O filme vai se sair muito bem na disputa. É um filme lindo e, graças à corrida pelo Oscar, alguns milhões de pessoas a mais vão assisti-lo e mudar suas opiniões".
Os cinco indicados para melhor filme, que ainda incluem "Munique", "Capote" e o drama da era McCarthy "Boa Noite e Boa Sorte", é um grupo sério -- filmes com temas que refletem o debatido liberalismo de Hollywood. Como grupo, eles não se saíram muito bem nas bilheterias.
Por exemplo, "O Segredo de Brokeback Mountain" arrecadou 75 milhões de dólares após 12 semanas em cartaz, cerca de 2 milhões de dólares a menos que "Guerra dos Mundos" em quatro dias em exibição, em julho passado.
"Crash -- No Limite" se passa em Los Angeles e pode atrair a atenção dos eleitores do Oscar, já que muitos vivem na cidade e podem simpatizar com o tema do filme, raças que não se misturam até colidirem uma com a outra em seus carros. O filme recebeu seis indicações ao Oscar, mesmo número de "Boa Noite e Boa Sorte" de George Clooney.
Alguns especialistas dizem que a única aposta certa de vitória numa categoria importante é a de melhor ator, para Philip Seymour Hoffman. Hoffman faz o papel de Truman Capote em "Capote". Em sua interpretação, o escritor norte-americano é um bom vivant manipulador e ambicioso que ganha a confiança de um assassino confesso, e então deixa o homem e seu parceiro morrerem a fim de obter um final para seu livro, "A Sangue Frio".
Mas, mesmo nesta categoria, a competição é acirrada. Hoffman deve derrotar Terrence Howard de "Ritmo de um Sonho", Heath Ledger lutando contra seus próprios sentimentos como um dos cowboys de "Brokeback", Joaquin Phoenix como o cantor Johnny Cash em "Johnny e June" e David Strathairn como o jornalista Edward R. Murrow em "Boa Noite".
A corrida pelo Oscar de melhor atriz ainda está muito embolada entre as favoritas Reese Witherspoon, no papel da cantora June Carter em "Johnny e June", e Felicity Huffman, interpretando um homem que está prestes a se submeter a uma operação de mudança de sexo em "Transamerica".
Mas é difícil prever o vencedor até mesmo em categorias que não são consideradas as principais, como a de melhor filme estrangeiro. Três dos cinco filmes indicados -- o palestino "Paradise Now," o sul-africano "Tsotsi" e o alemão "Uma Mulher contra Hitler" -- têm chances na disputa.
Então prepare-se, pegue o saco de pipocas e espere para ver quem vai ganhar no domingo. O Oscar pode ou não ser gay neste ano, mas com certeza ele será cheio de surpresas.

DIVINA LOUCURA

2006-03-01T06:57:00.000-08:00

PINK FLAMINGOS
Idem. EUA, 1972. De: John Waters. Com: Divine, David Lochary, Mink Stole, Mary Vivian Pearce, Danny Mills, Edith Massey, Cookie Mueller. A/C. Visto 28/02 (Cinemax) 108 min
Comentário
Divine recebe o título de “A Pessoa Mais Obscena do Mundo” e desperta a inveja do casal Raymond e Connie Marble. Eles são tarados, ladrões e se acham merecedores da alcunha concedida ao obeso travesti, pois levaram anos construindo um rentável império formado por lojas pornôs e por um negócio dos mais politicamente incorretos, que consiste em seqüestrar jovens mulheres, engravida-las a força e vender os bebês para casais de lésbicas (!). Obstinados, descobrem o paradeiro da rival, que usa o nome verdadeiro de Babs Johnson e vive num trailer em companhia da mãe, viciada em ovo e que passa os dias dentro de um cercadinho, do filho tarado e da amiga voyeur. Depois de algumas reviravoltas, o confronto entre o casal e a heroína é inevitável e repleto das mais absurdas seqüências. Clássico absoluto do mau gosto e da liberdade vivenciada pelos precursores do cinema americano independente no final dos anos 60 e início dos 70, este Pink Flamingos é o terceiro longa de John Waters, rodado em 16 mm, tendo como cenário Baltimore, a sua terra natal, e como estrela Divine, ou melhor Harris Glenn Milstead (morto em 88, vítima de um ataque cardíaco). De lá para cá, o mundo mudou e a América involuiu, corroborada pela chegada ao poder dos conservadores republicanos e das suas noções tortas de ética, justiça e moral exacerbada. O máximo de ousadia hoje nos Estados Unidos é a visão cândida de um seio fujão da cantora Janet Jackson durante um evento esportivo, suficiente para virar escândalo internacional e trazer a tona a crescente ausência de liberdade de expressão vivida pelos americanos da era Bush. Até o outrora ousado Waters, tirou o time de campo e só produz comediazinhas insossas e convencionais. Melhor ficar com as duas cenas clássicas da sua fase áurea, que fariam o titio Bush corar: o repugnante close de um ânus prestes a defecar e a insana “mamãe” Divine realizando um espontâneo e explícito fellation para acalmar a ansiedade do seu filhinho. Mais transgressor, impossível!. Essa é uma versão restaurada pela New Line em virtude da comemoração de 25 anos do filme, e traz ao final comentários do diretor, sempre elegante de terno, gravata borboleta e o indefectível e bem aparado bigodinho.

O OBJETO DE DESEJO

2006-02-26T08:55:00.000-08:00

O JOELHO DE CLAIRE
Le Genou de Claire. França, 1970. De: Eric Rohmer. Com: Jean-Caude Brialy, urora Cornu, Béatrice Romand, Laurence de Monaghan, Michele Montel, Gerard Falconetti, Fabrice Luchini. L/DR.Visto25/02(TV5)105min
Comentário:
Antes do primeiro contato com a extensa obra de Rohmer, o espectador médio deve ter a consciência de que estará diante de um filme excessivamente falado, repleto de cenas contínuas, nenhum movimento elaborado de câmera, cortes rápidos e desprovido de ação física. Avisado sobre esses detalhes, é só se desligar do mundo por algumas horas e mergulhar num universo repleto de frases deliciosas, personagens dúbios e sentimentos velados. Oriundo da crítica francesa e um dos pilares do movimento da Nouvelle Vaghe, Rhomer alcançou sucesso internacional com esta obra que ganhou diversos prêmios: National Board of Review, San Sebastián, Sindicato dos Críticos Franceses e uma indicação ao Globo de Ouro. O filme é um retrato sem retoques de um homem beirando os quarenta anos que retorna a um agradável balneário francês com o objetivo de vender a casa de campo da família. Jérome é diplomata de profissão e está decidido a casar com a amante de muitos anos não por amor, mas por estar acostumado com ela, como ele mesmo diz. Sob um agradável clima de verão, ele passa os dias em companhia da amiga Aurora, uma escritora com quem trava ácidos diálogos sobre o relacionamento homem-mulher. Com o passar dos dias, anunciados didaticamente por letreiros que entram inadvertidamente em cena, outros personagens vão surgindo e modificando a pacata rotina do campo. Primeiro a adolescente Laura, que se apaixona por Jérome e em seguida a sua irmã Claire, que ao contrário da primeira trata o diplomata com indiferença. Indiferença que instiga e desperta o desejo de Jérome, personificado no joelho da jovem. Essa inusitada parte do corpo é evidenciada quando Claire sobe uma escada para colher frutas silvestres (cena já clássica) e num segundo momento quando o namorado da jovem toca o joelho da mesma, demonstrando sutilmente o sentimento de posse que permeia a relação dos dois. O antes calmo, centrado e galanteador diplomata é tomado pela inveja e deixa aflorar os seus instintos humanos mais baixos, não pensando duas vezes quando tem a oportunidade de destruir o namoro dos jovens. Ele flagra o namorado de Claire com outra e o delata de imediato, como mero pretexto para fragilizá-la, tocar o seu joelho e assim satisfazer seu desejo, sem mensurar as conseqüências e a falta de ética deste ato. É um final que choca pela exposição direta da natureza humana, repleta de fraquezas escondidas sob faces inocentes e discursos programados. Componente da série batizada por Rhomer de Contos Morais, esta obra permanece na nossa memória feito cola e incomoda como poucas, pois joga na cara as imperfeições e os desvios de caráter aos quais todos somos suscetíveis. Aos 86 anos (!), o diretor continua a filmar e talvez só perca em longevidade para o português Manoel de Oliveira que já ultrapassou a barreira dos noventa anos. Ele mantém uma obra coerente com os seus primeiros trabalhos, onde o maior mérito é radiografar os seres humanos com sutileza e bom gosto, sem fazer concessões de nenhuma natureza. Destaque no elenco para Brialy, discreto e convincente como o dúbio Jérome e Fabrice Luchine, loiro e adolescente e uma presença obrigatória em outros filmes do diretor. O restante do elenco não conseguiu desenvolver uma carreira nos cinemas: a bela Laurence de Monaghan faz uma eficiente Claire, atuou em mais cinco longas e abandonou a carreira em 79; Gérard Falconetti, no papel do namorado de Claire, é neto da lendária atriz Renée Falconetti (A Paixão de Joana D´Arc, 1928 de Dreyer) e morreu prematuramente em 84, após pequenos e inexpressivos papéis. A fotografia é do renomado Néstor Almendros, que ganharia o oscar em 78 pelo belo Cinza no Paraíso, de Terrence Malick e viria a falecer em 92, vítima da Aids.

EM BUSCA DO FILHO PERDIDO

2006-02-21T05:18:00.000-08:00

HONRA E LIBERDADE
River Queen. Ing./Nova Zelândia, 2005. De: Vincent Ward. Com: Samantha Morton, Cliff Curtis, Kiefer Sutherland, Temuera Morrison, Anton Lesser, Rawiri Penne, Stephen Rea, Wi Kuki Kaa. OP/DR. Visto 18/02 (DVD). 114 min
Sinopse: Em 1860, durante a colonização britânica da Nova Zelândia, a irlandesa Sarah O´Brien(Samantha Morton) mora junto com o pai num posto militar de fronteira e convive livremente com o povo Maori, donos naturais da ilha invadida. Com o passar do tempo, a jovem envolve-se com um dos nativos e fica grávida. O pai da criança morre vitimado por uma doença tropical e o garoto é raptado pelo avô paterno. Abandonada pela família e em companhia do soldado Doyle (Sutherland), Sarah passa incansáveis sete anos em busca do filho até que, em meio a violentos confrontos bélicos entre invasores e aborígines, é seqüestrada e levada a tribo onde o filho vive. Em função dos conhecimentos médicos herdados do pai, ela terá que salvar o líder local em troca do direito de levar o menino, agora crescido e totalmente inserido na cultura Maori. Este filme marca o retorno a direção de Ward, após uma ausência de quase sete anos sem filmar e é resultado de uma produção problemática. Primeiro foi a estrela Morton que teve que se ausentar por problemas de saúde. Depois o diretor foi demitido e a direção assumida pelo fotógrafo Alun Bollinger. Ward acompanhou tudo a distância e terminou retornando para finalizar a obra que ele mesmo escreveu. A sua visão permaneceu impressa em cada fotograma e as imagens apresentadas são de uma beleza plástica poucas vezes vista em celulóide. Mas carece de um pouco mais de ritmo e ao final de 114 minutos de duração, temos a impressão de ter visto uma fita com mais de três horas. Foi lançada no Festival de Montreal e saiu direto em DVD no Brasil. Agora, alguém pode me responder porque Kiefer Sutherland, no auge da carreira com 24 Horas, aceitou esse papel pequeno e ingrato do soldado irlandês que protege a jovem heroína?. Só chamando Jack Bauer para desvendar esse mistério.

TALENTO DE SOBRA E UM CIGARRINHO PARA DESCONTRAIR

2006-02-17T06:26:00.001-08:00

ELLIE PARKER
Idem. EUA, 2005. De: Scott Coffey. Com: Naomi Watts, Rebecca Riggs, Scott Coffey, Mark Pellegrino, Chevy Chase, Blair Mastbaum. OP-14/C. Visto 15/02 (DVD). 95 min
Sinopse
Este filme totalmente independente, feito em vídeo digital, é o registro definitivo do talento versátil e inquestionável de Naomi Watts. Considerada uma das melhores atrizes dessa nova geração, essa inglesa de nascimento, criada na Austrália e grande amiga de Nicole Kidman, já soma uma indicação ao Oscar (pelo filme 21 Gramas) e quase 20 prêmios ao seu currículo cinematográfico. Aqui ela interpreta Ellie Parker, uma atriz insegura a procura de trabalho. Em estado de constante excitação, ela não seleciona mais a qualidade dos trabalhos e passa os dias indo de um teste a outro. Nos intervalos tenta lidar com a traição do namorado, fuma maconha com a melhor amiga e descobre um novo interesse romântico em pleno acidente de trânsito. Apesar da pouca qualidade técnica, o bom humor do texto e a interpretação magistral de Watts se sobressaem. É a versão em longa metragem de um curta com o mesmo elenco e personagens, que fez sucesso no Festival de Sundance de 2001. O longa levou os prêmios de direção e atriz no Festival Internacional de Seattle. Reparem em certas ousadias inimagináveis de se ver no circuito comercial, como o consumo exagerado e real de maconha e a intimidade dos personagens, cujo momento máximo é Naomi urinando (!). Diferentemente da película, o vídeo permite uma proximidade maior e os atores sempre estão em close-up, nos dando a sensação de que assistimos a uma gravação caseira. Destaque para a presença de um envelhecido Chevy Chase, no papel do agente de Ellie.

CHINA X JAPÃO: OS OLHOS PUXADOS DA DISCÓRDIA

2006-02-13T08:57:00.000-08:00

A BORBOLETA PÚRPURA
Zi Hudie. China, 2003. De: Ye Lou. Com: Ziyi Zhang, Tôru Nakamura, Ye Liu, Yuanzheng Feng, Bingbing Li, Kin Ei. Visto 09/02 (DVD). 124 min
Sinopse: Na Manchúria chinesa, em 1928, durante a ocupação japonesa, Itami, um operário japonês, apaixona-se pela chinesa Cynthia. Mas a felicidade dura pouco, e o exército o convoca para o serviço militar. Na despedida dele, Cynthia vê o assassinato do irmão, por um soldado japonês de extrema direita das forças de ocupação. Três anos depois, Xangai é uma cidade tensa, onde prevalece a violência e o caos. Cynthia agora chama-se Ding Hui e trabalha para a organização clandestina "Borboleta Púrpura", grupo de resistência que planeja matar Yamamoto, o chefe do serviço secreto japonês. Itami, o antigo namorado, também está em Xangai como agente secreto, respondendo diretamente a Yamamoto. O reencontro dos dois é inevitável e trágico.
Comentário: Este filme é quase um retrato nacionalista e parcial de um período histórico desconhecido por muitos ocidentais e que deixou marcas profundas nas relações diplomáticos de duas grandes potenciais orientais: a China e o Japão. Rodado e produzido pelos chineses, registra a ocupação orquestrada pelos japoneses na década de 30 contra a China, que teve como momento crítico a sangrenta invasão da cidade de Xangai ,em 1937, pelas tropas militares. Fotos e imagens de arquivo apresentadas ao final do filme, mostram a brutalidade desta ação que eliminou vidas inocentes e dizimou uma cidade inteira, além de outras que se seguiram. Neste sórdido contexto, o filme acompanha os primeiros focos de rebelião e a silenciosa invasão perpetrada pelos japoneses, através da trajetória de dois personagens bem distintos. Primeiro a jovem estudante Cynthia, que assiste o assassinato do irmão, um jornalista subversivo, e é abandonada pelo amante japonês que retorna ao seu país natal para servir ao exército. Alguns anos passam, e somos apresentados ao jovem Szeto, cujo maior sonho é casar com a namoradinha chinesa. O destino desses dois é tragicamente modificado numa estação de trens em Xangai, durante uma ação terrorista. Szeto é confundido como membro do grupo clandestino “Borboleta Púrpura”, presencia a morte da noiva, é preso e torturado. A outrora inocente Cynthia, acompanha e participa da violenta ação, agora atendendo pelo nome de Ding Hui, uma guerrilheira convicta e fiel a luta de resistência chinesa contra os invasores . Essa seqüência foi minuciosamente construída pelo diretor e servirá de base para todo o restante da trama. No início, o filme nos dá a impressão de ser um maçante melodrama intimista, mas aos poucos a silenciosa narrativa vai ganhando força, tomando forma e ao final somos arremessados a uma conclusão arrebatadora, onde o diretor demonstra um exímio domínio técnico ao retroceder de forma hábil ao início da seqüência-chave do tiroteio, explicando algumas brechas do roteiro e dando lógica ao final apresentado. Mas é uma obra para poucos, repleta de longos silêncios, onde as emoções são contidas e as palavras são substituídas pelos olhares. Um árduo exercício de paciência para alguns, e uma sucessão de belos momentos de contemplação para outros. Uma curiosidade: Zhang Zyiy também é a estrela do recente Memórias de uma Gueixa (2005), que vem sendo duramente criticado tanto pelos japoneses, quanto pelos chineses. Eles ficaram ofendidos pela escalação de atrizes chineses para uma história passada no Japão e falada em inglês (!). Bola fora de uma indústria que parece só olhar para o próprio umbigo. Mas fazer o quê, até hoje os americanos acham que nós falamos espanhol e moramos em ocas indígenas.

A HORA DA VERDADE

2006-02-08T08:07:00.000-08:00

Virou moda! Primeiro foi Richard Chamberlain, o antigo Doutor Kildare da TV e famoso mundialmente pela série Pássaros Feridos, que aos 69 anos saiu do armário na sua autobiografia “ Shattered Love” e revelou um casamento de mais de 25 anos com o ator e produtor Martin Rabbett. Agora, outro galã das antigas também resolveu chutar o pau da barraca e suspender o véu da opressão que impera na indústria cinematográfica norte americana. Trata-se de Tab Hunter, o loiro atlético que esteve presente nos sonhos molhados de dez entre dez adolescentes das décadas de 50 e 60. Na sua recente biografia "Tab Hunter Confidential: The Making of a Movie Star" , lançada no final do ano passado nos Estados Unidos, Tab (hoje com 74 anos) não só revela a sua verdadeira identidade sexual, como também dá nome aos bois e revela aguns de seus amantes. Dentre eles, o atormentado Norman Bates das telas e, segundo dizem, também na vida real, Anthony Perkins; o bailarino Rudolf Nureyev e o ator Scott Marlowe, que namorou Natalie Wood. Agora a pergunta que não quer calar: essas revelações tardias seriam um desabafo, uma forma de exorcizar os fantamas do passado e ter uma velhice digna com a consciência limpa, sem medo de nada e de ninguém; ou é mais um, dentre muitos atores falidos, querendo faturar uns trocados às custas de muito sensacionalismo barato?. Fica a dúvida e a vontade de ler a obra, pois somos todos humanos, portadores de virtudes e repleto de defeitos e sentimentos mesquinhhos, como a curiosidade pela vida alheia.

DISSECANDO UM MÉDICO

2006-02-06T08:42:00.000-08:00

O MAL DE SACHS
La Maladie de Sachs. Fra., 1999. De: Michel Deville. Com: Albert Dupontel, Valérie Dréville, Dominique Raymond. OP/DR Visto2003(TV5) 107m
Sinopse/Comentário: Um filme despretensioso e possuidor de uma originalidade absurda. Logo de cara já somos apresentados ao Dr. Bruno Sachs e passamos a acompanhar o seu dia-a-dia como médico de uma pequena vila francesa. Todo o dia a rotina se repete e é filmada meticulosamente: ele acorda cedo, toma banho, prepara o café e vai para o consultório, de onde somente sai quando atende ao último paciente. Ele não tem luxo algum, possuí um carro usado e paga aluguel. Seu único lazer é a leitura e o seu maior prazer é exercer o seu ofício. Um caso raro de um médico solitário, desprovido de luxo e maiores ambições, que leva ao pé da letra o juramento de Hipócrates. Com esse fio de história, a obra poderia se tornar um exercício de paciência e monotonia, mas não é. Tudo por que o diretor dá voz ao pensamento dos pacientes e dos moradores que convivem com Sachs. Cada um analisa e dá o seu ponto de vista sobre o personagem, e nós nos tornamos cúmplices desta aventura subjetiva onde o médico torna-se o alvo de estudo e é dissecado mentalmente pelos pacientes. Os papéis se invertem de forma poucas vezes vista no cinema. No meio da trama, ele se envolve com uma paciente, mas a sua exarcerbada dedicação profissional não diminui. Ao final, como uma espécie de presságio e alerta a todos que abdicam da suas vidas em prol da carreira, o título original do filme é justificado e Sachs passará de médico a paciente. É um final dúbio, pois põe em cheque todo a dedicação do personagem ao longo do filme, mas muito original, como todo o restante da obra. Uma pequena obra prima, que permanece inédita no Brasil e demonstra o fôlego criativo do veterano Deville, um senhor de 74 anos de idade que continua a dirigir ininterruptamente. Ele também escreveu o roteiro e nunca foi devidamente prestigiado na sua terra natal, a França. Tanto que este O Mal de Sachs foi mais visto e premiado na Espanha, onde ganhou os prêmios de melhor roteiro e direção no Festival Internacional de San Sebastián. Também foi eleito o melhor filme no Festival de Chicago e pelo Sindicato dos críticos franceses.

O IDIOTA, O BRUTO E A LOIRA BURRA

2006-02-05T14:26:00.000-08:00

L´ÉTÉ EM PETE DOUCE .
Idem. França, 1987. De: Gerard Krawczyk. Com: Jacques Villeret, Jean-Pierre Bacri, Pauline Lafont, Guy Marchand, Jean Bouise, Claude Chabrol. Visto em 04/02 (TV 5). 102 min
Sinopse
Após a morte da mãe, dois irmãos desajustados são constantemente assediados para vender o velho casarão onde vivem por um vizinho, e se envolvem emocionalmente com a jovem e sexy Lilas, que sonha em casar e virar uma dama respeitável.
Comentário
Mo (Villeret) é um homem gordo, com idade mental de criança, cujo amigo inseparável é um cãozinho vira-lata. Após a morte da mãe, passa a conviver e a receber os cuidados do irmão mais velho Fane (Bacri), um homem rude e marcado pela vida, cujo maior sonho é virar um escritor de sucesso. A rotina dos dois é alterada pela chegada de Lilas (Lafont), uma loira artificial que tem como ícone Marylin Monroe. Ela é amante de Fane, mas se afeiçoa por Mo, com quem também transa. Os três são constantemente incomodados pelo vizinho André Voke (Marchand), dono das duas oficinas localizadas entre o velho casarão dos irmãos, que pretende comprar o imóvel a todo custo, além de transar com a exuberante Lilas. Bem fotografado e conduzido com mão firme pelo diretor Krawczyck, o filme exala ternura por todos os lados e traz uma bela composição do trio central. Villeret nunca exagera a demência do seu Mo, Bacri (antes de casar e formar uma sólida parceria com a atriz e diretora Agnès Jaoui), mescla na dose exata brutalidade e compaixão, mas quem rouba as cenas é a jovem Lafont. Nua em várias cenas, o seu personagem começa ingênua, como todas as loiras burras personificadas por Marylin, e aos poucos vai ganhando força e determinação, chegando ao final como peça chave no desfecho do trama. Infelizmente, a vida real foi cruel demais e Lafont morreu prematuramente no ano seguinte, aos 25 anos, vítima de uma queda acidental. Era filha da famosa atriz Bernadete Lafont e tem aqui o seu melhor momento no cinema. O ator Villeret, que lembra muito o ator alemão Peter Lorre (M, o Vampiro de Duseldorff – 1931), faleceu ano passado em decorrência de problemas de saúde gerados pelo alcoolismo. Duas curiosidades mórbidas dentro de uma obra que celebra a vida, e mostra que por mais difícil que seja se enquadrar ao status quo imposto pelos hipócritas, o ser humano sempre encontra uma saída digna. Atenção para a participação do veterano diretor Claude Chabrol como o pároco local.

A VOVÓ STONE VEM AÍ!

2006-02-03T08:05:00.000-08:00

Pela foto acima, a assassina Catherine Tramell continua de pernas abertas, mas a perseguida foi devidamente coberta. Será que ela irá dar o ar da graça e reviver a cena que catapultou Stone ao estrelato mundial. É esperar para ver, mas as previsões não são das melhores. O diretor já fez vários cortes para reduzir a censura e o galã é o desconhecido ator inglês David Morrissey.

QUANDO O QUE IMPORTA É O TAMANHO DA ALMA

2006-01-30T13:15:00.000-08:00

O AGENTE DA ESTAÇÃO
The Station Agent. EUA, 2003. De: Thomas McCarthy. Com: Peter Dinklage, Patrícia Clarkson, Bobby Cannavale, Michele Williams, Paul Benjamin, Raven Goodwin. Visto Dez/2005 (Cinemax) 88 min
Sinopse/Comentário
Assisti a esse filme há alguns meses e é uma daquelas obras únicas, que deixam marcas indeléveis na memória, seja pela técnica, pelo tema ou vice-versa. Quanto mais falamos sobre ele e o assistimos novamente, mais gostamos. É como um bom livro que deixamos exposto na prateleira para ser aberto, sempre que possível, e novamente saboreado. O filme marca a estréia do pouco conhecido McCarthy, que sempre trabalhou como ator (ele está nos novos filmes de George Clooney: Syriana e Good Night, Good Luck) e trata de um tema bastante raro ao cinema americano atual: a condição humana. O protagonista é um anão que confecciona e conserta miniaturas (genial!), e após a morte do grande amigo e patrão, herda uma velha e desativada estação de trens. Quando chega ao local, ele é obrigado a conviver com várias figuras humanas que entram na sua vida sem pedir licença: a menina negra, que o enxerga como um novo e estranho amigo; a jovem bibliotecária, grávida e abandonada pelo namorado, que nutre uma estranha atração pelo anão; o divertido e expansivo latino dono de um trailer de café; e a artista plástica em forte processo depressivo, causado pela morte do filho único. Com esses dois últimos, ele forma uma fraterna e silenciosa aliança. Tornam-se inseparáveis e passam a ser o alicerce um do outro. Belas composições de todo o elenco, que foi indicado e conquistou vários prêmios da crítica. Patrícia foi a mais prestigiada coadjuvante do ano, chegando ao Oscar por outro desempenho em Pieces of April (2003), e Dinklage entra para história como o mais bem sucedido anão do cinema. Ele tem 1,40 metros de altura, já possui 24 filmes no currículo, está com 33 anos e pelo papel no Agente da Estação foi indicado como melhor ator nos respeitados SAG AWARDS e INDEPENDENT SPIRIT AWARDS. Uma curiosidade: ele atuou como dublê em 1997, na ótima serie Oz – A Vida é uma Prisão. O galã Cannavale ficou famoso pela série Will & Grace, onde interpretava o namorado do protagonista gay e foi casado coma filha do renomado diretor Sidney Lumet. Michelle Williams veio da série Dawson´s Creek e está no prestigiado Brokeback Montain (2005) de Ang Lee. Para finalizar, tenho que destacar a hilária cena do personagem principal, quando este vai fazer compras num pequeno mercado e é fotografado, sem discrição alguma, pela dona do local. É um momento explícito de como alguns seres humanos de estatura normal, conseguem ser mais “baixos” do que os anões.

UM SENTIMENTO UNIVERSAL

2006-01-25T06:59:00.000-08:00

DELICADA RELAÇÃO
Yossi & Jagger. Israel, 2002. De: Eytan Fox. Com:Ohad Knoller,Yehuda Levi,Assi Cohen, Aya Steinovitz, Hani Furstenberg,Sharon Raginiano, Yaniv Moyal, Hanan Savyon,Erez Kahana. 65 min
Sinopse: Uma base militar localizada na fronteira de Israel com o Líbano abriga jovens soldados, homens e mulheres. Yossi (Ohad Knoller) é o comandante do grupo, um homem duro que mantém a todo custo sua postura rígida e a fama de mau. Jagger (Yehuda Levi), o segundo na hierarquia do quartel, tem uma personalidade mais sensível, apesar de também encarar seu trabalho com seriedade. Uma vez juntos, os dois militares vivem uma história de amor proibida que tentam esconder dos demais membros da tropa a todo custo. No entanto, o esforço fica ameaçado quando a recruta Yaeli (Aya Steinovitz) se declara apaixonada por Jagger
Comentário
Acima de raça, credo ou sexo, este é um filme de amor. Amor universal, que acomete jovens, velhos, pretos, brancos, homens, mulheres e todos aqueles abertos ao frescor deste sentimento que deixa leve a alma e faz pulsar mais forte o coração. Yossi é o comandante de um pequeno batalhão das forças armadas israelenses, alocado numa base situada na fronteira de Israel como o Líbano. Sério e concentrado nas tarefas, ele só baixa a guarda quando está ao lado do seu subordinado direto, Lior. Este, por sua vez, é calmo, alegre e destemido, apelidado pelos colegas de Jagger, por ser belo e admirado como uma estrela de rock do porte de um Mick Jagger. Quando está sozinho, ao lado de Yossi, ele vira uma criança. Tendo como cenário as gélidas montanhas rochosas e como testemunhas pequenos animais, eles largam as armas, esquecem as fardas e revelam-se amantes. Numa relação que não ousa dizer seu nome e resume-se aos poucos e rápidos momentos em que os dois conseguem ficar a sós. Quando retornam a base militar, engolem o sentimento e sufocam o amor dentro do peito. Mas esquecem do olhar. Ah, o olhar! Capaz de revelar mais do que mil palavras seriam capazes de expressar. Mas mesmo com tanto sinais, os demais colegas estão mais preocupados em salvar os próprios umbigos e enxergam a relação do dois como uma amizade fraternal. Aliás, o filme tem início com uma bela metáfora: os militares, animados, cavam uma cova para enterrar a comida que apodreceu, como se colocassem a sujeira para baixo do tapete, escondendo a realidade dos fatos, assim como Yossi esconde o seu amor por Jagger.

Mas, eis que surge a mulher. Aliás, duas mulheres. São recrutas que também estão a serviço do exército. Uma é amante do coronel e exala sexo pelos poros. A outra é romântica e angelical, e está decidida a declarar o amor platônico que nutre por Jagger. Ela o acha diferente dos demais e sente-se atraída por isso, enquanto é admirada a distância por outro recruta, o sargento Ophyr. Decidida, vai pedir ajuda a Yossi, o suposto melhor amigo do alvo de sua paixão. Este sorri ,fica sem graça e parte para uma inesperada emboscada exigida pelo carrancudo Coronel. Antes, os amantes discutem. Jagger quer abandonar tudo e viver abertamente o seu amor, mas Yossi prefere o mundo das aparências ao invés da realidade da paixão. Enfrentar as bombas dos inimigos é mais fácil do que fugir dos olhos de desprezo dos colegas de corporação. E é justamente uma bomba, durante a emboscada, que tira a vida do seu amado Jagger. Essa cena é comovente e revela o sentimento profundo que unia esses dois.

Após o enterro, na casa dos pais de Jagger, a mãe e a recruta apaixonada conversam e chegam a triste conclusão que não conheciam os gostos e as preferências do jovem, quando são interpeladas por Yossi, que enche o peito e cita o nome da música preferida do rapaz. Um forte sentimento de alívio e contentamento percorre o seu ser, ele sorri discretamente. Naquele instante, teve a certeza que foi a pessoa mais importante na curta vida do belo e doce Jagger. Um belo final, para um filme curto (65 min), feito com câmera digital e muito bem interpretado por um elenco jovem e bonito.

O diretor é nascido em Nova York, mas foi viver aos dois anos de idade em Israel por circunstâncias familiares, e logo depois dirigiu outro projeto com temática gay, o filme Walk on Water (2004). Yossi & Jagger recebeu seis prêmios internacionais e foi sucesso de público e crítica no Brasil.

O DEFENSOR DE PORCOS

2006-01-23T13:16:00.000-08:00

A HORA DO PORCO
The Hour of the Pig(título alternativo The Advocate). Ingl., 1993. De: Leslie Megahey. Com: Colin Firth, Ian Holm, Nicol Willianson, Amina Annabi, Donald Pleasence, Michael Gough, Harriet Walter, Lysette Anthony. OP-14/DR. Visto 22/01 (Band) 117 min
Sinopse
Na França, em plena Idade Média, os animais também eram acusados,julgados e condenados como autores de crimes, assim como os seres humanos. Neste contexto histórico, um jovem promotor enfrenta conflitos éticos e morais ao ter que defender um porco, acusado de matar um garoto judeu.
Comentários
Existem documentações que comprovam mais de 90 casos de animais levados aos tribunais sob a acusação dos mais diversos delitos, entre a segunda metade do século XIV e o início do século XV. Esta prática comum na era medieval, pouquíssimas vezes foi abordada e torna esse filme único e original. A primeira cena é hilária e resume bem o espírito da obra. Um homem seminu e uma jumenta, colocados lado a lado, com a corda no pescoço, diante de uma platéia ávida e acostumada com o espetáculo do enforcamento, recebem a sentença. O homem,foi condenado pelo fato de ter violado a jumenta, algumas galinhas, duas ovelhas. A jumenta, por ter se entregue aos prazeres da luxúria, sem criar barreiras ou objeções. Os rituais vão começar quando,de repente, tudo para. Um soldado traz, por escrito, o perdão do rei. O homem, aliviado, sorri. Triste engano, a absolvição é para o animal. A platéia aplaude. A jumentinha volta para casa e o homem morre pendurado pelo pescoço. Após essa introdução, somos apresentados ao protagonista, um jovem e idealista advogado de defesa (Firth, antes de virar o namoradinho de Bridget Jones) que chega a uma vila no interior da França e se depara com miséria, violência e um sistema judicial totalmente corrompido pela nobreza local, cujo maior expoente é o senhor Jehan D´Auferre (Nicol Willianson). Torna-se amigo do pároco local (Sir Ian Holm), cujo passatempo predileto é transar com mulheres casadas, e se envolve emocionalmente com uma imigrante egípcia (a tunisiana Annabi), vítima da pobreza e do preconceito racial. Passa a atender vários clientes, até ser obrigado a defender um porco, pertencente a egípcia, que supostamente teria assassinado um garoto judeu. No decorrer do processo, será ameaçado e descobrirá que o animal é um mero pretexto para esconder o verdadeiro criminoso, que se esconde sob os véus da riqueza e do poder. O filme termina com a chegada da peste negra, responsável pela morte de milhões de pessoas e o extermínio de cidades inteira. A doença chega a cavalo, na metafórica figura do poderoso cavaleiro medieval, que esconde por baixo da armadura reluzente as feridas feias e dolorosas da peste que se anuncia. A morte vem a cavalo e encanta a todos pela irresistível beleza. O filme é bem feito, com ótima direção de arte e belos figurinos, mas resulta lento em certos momentos. Talvez com 20 minutos a menos ficasse melhor, mas como está já vale a pena.

EM BUSCA DA PRÓPRIA EXISTÊNCIA

2006-01-18T13:14:00.000-08:00

FILME DEMÊNCIA
Idem, Brasil,1986. De: Carlos Reichenbach. Com: Ênio Gonçalves, Emilio Di Biasi, Imara Reis, Fernando Benini, Alvamar Taddei, Vanessa, Renato Máster, Roberto Miranda, Rosa Maria Pestana, Orlando Parolinni. A/DR. Visto em 15/01 (CineBrasil TV). 90 min.
Sinopse
Um pequeno industrial de cigarros, falido economicamente e em crise doméstica, sai de casa e passa a refugiar-se nas visões sobre um suposto paraíso. Na busca pelo idealizado Éden, cruza com vários personagens: o amigo malandro, a amante, prostitutas, cafetões e outras figuras estranhas.Como na lenda de Fausto, passa a ter alucinações com Mefisto, que durante a história lhe aparecerá de várias formas, ora como traficante noturno, ora como uma cândida velhinha, ou como um louco mendigo
Comentário
Reichenbach é um caso único dentro da cinematografia brasileira. Enquanto o cinema novo teve como berço o Rio de Janeiro e como condutores os jovens cineastas que se instalavam na terra da garota de IPANEMA, nascidos no próprio Rio e/ou vindos de outras regiões brasileiras, Carlão (apelido carinhoso e proporcional aos quase dois metros de altura) e seus amigos instalaram as bases do novo cinema paulista que surgia no final dos anos 60. Sem compromisso algum com ideais políticos e sem ajuda de órgãos públicos como a Embrafilme, desenvolveram um cinema autoral livre e jovem, bancado pela iniciativa privada nacional e com forte apelo popular. Acompanhando a evolução dos costumes sociais e pegando carona na revolução sexual, as produções começaram a ficar mais apimentadas e o público ,cada vez mais curioso e excitado, comparecia em massa as salas de exibição. Amparados por histórias divertidas, baseadas nas chanchadas produzidas nos anos cinqüenta, e com pitadas de sexo e muita, mais muita mulher pelada, os filmes paulistas inauguraram um dos gêneros mais rentáveis do cinema nacional: as pornochanchadas .Foi um período profícuo, onde até os cariocas pegaram carona na novidade e muitos expoentes do “cinema novo” tiveram que incluir mais sexo nas suas obras. Apesar da forte censura imposta pelo regime militar, os cineastas produziam sem parar e só foram barrados pelo advento dos videocassetes e das baratas produções com sexo explícito. Alguns tiveram que usar pseudônimos e aderir a nova moda erótica, colocando no mercado títulos toscos e de mau gosto como “Senta no meu, que eu entro na tua”, “Oh, rebuceteio!”, “Como afogar o ganso” e daí para baixo. Mas o grande golpe veio anos depois, com a sumária extinção da Embrafilme pelo Governo Collor. Era o fim de qualquer resquício de produção nacional, que levaria anos para se recuperar e iniciar uma nova e gloriosa fase, com obras do quilate de Central do Brasil e Cidade de Deus. Mantendo-se a margem,,Carlão conseguiu o feito notável de filmar ininterruptamente até os dias de hoje e nunca ter feito concessões comerciais dentro das suas obras. É verdade que fazia uso de títulos com apelo erótico como “A Ilha dos Prazeres Proibidos” e “Império do Desejo”, mas nunca perdeu o foco na construção de roteiros instigantes e na elaborada parte técnica de seus filmes. É um excelente e premiado diretor de fotografia e ganhou uns trocados na época dos explícitos trabalhando nessa área no filme de amigos. Foi favorecido pelo fato só ter usado o dinheiro público uma única vez dentro da suas extensa filmografia. Isso ocorreu na elaboração da sua obra mais pessoal e hermética: Filme Demência. Com um roteiro que mescla dados biográficos(o diretor é filho e neto de industriais) e muita filosofia (vemos na tela frases de Goethe, e várias referências a Murnau e outros cineastas), é uma adaptação muito pessoal da lenda de Fausto, que vende a alma a Mephisto em troca do suposto paraíso. O Fausto de Reichenbach é um industrial falido que sai pelas ruas noturnas de São Paulo tentando compreender a própria existência, e é perseguido por um Mefisto detentor de várias personalidades (mendigo,velhinha) e atormentado pelas visões de uma praia e de uma menina misteriosa. É um exercício lingüística que irá fascinar alguns e irritar outros, mas é inegável o seu valor. Por falta de recursos(na época a Embrafilme já passava por dificuldades), a filmagem foi interrompida três vezes e só foi concluída graças a persistência do diretor e dos atores centrais: Ênio Gonçalves, como um atormentado Fausto, e Emilio Di Biasi, no papel do travestido Mephisto. Ame-o ou deixe-o. Premiações:Festival de Gramado: Melhor Diretor (Carlos Reichenbach), Melhor Ator Coadjuvante (Emílio Di Biasi), Melhor Atriz Coadjuvante (Imara Reis), Melhor Montagem (Eder Mazini) e Prêmio da Crítica (Melhor Filme)* 3º Rio Cine Festival: Melhor Ator (Ênio Gonçalves) e Melhor Trilha Sonora (Manoel Paiva & Luiz Chagas)* Troféu Macunaíma - Federação Nacional de Cine-Clubes (melhor filme de 86) Festivais Internacionais Rotterdam, Salssomagiore, Montreal, Edinburg, Ghent, etc.* Votado no Festival de Rotterdam para o prêmio de "filme inovador do ano".

TRANCADA POR DENTRO

2006-01-13T09:34:00.000-08:00

MON PÈRE EST INGÉNIER
Idem, França, 2004.. De: Robert Guédiguian. Com: Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gerard Meylan, Pascale Roberts, Jacques Boudet. Visto em 12/01 (TV 5).
Sinopse
Médica pediatra, que reside no subúrbio de Marselha e atende aos pobres e imigrantes locais, sofre colapso nervoso e entra num profundo estado de catatonia, ficando sem falar ou emitir qualquer reação física. O antigo namorado, também médico, retorna para tratá-la e descobrir as causas do seu mal súbito.
Comentário
Guédiguian é muito respeitado na França e tem um estilo muito particular de cinema. Filma sempre com o mesmo trio central, composto pela musa e esposa Ariane e os atores Darroussian e Meylan, e usa como locações a sua cidade natal, Marselha. Comunista convicto, é um dos poucos que ataca frontalmente a decadência social do capitalismo e toca nas mazelas geradas pela globalização desenfreada e inconseqüente, como o desemprego e o crescente preconceito contra os imigrantes. Esse filme chega a ser premonitório, pois antecipa em um ano os atos de vandalismo ocorridos na França , em decorrência do ódio racial contra os estrangeiros, relegados aos subúrbios e aos subempregos. A trama retrata como eles vivem segregados em guetos, rodeados pela miséria, e já prevê um forte movimento organizado de reação. Para botar mais lenha na fogueira, o diretor solta farpas contra o racismo na figura do pai hipócrita, que trai a esposa e não aceita o namoro da filha com um garoto árabe; a indústria farmacêutica e a falência do sistema público de saúde, no violento diálogo travado entre o médico que está decidido a abandonar o cargo que ocupa no Ministério da Saúde e um outro colega; e a omissão social da Igreja Católica, nos momentos em que a heroína escuta a história bíblica e se imagina na pele de uma Virgem Maria contemporânea, grávida, pobre e excluída. Um filme para poucos, com um desenvolvimento lento e muitas idas e vindas narrativas, pois a trama central trata da investigação feita por renomado médico das razões que levaram uma antiga paixão de infância a sofrer um violento colapso nervoso, ficando muda e incapacitada.

A CARTA MISTERIOSA

2006-01-13T09:30:00.000-08:00

UM DIA EM NOVA YORK
The Daytrippers. EUA, 1996. De: Greg Mottola. Com: Hope Davis, Parker Posey, Ane Meara, Stanley Tucci, Liev Schreiber, Pat McNamara, Campbell Scott, Marc Grapey, Márcia Gay Harden. Vsto em 11/01 (Globo). 87 min.
Sinopse
Jovem esposa descobre misteriosa carta de amor nos objetos do marido. Junto com os pais e a irmã mais nova, decide ir a Nova York para descobrir a autora da carta e encontra pelo caminho com vários personagens estranhos e divertido
Comentário
Ainda existe vida inteligente no cinema norte americano. Infelizmente, está escondida nas produções independentes que raramente estréiam por aqui e quando são lançados tem uma distribuição limitada. É o caso dessa comédia agridoce que trata com talento do tão manjado tema das relações e desavenças familiares. No caso, a jovem Elize (a ótima Hope Davis) descobre uma estranha carta de amor endereçada ao marido por uma certa Sandy. Na busca pela verdade, resolve ir ao encontro do marido em Nova York e envolve a mãe controladora, o pai dominado e calado, a irmã mais nova e o namorado metido a intelectual desta, numa improvisada viagem. Devido a vários desencontros, eles se envolvem com hilários e estranhos personagens: o nerd que abriga o pai foragido, por não pagar pensão alimentícia; o escritor metido a conquistador ( Campbell Scott como coadjuvante); as irmãs que dividem o patrimônio deixado pela mãe (dividem até os comprimidos!):; e a mulher ainda apaixonada pelo ex-namorado (feita por Márcia Gay Harden, futura ganhadora do oscar por Pollock). Ao final do dia, verdades são ditas, decepções acontecem e as máscaras caem. O marido é encontrado e a verdadeira Sandy é revelada (essa é a grande sacada do roteiro). Um belo filme, centrado nos ótimos diálogos e com um excelente elenco, com destaque para a veterana Anne Meara, mãe de Ben Stiller, que está esplêndida como a mãe dominadora, espaçosa e dramática. A ótima trilha sonora lembra muito a nossa bossa nova. O diretor até o momento só dirigiu este longa para o cinema, depois fez um telefilme e atualmente dirige episódios da ótima série Arrested Development.

AMARELO: A COR DO MISTÉRIO

2006-01-11T14:04:00.000-08:00

LE MYSTÉRE DE LA CHAMBRE JAUNE Idem, França,2003. De: Bruno Podalydès. Com: Denis Podalydès, Pierre Arditi, Sabine Azema, Jean-Noël Brouté, Olivier Gourmet. S/L. Visto em 10/01/06 (Cinemax). 119 min Sinopse Numa casa envolta em mistério, a filha de um renomado professor quase foi morta dentro de um quarto amarelo. Interessados no caso, um jovem repórter e seu amigo fotógrafo vão ao castelo de Glandier determinados a descobrir quem é o criminoso e por que tentou matá-la. Comentário Os irmãos Podalydès chamaram atenção logo na estréia, quando o filme DIEU SEUL ME VOIT (1998) ganhou o César de melhor primeiro trabalho e o humor da obra foi comparado aos dos filmes de Woody Allen. Este é o terceiro filme deles, sempre com Bruno na direção e Denis como protagonista, além de dividirem a autoria do roteiro. Neste caso, optaram por adaptar um famoso livro de mistério francês que já havia sido filmado antes, e que relata um estranho caso de suposto assassinato. A vítima foi atacada num quarto todo amarelo (daí o título original), que estava trancado por fora e possuía grades na única janela. Do lado de fora, estavam o pai e alguns empregados, que abriram a porta após ouvirem gritos e um tiro. Dentro, estava a jovem desfalecida e a mancha de uma mão ensangüentada na parede. Para desvendar o crime, entra em cena o renomado inspetor Larsan (vivido pelo veterano Arditi) e um bando de curiosos, como um juiz metido a escrito e um repórter incoveniente, que desvenda toda a trama. A investigação é filmada de maneira minuciosa, com direito a letreiros que explicam a ação, como se fosse um filme mudo. Tem produção caprichada e bela fotografia, mas resulta muito longo e, por vezes, cansativo. O elenco é de primeira, mas a grande atriz francesa Sabine Azema tem pouco a fazer como a vítima indefesa, assim como Olivier Gourmet, protagonista de O FILHO dos Dardenne, aqui como coadjuvante fazendo o noivo e principal suspeito. Foi a primeira vez que um filme dos talentosos irmãos franceses passou no Brasil, graças as bombas americanas que ocupam em excesso as poucas salas de exibição. Graças a Santa Tecnologia podemos contar com as tvs por assinatura, DVDs e programinhas legais como o emule.

ESTRANHOS NO NINHO

2006-01-08T15:37:00.000-08:00

O cinema já retratou algumas vezes a loucura humana nas suas diversas formas de manifestação. Atores e atrizes ganharam prêmios com impressionantes e perfeitas caracterizações, e foram consagrados mundialmente. Mas muitas vezes esquecemos de citar que verdadeiros deficientes mentais fizeram carreira no cinema chegando, inclusive, a ganhar prêmios (!). Um caso marcante é o do alemão Bruno S., descoberto pelo diretor Werner Herzog, quando este assistiu a um documentário de 1970, sobre a sua vida. Filho de uma prostituta, foi abandonado pela mãe aos três anos de idade e passou os 23 anos seguintes em várias instituições para doentes mentais, até que recorreu a justiça, conseguiu alta médica e tornou-se um músico e pintor andarilho. Sua vida mudou em 74, quando Herzog lhe ofereceu o papel título no filme O ENIGMA DE KASPAR HAUSER, um sucesso mundial. Em seguida, ainda trabalharam juntos em STROSZEK (1977), mas a parceria terminou aí. Herzog enfrentava muitos problemas para ensaiar Bruno, que não conseguia decorar as poucas falas e tinha dificuldade até de se posicionar corretamente diante das câmeras. Muito do que se vê em KASPAR HAUSER é espontâneo. Após essas duas experiências, Bruno não fez mais nada em cinema e seu paradeiro é desconhecido.
Um fato recente e que gerou repercussão internacional, aconteceu no renomado Festival de Cannes. Em 1999, o júri era presidido pelo polêmico e esquisito diretor David Cronenberg e surpreendeu o público com as estranhas escolhas na noite de premiação. Num ano repleto de obras do calibre de TUDO SOBRE MINHA MÃE(Almodóvar) e A CARTA (Manoel de Olivera), resolveram prestigiar o lento e difícil A HUMANIDADE, do francês Bruno Dummont. Ele recebeu o Grande Prêmio do Júri (segundo em importância, o principal é a Palma de Ouro que ficou com o belga ROSETTA, dos irmãos Dardenne) e os protagonistas, ambos amadores e desconhecidos, foram nomeados melhor ator e melhor atriz do Festival. Quando a ator, Emannoel Schotté, subiu ao palco para receber o seu prêmio, a surpresa foi geral. No filme, ele é um investigador que fala pouco e tem um visível déficit mental, como era a sua estréia todos pensaram, principalmente o júri, que ele estava interpretando. Grande engano, o que Emannuel faz no filme é ser ele mesmo, agir como se não estivesse atuando. Que gaffe! Até o presente momento, o rapaz ainda não fez outro filme e o Festival desde então mudou o seu diretor e está mais cauteloso com a escolha do júri.

Antes de terminar, não posso deixar de lembrar da louca mais famosa a brilhar nas telas. Aliás, suposta louca, pois muitos pontos da sua trajetória são questionáveis. Loura,bela e inteligente, Frances Farmer, teve a trágica vida filmada em 82 e personificada magistralmente por Jessica Lange. Nascida em Seattle, no ano de 1913 e filha de um bem sucedido advogado, desde cedo se destacou nos estudos e começou a flertar com os ideais comunistas. Esse flerte tornou-se paixão quando ela ganhou um prêmio literário promovido por revista local e foi premiada com uma temporada na União Soviética. De volta aos EUA, estudou jornalismo e drama na Universidade de Washington e foi tentar a sorte em Nova York. Lá participou de peças teatrais e foi descoberta por agentes do estúdio Paramount, onde assinou contrato de 07 anos e fez a sua estréia no cinema com o filme TOO MANY PARENTS (1936), de Robert McGowan, dando início a uma promissora carreira cinematográfica. O seu caráter independente e a sua instabilidade emocional, aliados a uma insuspeitável tendência ao alcoolismo, geraram problemas com o famoso estúdio e o seu contrato foi cancelado em 42. No final desse mesmo ano, foi detida por dirigir embriagada e declarada "mentalmente incompetente". Iniciava-se aí o seu calvário por vários sanatórios, com direito a choques elétricos e lobotomia cerebral. Só recebeu alta em 1949 (!) e nunca mais conseguiu reerguer a sua carreira, só realizando mais um único filme em 1958. Teve um programa de TV que durou 06 anos, casou três vezes e morreu de cancêr em 1970, aos 56 anos. Talvez a sua loucura maior foi ter sido transgressora e muito avançada para o seu tempo, ou talvez inteligente demais para personificar o papel da loira burra e sensual, tão comum na década de 30 em Hollywood. Enfim, são suposições sobre uma matéria muito difícil de ser estudada: a condição humana. E para finalizar, eu pergunto: O que é a loucura, afinal? Responda se for capaz, pois".....louco é quem me diz, e não é feliz, eu sou feliz..........".

A ENGOLIDORA DE ESPADAS

2006-01-05T12:33:00.000-08:00

Esta inocente jovem, chama-se Linda. Mais precisamente, Linda Susan Boreman, nascida no dia 10 de janeiro de 1949, em pleno bairro do Bronx, Nova York. Começou a carreira como engolidora de espadas no meio circense e foi catapultada ao estrelato mundial quando deixou o instrumento original de trabalho e passou a engolir outro, mais roliço e menos cortante que as lâminas que manuseava. Já com o nome artístico de Linda Lovelace , protagonizou o maior hit do cinema pornográfico de todos os tempos: Garganta Profunda(1972). Na obra, ela descobre que tem o clitóris na garganta e passa a satisfazer os seus desejos carnais com muito sexo oral. A forma como realizava o fellation era inédita até então e tirou o filme das sombras das poucas e pequenas salas de subúrbio, destinadas aos tarados de plantão. Foi parar nos grandes cinemas e virou mania nacional, sendo assistido por cantores, atores hollywoodianos e artistas da moda. Até a justiça se manifestou, apreendendo cópias, proibindo a exibição em 23 estados e prendendo o ator principal por atentado ao pudor (o peludo Harry Reems). Dirigido pelo ex-cabelereiro Gerard Damiano, produzido pelo então marido de Linda, Chuck Trainor, e patrocinado pela Máfia, o filme foi feito em 06 dias, custou míseros dólares e rendeu milhões, tornando-se um dos mais rentáveis da indústria cinematográfica norte-americana. Antes dele, Linda participou de oito curtas em supper 8, sobre fetichismo, realizados pelo marido e depois fez apenas mais dois longas, ambos fracassos: a continuação de Garganta (Deep Throat II, 1974) , sem sexo explícito (!) e a farsa Linda Lovelace for President (1975) . Em 74, pede o divórcio a Chuck Trainor e alega que havia sido forçada por ele a fazer as cenas explícitas, tendo atuado sob efeito de hipnose. Se envolve com seitas religiosas e movimentos feministas, até reaparecer em 80 com o lançamento da controversa biografia Ordel, onde entre muitas revelações, alega ter sido mãe em 1969, aos 20 anos, e não ter conhecido a criança, entregue para a adoção. Morreu em 2002, num acidente automobilístico e perdeu a chance de ver o seu nome novamente na mídia através do documentário INSIDE THE DEEP THROAT(2005) de Fenton Bailey e Randy Barbato , que relata os percalços vividos por todos os envolvidos na produção do clássico pornô. Morreu esquecida e deixou dois filhos do segundo casamento. Triste fim para aquela que, com um único sucesso, tornou-se a maior estrela pornô do cinema.

O SAPATO FURADO

2006-01-04T11:28:00.000-08:00

VIVA SAPATO!
Idem. Brasil,2004. De: Luiz Carlos Lacerda. Com: Jorge Sanz, Laura Ramos, Irene Ravache, Ney Latorraca, Vladimir Cruz. Paula Burlamaqui, Maria Galiana, Caio Junqueira, Maitê Proença, José Wilker, Isadora Ribeiro, Marcelo Antony, Lea Garcia, Ângela Vieira, Paulo César Grande, Buza Ferraz. C/OP-14.
94 MIN. Assistido em 02/01 em DVD
Sinopse
Dolores (Laura Ramos) é uma bela dançarina cubana que decide abandonar seu casamento desastroso para abrir um restaurante à beira-mar, em parceria com a tia (Irene Ravache) que mora no Brasil. Precisando de dinheiro para concluir as obras do restaurante, Dolores fica furiosa ao receber como presente da tia um par de sapatos de dança em vez da ajuda financeira prometida. Sem dinheiro, vende os sapatos por alguns trocados. Todos os seus planos parecem ter ido por água abaixo, até que ela descobre que o dinheiro estava escondido nos grandes saltos dos sapatos.
Comentário
Realmente o diretor tem muitos amigos, e só essa conclusão é capaz de justificar a presença e as participações especiais de pessoas ilustres como o diretor Nelson Pereira dos Santos e o ator José Wilker,num papel pequeno e medíocre, nesta bomba chamada Viva Sapato!. Luiz Carlos Lacerda ou Bigode como muitos o chamam, circula pelo meio cinematográfico há muitos anos. Na década de 60 foi amigo inseparável da diva Leila Diniz e com ela rodou seu primeiro longa Mãos Vazias. Foi promovendo este filme num festival australiano, que o avião que levava atriz caiu e encerrou prematuramente a sua carreira. Depois de superado o trauma, Bigode dirigiu dois filmes obscuros e pouco vistos: Como era Freak o Meu Vale (1972) e Princípio do Prazer (1979); e participou da produção de vários filmes de outros diretores. Voltou triunfante em 1987 com a cinebiografia da inesquecível amiga. O filme Leila Diniz conta com uma exuberante interpretação de Louise Cardoso e ganhou inúmeros prêmios nacionais. Infelizmente, anos depois ele cometeu o infeliz For All- o Trampolin da Vitória, sobre a criação de uma base norte americana durante a Segunda Guerra no estado do Rio Grande do Norte e as conseqüência sociais dos costumes estrangeiros sobre a população local. A insistência de tornar o filme uma chanchada como as da Atlântida, criou um verdadeiro samba-do-crioulo-doido com vários personagens perdidos e subaproveitados. Por fim, ao vermos este Viva Saparto!, toda a credibilidade do diretor vem a baixo. História sem pé nem cabeça, personagens deslocados, cenas de sexo forçadas e uma suspeitável tendência de mostrar Cuba coma a última maravilha mundial. A pobreza e as dificuldades da população local não é evidenciada, e uma personagem brasileira vai buscar a glória e o dinheiro abrindo um restaurante em Cuba(!). Bigode devia pegar carona e filmar por aquelas praias, assim nos pouparia de obras como esta.

BLUE MOVIE

2006-01-04T11:19:00.000-08:00

BLUE MOVIE
Idem. Holanda,1971. De: Win Verstappen. Com: Hugo Metsers, Carry Tefsen, Kees Brusse, Ursula Blauth, Ine Veen, Helmert Woudenberg. A/DR. Visto em 03/01 no PC (emule)
Sinopse
Jovem holandês sai da prisão e vai morar num apartamento de subúrbio, onde é acompanhado de perto pelo agente da condicional e pelas folgosas vizinhas que o usam como objeto sexual. Ao final, se apaixona por uma mãe solteira chamada Júlia e passa a ganhar dinheiro promovendo orgias e filmes em super 8 usando os vizinhos.
Comentário
Um estrondoso sucesso de bilheteria na Holanda. Menos pelas qualidades artísticas e mais pelo escândalo causado pelas fortes cenas de nudez (com direito a ereção) e sexo, que beira o explícito. Rodado quase que integralmente numa única locação, um bloco de edifícios de classe média em Amsterdã, foi produzido com poucos recursos pelo também cineasta Pim de La Parra. Foi o quarto longa do diretor, que morreu vítima de câncer em 2004, ocasião em que o filme foi exibido pela tv holandesa como homenagem póstuma. Do elenco, Hugo Metsers foi quem mais se destacou e fez uma carreira extensa com direito a outras obras recheadas de sexo (Frank & Eva, Alicia). O seu filho, Hugo metsers III, faz um bem sucedida carreira no novo cinema holandês. A obra ficou na história pelas ousadias, mas também apresenta um forte subtexto social quando relata a difícil integração de um ex-detento (neste ponto lembra muito Liberdade Condicional, de Ulu Gosbard e com Dustin Hoffman) e uma ácida crítica ao sistema, principalmente na cena em que o protagonista, já bem sucedido por promover orgias e produzir filmes pornôs, compra o silêncio do agente policial responsável pela condicional e mostra vários casais transando para evidenciar a falência moral da sociedade holandesa. Um filme com sexo, que critica a falta de limites e os excessos cometidos em nome do prazer. Só mesmo uma obra da década de 70 para gerar uma reflexão dessas, já que produção atual foge de temas tabus e parece, em certos momentos, assexuada.

AS DRAG QUEENS FAJUTAS

2006-01-04T11:11:00.000-08:00

CONNIE E CARLA, AS RAINHAS DA NOITE
Connie and Carla. EUA, 2004. De: Michael Lembeck. Com: Nia Vardalos, Toni Collete, David Duchovny, Stephen Spinella, Robert John Burke, Debbie Reynolds. OP/C. Assistido em 01/01 pela HBO
Comecei o ano assistindo a essa comédia, que foi um retumbante fracasso nos EUA, apesar de ter como produtores os mesmos responsáveis pelo sucesso Casamento Grego, inclusive a Sra. Tom Hanks, Rita Wilson. A premissa do roteiro é a mesma de Mudança de Hábito, com Whoopi Goldberg: duas jovens cantoras sonham com o estrelato e se apresentam em restaurantes de quinta categoria, até que por acaso presenciam o assassinato de um traficante e são obrigadas a fugir para Los Angeles. Ao contrário de Whoopi que vai para um convento, elas se refugiam em bairro gay (as personagens são tão absurdamente inocentes que só percebem este detalhe quando vêem dois homens se beijando!) e fingem ser drag queens para realizar shows num bar local. Tornam-se um sucesso, inclusive pelo fato de cantarem ao vivo e não com playback, e são descobertas pelos bandidos. O que salva o filme são os divertidos números musicais das atrizes, que usam a própria voz e cantam muito bem. Mas é muito pouco para salvar esta obra, com péssimo roteiro e um final absurdo, com direito a Debbie Reynolds surgindo do nada e com todos os conflitos da trama sendo resolvidos no último momento, em pleno palco e diante da platéia. Toni Collete merecia coisa melhor do que servir de escada para a inferior Vardalos.

A PAZ INVADIU O MEU CORAÇÃO........

2005-10-23T08:38:00.000-07:00

VAMOS INICIAR COM UM BEIJO.........

2005-06-26T15:30:00.000-07:00

Burt Lancaster e Deborah Kerr no clássico A UM PASSO DA ETERNIDADE, dirigido por Fred Zinneman em 1951. Esta cena entrou para a história pela beleza e ousadia. A censura da época era dominada pelo temido Código Hayes, que proíbia beijos demorados e qualquer contato físico intenso. A produtora comprou a briga, o filme foi campeão de bilheteria e ainda abocanhou o oscar de melhor filme. Sinal de que um beijo bem dado faz a diferença...................

NASCEU, O BLOG NASCEU!!!!!

2005-06-26T14:51:00.000-07:00

O blog BENDITOS FILMES nasce hoje, domingo 26 de junho de 2006, as 19:00 horas. Ele vem com o objetivo de destacar todo o tipo de produção cinematográfica, desde filmes intimistas até as grandes produções. Também traremos fatos curiosos e figuras que fizeram e fazem história no mundo mágico do cinema. A nossa linguagem será clara e objetiva, não faremos como muitos pseudo-intelectuais, que acham que citar palavras difíceis e teorias cinematográficas os tornam melhores ou mais inteligentes, ou como alguns críticos de ocasião, que se aproveitam de idéias vistas em revistas, jornais e outros blogs como se fossem suas. Aqui o nosso discurso será direto e acessível, sem fírulas e artifícios. Que a nossa existência seja longa como um bom e velho filme que permanece intacto nas mentes de seus admiradores.